Guy James Robin (geb. 2. August 1989), besser bekannt unter seinem Künstlernamen Jonas Blue, ist ein englischer DJ, Plattenproduzent, Songwriter und Remixer aus London, der Musik produziert, die Tanzmusik mit Pop-Sensibilität verbindet. Im Jahr 2015 veröffentlichte Blue ein tropisches Cover von Tracy Chapmans 1988er Single "Fast Car". Es war seine Debütsingle mit dem Gesang aus Dakota. Die Jonas Blue-Version erreichte hinter Zayn Maliks "Pillowtalk" den zweiten Platz in der UK Singles Chart. Aufgrund seines Höchststandes in Großbritannien lag er höher als Chapmans Original, das im Mai 1988 den fünften Platz in der Tabelle erreichte und bei einer erneuten Veröffentlichung im April 2011 eine höhere Position einnahm. Außerdem blieb er 11 Wochen lang in den Top 10. Die Jonas Blue-Version erreichte auch die Nummer eins in Deutschland, Schweden, Australien und Neuseeland sowie den ersten Platz in der US-Virenkarte von Spotify. Die Single wurde in Italien und Großbritannien mit Platin, in Neuseeland mit 2 × Platin und in Australien mit 3 × Platin ausgezeichnet. Bis heute wurde der Track auf Spotify über 580 Millionen Mal gestreamt und hat auf Vevo über 310 Millionen Aufrufe erzielt. Am 3. Juni 2016 veröffentlichte er eine neue Single mit dem Titel "Perfect Strangers" mit JP Cooper auf Virgin EMI Records. Bislang wurde seine zweite Single in Großbritannien mit Platin, in Australien mit Doppelplatin und in Neuseeland mit Gold ausgezeichnet. Der Track führte auch dazu, dass Blue eine Milliarde Streams über seine Tracks und Videos erreichte. Am 28. Oktober 2016 erschien seine dritte Single mit dem Titel "By Your Side" mit dem britischen Sänger Raye erneut bei Virgin EMI Records. Am 5. Mai 2017 veröffentlichte er den Song "Mama" mit dem australischen Sänger William Singe.
Shikao Suga (* 28. Juli 1966 in Tokio) ist ein japanischer Musiker und Singer-Songwriter, der für das Schreiben von Titeln für verschiedene Anime-, Film- und Werbeanzeigen bekannt ist. Sein Name in Kanji ist 菅 菅 戈 戈. Er benutzt Katakana als seinen professionellen Namen. "Yozora no Mukō", das Lied, zu dem er die Texte schrieb und das von SMAP gesungen wurde, ist in mehreren japanischen Musiklehrbüchern erschienen. Sowohl SMAPs "Yozora no Mukō" (1998) als auch KAT-TUNs "Real Face" (2006) debütierten auf dem ersten Platz oder erreichten schnell den Spitzenplatz in den Oricon-Charts und verkauften jeweils über 1 Million Einheiten. (夜空 夜空 ム コ コ) (Japan Top Singles)
Mehrere seiner Songs wurden in Anime-Fernsehserien sowie in aus Manga adaptierten Live-Action-Dramen und -Filmen verwendet. Honey and Clover enthielten Songs aus seinem Album "Clover", wie "Hachigatsu no Serenade", "Tsuki to Knife" und "Yubikiri". Das Lied "Manatsu no Yoru no Yume" ist im ersten Death Note-Live-Action-Film als Insert-Song erschienen. Sein Lied "Yūdachi" wurde als Abschlussthema für den Film Boogiepop and Others und als Eröffnungsthema für die Animeserie Boogiepop Phantom aus dem Jahr 2000 verwendet. "Hajimari no Hi" wurde als erstes Eröffnungsthema für Letter Bee verwendet und nach einem Jahr und drei Monaten veröffentlichte er "Yakusoku", das die Eröffnung für die Fortsetzung von "Letter Bee", Letter Bee Reverse, sein sollte. In der Live-Action-Adaption des Mangas "Yotsuba ginkō Harashima Hiromi ga mono mōsu! ~ Kono hito (on'na) ni kakero ~" von 2019 war sein Lied "Tōi yoake" das erste Lied, das er als Titelsong für einen Fernseher schrieb Tokyo Dorama. Er hat auch die Titelsongs für die XXXHOLiC-Anime-Serie von CLAMP gemacht, einschließlich des Films xxxHOLiC: Manatsu no Yoru no Yume (Sanagi ~ Thema von xxxHOLiC the movie ~), seiner ersten TV-Staffel (Jūkyū-sai) und von "XXXHOLiC" Kei ", seine zweite Staffel (Nobody Knows). "Sofa" war das Lied, das in der OVA "xxxHOLiC: Shunmuki" am 17. Februar 2009 verwendet wurde. Im Februar 2013 wurde das XXXHOLiC-Live-Action-Drama auf WOWOW gestartet, und Sugas "Aitai" wurde als Eröffnungslied verwendet. Im Jahr 2015 erstellte CLAMP die Zeichnungen für das Musikvideo zu "あ な た ひ ひ と り.. に な る い よ" (Anata hitori Dake Shiawase ni naru koto wa yurusarenai no you, auch bekannt als "Anay wa yurusarenai no you") Bilder von Charakteren aus "XXXHOLiC", um sein Debüt zu feiern. Seine Songs wurden auch in Nicht-Manga-Filmen wie Dark Water ("Aozora") und Sweet Little Lies ("Ame agari no asa ni") sowie in unzähligen Fernsehwerbungen wie denen der Versicherungsagentur Sony Sompo aufgenommen. und einige Automarken und Wohnungsunternehmen. In Gintama wurde sein Name in Folge 115 erwähnt, und sein Lied "Progress" wurde in eine Parodie in Folge 9 der Serie "Shirogane no Tamashii" aufgenommen. "Progress" wurde auch in eine Parodie in aufgenommen Folge 69 von Shinkansen Henkei Robo Shinkalion Die Animation. Sein Name wurde auch in Haruki Murakamis Roman After Dark aufgenommen, in Anlehnung an sein Lied "Bakudan juice". (バ バ ク ダ ン ・ ジ ュ ー)
Er ist an der Plakatkampagne für Chica Uminos Manga-Serie March Comes in Like a Lion mit Anne Watanabe beteiligt. Sein Lied "Kizashi" wurde in der Werbeanzeige für den Manga verwendet und ist dort auf Wunsch von Umino selbst erschienen. Für Sugas 2013er Album "Aitai" wurde das Cover und das Künstlerfoto vom Fotografen und Filmregisseur Mika Ninagawa gemacht
Shikao Suga Asia Circuit 2017 in Tokio
Für seine Reisen unternahm er 2009 seine erste Auslandsreise nach London. Es sollte das erste Mal sein, dass er vor einem nicht-japanischen Publikum auftrat. Im September 2017 trat er erstmals offiziell auf dem amerikanischen Kontinent auf und nahm am Greenroom Festival in Hawaii teil, das er im folgenden Jahr wiederholte
Im Dezember 2017 unternahm er seine erste Asienreise und besuchte Singapur am 8. und Taiwan am 17. unter dem Titel "Shikao Suga Asia Circuit 2017". Am 26. Dezember beendet er die Tour in der Stadt Tokio.
Rankin 'Taxi (* 9. Februar 1953 in Yokohama) ist ein japanischer Reggae-Künstler. Im Jahr 2011 nahm er seinen 1989er Anti-Atom-Song 誰 誰 に 見 え え な い 匂 い も (Man kann es nicht sehen, man kann es nicht riechen) mit der Dub Ainu Band auf, die trotz des geringen Airplays im Mainstream Die japanischen Medien erregten im Juni 2011 die Aufmerksamkeit der New York Times in einem Artikel von Dan Grunebaum mit dem Titel Japans New Wave of Protest Songs, nachdem sie nach der Atomkatastrophe von Fukushima populär wurden. Rankin 'Taxi ist der Anführer der Reggae-Bewegung und hat die Reggae-Szene als Erfinder in Japan angezogen. Seitdem er 1983 vom jamaikanischen Soundsystem schockiert wurde, dirigiert er echte Reggae-Musik in der japanischen Musikszene. BOYOYON OYAJI, der gerade 55 Jahre alt geworden ist und 1988 als Taxi HiFi viele Werke als Reggae-DJ energetisch produziert hat. Es ist die Tatsache, dass er derjenige ist, der Reggae in Japan einführt. Außerdem gründete er das Label BASS KULCHA zur Ausgrabung junger Künstler und veröffentlichte viele Werke davon. Seine Herangehensweise an Reggae-Musik ist humorvoll, radikal und manchmal zu extrem. Wir können sagen, dass er als Verkörperung der Revel-Musik so talentiert ist. Sein Verhalten und seine Einstellung zur Reggae-Musik beeinflussen viele Künstler, so dass er von ihnen viele Unterstützung erhält. Zu seinen jüngsten Werken gehören das siebte Originalalbum „AMISHATSU SOUL“ (2005) und ein Liebesalbum „Let's Go Rockers“ (2006). Wie Sie sehen, hatte er seine Vitalität in die japanische Reggae-Szene gesteckt, um die Würde der Reggae-Musik zu vermitteln. Im April 2007 wagte er sich an das lange Zeit abwesende Solo-Live-Konzert „Rankin Taxi BOYOYON NIGHT“. Es gab zwei Auftritte der Band, HOME GROWN und LITTLE TEMPO. Darüber hinaus hat das Live mit einer 3-stündigen akustischen Session und einer beispiellosen Bühne eine dramatische und unvergessliche Erinnerung an die Reggae-Geschichte geschaffen. Außerdem nahm er an einem vielseitigen Album teil, um Rankin Taxi World zu verbreiten. Ende Februar 2008 wird das lang ersehnte neue Album „Shinumade Ikiru“ wie „Born Fi Dead“ von RIDDIM ZONE veröffentlicht.
Irgendwann im Jahr 2006 wurde DJ Txako geboren. Txako, ursprünglich Mitglied des bekannten Kollektivs „Caribbean Dandy“ und Rock-Latino-Promoter „Japonicus“, explodierte mit seiner einzigartigen Live-Performance und massiven Dosen Patchanka, Cumbia, Mestizo, Balkan, Ska, Reggae und Raw in eine ahnungslose Musikszene Tokios Energie. Bekannt für ihre Live-Shows auf bekannten Festivals wie dem Fuji Rock Festival (von 2007 bis 2017), dem Radical Music Network Festival, dem Asagiri Jam, dem Toyota Rock Festival, dem Go Out Jamboree usw. Txako tourte in Mexiko, Taiwan, Vietnam und den USA , Puerto Rico, Frankreich, Baskenland, Italien, Spanien, Katalonien und Japan. Sie tritt auf großen Festivals wie Vive Latino (Mexiko), Rototom Sunsplash (Spanien), Esperanzah World Music Festival (Spanien), Clownia Festival (Katalonien), Actual Festival (Spanien), Ariano Folk Festival (Italien) usw. auf. Auch Txako hat bekannte Künstler wie Rico Rodriguez, Roy Ellis, Manu Chao, Fermin Muguruza, Nathen Maxwell von Flogging Molly, DJ Scratchy, Mimi Maura, Ruda Salska, Obrint Pas, Sergent Garcia usw. unterstützt
In ihrem Gefolge machte sie viele Fans hungrig nach mehr und beeinflusste neue DJs in ganz Japan und dem Rest der Welt. Txako tourt weiter um den Globus. Drehen Sie in der Zwischenzeit die Lautstärke auf, treten Sie zurück und bereiten Sie sich auf den Frontalangriff vor, der als bekannt ist. DJ TXAKO !!.
Anna Lunoe stammt aus Sydney und überschreitet als DJ, Radiomoderator, Produzent, Sänger und Kurator in der Tanzszene kontinuierlich Grenzen. Anna startete als Radiomoderatorin im australischen FBi-Community-Radio und erlangte durch ihre Titelauswahl und ihre charismatische Präsenz schnell Bekanntheit in der Luft. Sie entwickelte sich bald zu einer der besten DJs in Australiens aufstrebender Tanzszene. Nachdem Anna die Festivals, Airwaves und Clubs Australiens dominiert hatte, zog sie 2012 nach Los Angeles, um ihre Karriere weiter auszubauen. Sie veröffentlichte ihr Debüt Anna Lunoe & Friends EP und etablierte sich nicht nur als außergewöhnlicher DJ, sondern auch als Produzentin. Der A-Side-Track "Real Talk" war vier Monate lang die Nummer 1 in Beatports Indie-Dance-Charts, und die B-Side "I Met You", eine Zusammenarbeit mit einem damals noch relativ unbekannten Flume, sammelte Millionen von Streams. Von dort sprang sie von einem zukunftsweisenden Clubbanger zum nächsten und veröffentlichte Fools Gold, Mad Decent, OWSLA, Ultra und Spinnin '. Gleichzeitig wurde sie zu einem Publikumsliebling in der US-amerikanischen Live-Szene und trat auf Festivals in den USA auf, darunter Coachella, Lollapalooza , Electric Forest und EDC Las Vegas, wo sie als erste weibliche Solistin die Hauptbühne spielte. Unter den vielen, die Annas ständigen Aufstieg und sein scharfes Ohr für den Untergrund bemerkten, war auch Zane Lowe. Aus diesen Gründen wandte er sich an Anna, um die Beats1-Plattform von Apple Music zu starten. Hier debütierte sie mit der Marke HYPERHOUSE und der Radioshow, ihrem bislang breitesten Absatzmarkt für die Präsentation aufstrebender und etablierter Talente. Jahre später gedeiht Lunoe weiterhin als die Stimme der Tanzmusik bei Beats1, als Gastgeber der wöchentlichen Dance Chart, einer der gefragtesten Stationen. HYPERHOUSE hat sich auch zu einer fortlaufenden Livestream-Serie, einem Label, einer Tour mit von Anna selbst kuratierten Wechselacts und einer Übernahme der Festivalbühne bei Veranstaltungen wie Holy Ship, Hard Fest, WMC, Electric Zoo und anderen weiterentwickelt. 2017 begann ein neues Kapitel in Annas Leben, als sie in die Mutterschaft eintrat. Sie produzierte und tourte den ganzen Weg durch ihre Schwangerschaft und war Headliner ihrer eigenen Bühne beim 10-jährigen Jubiläum von Hard Summer im achten Monat der Schwangerschaft. Nach einer dreimonatigen Pause für den Übergang in die Mutterschaft (ihre längste Pause aller Zeiten) ging Anna wie immer in das Jahr 2018 und sprang direkt in die großen Ligen zurück, um Kollaborationen mit Dillon Francis, GTA, Born Dirty, Wax Motif und Valentino Khan zu veröffentlichen. Sie hat ihre beispiellose Leidenschaft und ihre einzigartige Position in dieser Branche mit bemerkenswerten Auftritten beim CRSSD Festival unter Beweis gestellt. Sie war Headlinerin und Kuratorin einer Bühne im Electric Zoo, dominierte das Publikum bei Splendor in the Grass und gab ihr europäisches Festivaldebüt in Tomorrowland. 2019 zeigt keine Anzeichen einer Verlangsamung für Anna, als sie mit einer Menge neuer Musik in das neue Jahr startet, ihre Hosting-Aufgaben in der wöchentlichen Beats1-Show Dance Chart fortsetzt, ihr Kurationszentrum HYPERHOUSE erweitert und auf ein volles Jahr voller Festivalbuchungen wartet auf der ganzen Welt. Es gibt niemanden im Spiel, der so ist wie Anna Lunoe.
Martijn Gerard Garritsen, professionell bekannt als Martin Garrix, ist ein niederländischer DJ und Plattenproduzent aus Amstelveen. Seine bekanntesten Singles sind "Animals", "In the Name of Love" und "Scared to be Lonely". Er war drei Jahre in Folge (2016, 2017 und 2018) die Nummer eins auf der Liste der Top 100 DJs von DJ Mag. Er hat auf Musikfestivals wie Coachella, Electric Daisy Carnival, Ultra Music Festival, Tomorrowland und Creamfields gespielt. 2014 leitete er die 1. Ausgabe von Ultra South Africa und machte dies zu seinem ersten großen Festival. Im selben Jahr war er der jüngste DJ, der im Alter von 17 Jahren das Ultra Music Festival 2014 leitete. Er war Resident-DJ bei Hï Ibiza (2017) und Ushuaïa Ibiza (2016 und 2018) in Spanien. Er gründete das Label Stmpd Rcrds im Jahr 2016, Monate nachdem er Spinnin 'Records verlassen hatte und bevor er bei Sony Music unterschrieb. Garrix wurde am 14. Mai 1996 als Martijn Gerard Garritsen in Amstelveen in den Niederlanden als Sohn von Gerard und Karin Garritsen geboren. Er hat eine jüngere Schwester namens Laura. Schon in jungen Jahren zeigte er musikalisches Interesse und lernte im Alter von 8 Jahren das Gitarrenspielen. 2004 zeigte er Interesse daran, DJ zu werden, nachdem er den niederländischen DJ Tiësto bei der diesjährigen Eröffnungsfeier der Olympischen Sommerspiele in Athen gesehen hatte. Er ließ sich besonders von dem Titel "Traffic" inspirieren und forderte ihn auf, die Spezialsoftware FL Studio herunterzuladen und mit dem Komponieren zu beginnen. 2013 absolvierte er die Herman Brood Academy, eine Produktionsschule in Utrecht. Im Mai 2016 leitete Garrix eine Veranstaltung in Los Angeles. Alle Einnahmen gingen an die gemeinnützige Organisation Fuck Cancer, die sich der Früherkennung, Prävention und Unterstützung von Krebskranken widmet. Im November 2016 startete Garrix seine Indien-Tour mit einer speziellen Wohltätigkeitsshow in Mumbai mit über 62.000 Teilnehmern. Die Wohltätigkeitsveranstaltung, die auf der Mahalaxmi Racecourse veranstaltet wurde, hatte zum Ziel, indische Kinder zu erziehen. Der Erlös der Show wurde an Magic Bus gespendet, der die Ausbildung von 10.000 Kindern im ganzen Land unterstützen wird. Am 24. Februar 2017 wurde Garrix als "internationaler Freund" für das SOS-Kinderdorf in Südafrika bekannt gegeben, eine gemeinnützige Organisation, die "Familien für verwaiste, verlassene und andere gefährdete Kinder auf der ganzen Welt aufbaut". Im Gespräch mit Billboard sagte er: "Es ist schrecklich, dass so viele Kinder auf der ganzen Welt nicht die Unterstützung einer fürsorglichen Familie haben." Am 28. Februar 2019 besuchte Garrix das SOS-Kinderdorf in Südafrika während einer Tour für Ultra South Africa. Während seines Besuchs spielte Garrix ein einstündiges DJ-Set vor einer aufgeregten Menge von hundert Kindern und Jugendlichen, von denen einige erst drei Jahre alt waren und von ihren SOS-Müttern begleitet wurden.
Chaz Bear (* 7. November 1986 in Chazwick, Bradley Bundick) ist ein US-amerikanischer Sänger, Songwriter, Plattenproduzent und Grafiker. Seine Musik hat seit Beginn der Aufnahme viele Formen angenommen, aber er wird oft mit dem Aufstieg der Chillwave - Bewegung in den Jahren 2010 und 2011 in Verbindung gebracht "und" bzw.) und das französische Wort moi (bedeutet "ich"). Chazwick Bradley Bundick wurde am 7. November 1986 in Columbia, South Carolina, als Tochter einer philippinischen Mutter und eines afroamerikanischen Vaters geboren. Er besuchte die Ridge View High School, wo er mit drei Schulkameraden die Indie-Rock-Band The Heist and The Accomplice gründete. Bundick schloss im Frühjahr 2009 sein Studium an der University of South Carolina mit einem Bachelor in Grafikdesign ab. Spät in seiner Schulkarriere knüpfte Toro y Moi eine enge musikalische Beziehung zu seinem Kollegen Ernest Greene, der unter dem Namen Washed Out auftritt. Mitte 2009 wurde Toro y Moi bei Carpark Records unter Vertrag genommen, auf dem er im Januar 2010 sein Debütalbum Causers of This veröffentlichte. Bei Causers of This experimentierte Bundick mit Sampling- und Produktionstechniken unter Verwendung der digitalen Audio-Workstation Reason. Das Album wurde mit dem "Chillwave" -Subgenre verglichen. Allerdings gab Bundick an, dass er seine Musik niemals als solche eingestuft habe. Bundick bezeichnet das Thema des Albums als "persönlich" und nennt es ein "Trennungsalbum". Tourneen, die Ruby Suns, Caribou und Phoenix unterstützen, folgten der Veröffentlichung des Albums. Das zweite Album von Toro y Moi, Underneath the Pine, wurde am 22. Februar 2011 veröffentlicht. Das Album wurde bei Bundick zu Hause zwischen den Tourneen aufgenommen, während Causers of This unterstützt wurde. Underneath the Pine war eine stilistische Abkehr vom vorherigen Album, da es aus allen Live-Instrumenten bestand und keine Samples enthielt. Bundick zitiert Horrorfilm-Soundtracks, Space Disco und die Filmkomponisten Piero Umiliani und François de Roubaix als Inspiration für den Sound des Albums. [14] Budick erklärt weiter: "Was Underneath the Pine beeinflusste, war, Dinge zu finden, die ich für Causers probieren wollte. Viele der Dinge, die ich für Causers probierte, waren die musikalische Hauptinspiration für Underneath the Pine."
In einem Interview mit der Website von The Sinema schlug er vor, dass er über das Chillwave-Genre hinausgegangen sei: "All das Zeug ist wirklich gute Musik, wie Ernest Green (Washed Out) und Neon Indian. Ich bin ein großer Fan von all dem , aber ich denke, [Chillwave] war nur eine kleine Periode, in der wir alle zufällig waren. "
Am 13. September 2011 veröffentlichte Toro y Moi eine EP mit dem Titel Freaking Out mit einem Cover von "Saturday Love" von Cherrelle und Alexander O'Neal. Der Sound der EP wurde stark von Boogie und R & B der 80er beeinflusst. Die Band wurde von Caribou für das ATP Nightmare Before Christmas Festival ausgewählt, das sie im Dezember 2011 in Minehead, England, mitkuratiert hatten. Im Juni 2017 kündigte Toro y Moi eine Single "Girl Like You" und ein neues Album Boo Boo an, das am 7. Juli 2017 von Carpark Records veröffentlicht wurde. Bei der Kreation von Boo Boo wurde Bundick von einer vielseitigen Mischung aus Daft Punk, Frank Ocean, Travis Scott und Oneohtrix Point Never beeinflusst. Zwei Wochen vor der Veröffentlichung von Boo Boo twitterte Bundick, dass er nicht auf Tour gehen würde, um für das nächste Album zu werben. Am 10. Januar 2019 gab Toro bekannt, dass er am 18. Januar 2019 sein neues Album Outer Peace auf Carpark Records veröffentlichen werde. Es war als Teil des First Listen-Programms von NPR erhältlich.
Nicola Cruz 'Musik erinnert an die Landschaften und Rituale seiner Heimat Ecuador, einem Land, in dem sowohl die Anden als auch der Amazonas-Dschungel beheimatet sind. Seine Musik ist eine Erforschung alter Mythologien und folkloristischer Traditionen in einem modernen Umfeld. Nicola wurde in Limoges, Frankreich, als Sohn ecuadorianischer Eltern geboren. Seine Erziehung war von einer reichen musikalischen Ausbildung sowohl in indigenen Traditionen als auch in westlichen Theorien umgeben, und schon in jungen Jahren begann er mit dem Schlagzeug. Aus dieser musikalischen Verbindung zwischen Vergangenheit und Gegenwart, Tradition und Moderne ist eine fortlaufende südamerikanische Bewegung entstanden, die die lokalen indigenen und afro-Kosmologien durch einen sorgfältig ausgearbeiteten analogen Klang erforscht. 2012 arbeitete Nicola mit Nicolas Jaars mittlerweile nicht mehr existierendem Label Clown & Sunset zusammen. Prender el Alma, Nicolas Debütalbum, wurde am 30. Oktober dieses Jahres auf ZZK Records veröffentlicht. Nicola Cruz ist vielleicht der bekannteste Befürworter zukunftsweisender Tanzmusik mit lateinischen - oder genauer gesagt Anden - Einflüssen. Seine Arbeit, die immer noch in Quito, Ecuador am Fuße der Anden, angesiedelt ist, verleiht den Volkstraditionen und -instrumenten der Region weiterhin eine neue emotionale Resonanz für moderne Tanzflächen. 2019 wird er mit einer neuen Show und einem neuen Album nach Sónar zurückkehren, über die wir sehr bald mehr sprechen können. Als er 2016 zum ersten Mal gegen Sónar spielte, war Nicola Cruz auf der internationalen Rennstrecke wenig bekannt. Jedem, der die Show sah oder die Wiederholung auf Youtube sah, war klar, dass dies nicht lange so bleiben würde. Die Show, in der seine LP Prender el Alma gezeigt wurde, folgte der Zusammenarbeit mit Nicolas Jaar und war als Klangkünstler tätig. Seine Faszination für die alte Musik und die Traditionen der Anden wurde auf Espíritu und Cantos de Vision weiterentwickelt - beide auf dem hervorragenden Montrealer Label Multi Culti veröffentlicht. Diese Veröffentlichungen von 2017 haben seine Musik und sein Ansehen auf ein neues Niveau gebracht, was zu Auftritten an Veranstaltungsorten und Festivals auf der ganzen Welt führte und den Kreis zur SonarHall schloss, der Bühne, auf der ihn viele zum ersten Mal entdeckten.
Sia Kate Isobelle Furler (* 18. Dezember 1975 in Australien) ist eine australische Sängerin, Songwriterin, Plattenproduzentin und Musikvideodirektorin. Sie begann ihre Karriere als Sängerin in der Acid Jazz Band Crisp Mitte der 1990er Jahre in Adelaide. Als sich Crisp 1997 auflöste, veröffentlichte sie ihr Debüt-Studioalbum mit dem Titel OnlySee in Australien. Sie zog nach London, England, und lieferte Lead-Vocals für das britische Duo Zero 7. Im Jahr 2000 veröffentlichte Sia ihr zweites Studioalbum Healing Is Difficult auf dem Columbia-Label im folgenden Jahr und ihr drittes Studioalbum Color the Small One , im Jahr 2004, aber alle diese hatten Schwierigkeiten, sich mit einem Mainstream-Publikum zu verbinden. Sia zog 2005 nach New York City und tourte in den USA. Ihre vierten und fünften Studioalben, Some People Have Real Problems und We Are Born, wurden 2008 bzw. 2010 veröffentlicht. Jedes wurde von der Australian Recording Industry Association mit Gold ausgezeichnet und fand größere Beachtung als ihre früheren Alben. Sia fühlte sich mit ihrem wachsenden Ruhm nicht wohl und machte eine Pause von der Aufführung. Während dieser Zeit konzentrierte sie sich auf das Songwriting für andere Künstler und produzierte erfolgreiche Kollaborationen "Titanium" (mit David Guetta), "Diamonds" (mit Rihanna) und "Wild Ones" (mit Flo) Rida). 2014 brach Sia schließlich als Solo-Aufnahmekünstlerin durch, als ihr sechstes Studioalbum, 1000 Forms of Fear, auf Platz 1 der US Billboard 200 debütierte und die Top-Ten-Single "Chandelier" und eine Trilogie mit Musikvideos mit Kind produzierte Tänzerin Maddie Ziegler. 2016 veröffentlichte sie ihr siebtes Studioalbum This Is Acting, aus dem ihre erste Single "Cheap Thrills", Billboard Hot 100 Nummer eins, hervorging. Im selben Jahr gab Sia ihr Nostalgic für die Present Tour, die das Tanzen von Ziegler und anderen sowie andere Elemente der Performancekunst beinhaltete. Sia trägt eine Perücke, die ihr Gesicht verdeckt, um ihre Privatsphäre zu schützen. Zu den Auszeichnungen, die Sia erhalten hat, gehören ARIA Awards und ein MTV Video Music Award.
Courtney Melba Barnett ist eine australische Sängerin, Songwriterin und Musikerin. Bekannt für ihre witzigen, verwirrenden Texte und ihren toten Gesangsstil, erregte sie mit der Veröffentlichung ihrer Debüt-EP "I'm a Friend Called Emily Ferris" Aufmerksamkeit. Das internationale Interesse der britischen und amerikanischen Musikpresse kam im Oktober 2013 mit der Veröffentlichung der Doppel-EP: A Sea of Split Peas. Barnetts Debütalbum "Manchmal sitze ich und denke nach" und "Manchmal sitze ich einfach" wurde 2015 veröffentlicht, um breite Anerkennung zu erlangen . Bei den ARIA Music Awards 2015 gewann sie vier Auszeichnungen aus acht Nominierungen. Sie wurde bei den 58. jährlichen Grammy Awards als beste neue Künstlerin und bei den Brit Awards 2016 als internationale Solokünstlerin nominiert. 2017 veröffentlichte sie Lotta Sea Lice, ein gemeinsames Album mit Kurt Vile. Am 15. Februar 2018 veröffentlichte Barnett die Single "Nameless, Faceless", gefolgt von "Need a Little Time" am 15. März 2018. Die dritte Single, "Sunday Roast", erschien am 10. Mai 2018. Ihr zweites Album, Tell Me How You Really Feel wurde am 18. Mai 2018 veröffentlicht, während die Single "City Looks Pretty" im Videospiel EA Sports FIFA 19 zu sehen war. Courtney Melba Barnett wurde am 3. November 1987 in Sydney geboren. Sie wuchs an Sydneys nördlichen Stränden auf. Als sie 16 Jahre alt war, zog ihre Familie nach Hobart. Sie besuchte die St Michael's Collegiate School und die Tasmanian School of Art. Aufgewachsen in amerikanischen Bands, entdeckte sie die australischen Singer-Songwriter Darren Hanlon und Paul Kelly, die sie dazu inspirierten, Songs zu schreiben.
Anne-Marie Rose Nicholson, besser bekannt als Anne-Marie (* 7. April 1991 in London), ist eine englische Sängerin und Songwriterin. Sie hat mehrere Chart-Singles in der UK Singles Chart erreicht, darunter "Rockabye" von Clean Bandit mit Sean Paul, der den ersten Platz erreichte, sowie "Alarm", "Ciao Adios", "Friends" und "2002". Ihr Debüt-Studioalbum Speak Your Mind wurde am 27. April 2018 veröffentlicht und erreichte am 5. Mai 2018 den dritten Platz in den offiziellen britischen Charts (UK Album Charts). Anne-Marie ist ein schwarzer Gürtel im Shotokan Karate und begann im Alter Karate-Unterricht zu nehmen neun. Sie gewann 2002 Double Gold bei den Weltmeisterschaften der Funakoshi Shotokan Karate Association. Gold und Silber bei den Weltmeisterschaften 2007 der Funakoshi Shotokan Karate Association und Gold bei den nationalen Meisterschaften der Traditional Karate Federation in Großbritannien. Sie schreibt dies dem Unterrichten ihrer "Disziplin und Konzentration - im Grunde alles, was ich für diese Karriere brauche" zu, hat aber aufgrund der Erfüllung von Verpflichtungen keine Zeit mehr, sie häufig zu üben. Als Teenager besuchte sie auch das Palmer's College in Thurrock. Am 20. Mai 2016 veröffentlichte Anne-Marie die erste Single aus ihrem Debütalbum "Alarm", die im Juni eine Woche auf Platz 76 verbrachte, bevor sie einen Monat später wieder auftauchte. es erreichte später Platz 2 und wurde in Großbritannien mit Platin ausgezeichnet.
Thomas Edward Yorke (* 7. Oktober 1968 in London) ist ein englischer Musiker, der vor allem als Leadsänger und Haupt-Songwriter der alternativen Rockband Radiohead bekannt ist. Als Multiinstrumentalist spielt er hauptsächlich Gitarre und Klavier. Zusammen mit den anderen Mitgliedern von Radiohead wurde er 2019 in die Rock and Roll Hall of Fame aufgenommen. Yorke wurde in Northamptonshire geboren. Seine Familie lebte in Schottland, bevor er sich in Oxfordshire, England, niederließ, wo er mit seinen Schulkameraden Radiohead gründete. Nach seinem Abschluss an der University of Exeter unterschrieb Radiohead bei Parlophone. Ihr früher Hit "Creep" machte Yorke zu einer Berühmtheit, und Radiohead erzielte über 30 Millionen Alben. Auf ihrem vierten Album, Kid A (2000), wechselten Yorke und die Band in die elektronische Musik und manipulierten oft seinen Gesang. 2006 veröffentlichte Yorke sein Solo-Debütalbum The Eraser, das hauptsächlich aus elektronischer Musik besteht. Um The Eraser live zu spielen, gründete er 2009 eine neue Band, Atoms for Peace, mit Musikern wie dem Red Hot Chili Peppers-Bassisten Flea und dem Radiohead-Produzenten Nigel Godrich. 2013 veröffentlichten sie das Album Amok. 2014 veröffentlichte Yorke sein zweites Soloalbum, Tomorrow's Modern Boxes. Er hat mit Künstlern wie PJ Harvey, Björk, Flying Lotus und Modeselektor zusammengearbeitet und für Film und Theater komponiert. Sein erster Spielfilm-Soundtrack, Suspiria, wurde im Oktober 2018 veröffentlicht. Mit dem Künstler Stanley Donwood kreiert Yorke Kunstwerke für Radiohead-Alben. Yorke kritisierte die Musikindustrie, insbesondere große Labels und Streaming-Dienste wie Spotify. Mit Radiohead und seiner Soloarbeit hat er Pionierarbeit für alternative Musikveröffentlichungsplattformen wie Pay-What-You-Want und BitTorrent geleistet. Er ist ein Aktivist für Menschenrechte, Tierrechte, Umwelt und Antikrieg, und seine Texte enthalten oft politische Themen.
Jason Thomas Mraz (geb. 23. Juni 1977) ist ein US-amerikanischer Singer-Songwriter, der im Jahr 2000 erstmals in der Coffeeshop-Szene von San Diego bekannt wurde. 2002 veröffentlichte er sein Debüt-Studioalbum Waiting for My Rocket to Come, das das Album enthielt Hit-Single "The Remedy (Ich werde mir keine Sorgen machen)". Mit der Veröffentlichung seines zweiten Albums, Mr. A-Z, im Jahr 2005 erzielte Mraz großen kommerziellen Erfolg. Das Album erreichte Platz 5 auf dem Billboard 200 und verkaufte sich in den USA über 100.000 Mal. 2008 veröffentlichte Mraz sein drittes Studioalbum, We Sing. Wir tanzen. Wir stehlen Dinge. Es debütierte auf Platz 3 der Billboard 200 und war vor allem aufgrund des Hits "I'm Yours" ein internationaler kommerzieller Erfolg. Der Song erreichte Platz 6 auf der Billboard Hot 100 und gab ihm seine erste Top-Ten-Single. Er verbrachte einen Rekord von 76 Wochen auf der Hot 100. Sein viertes Album, Love Is a Four Letter Word, erreichte Platz 2 auf dem Billboard 200, seinem bislang höchsten Album. Mraz hat zwei Grammy Awards gewonnen und zwei weitere Nominierungen erhalten. Außerdem hat er zwei Teen Choice Awards, einen People's Choice Award und den Hal David Songwriters Hall of Fame Award gewonnen. Er hat Platin- und Multi-Platin-Zertifizierungen in über 20 Ländern erhalten und tourte in Nordamerika, Südamerika, Europa, Asien, Australien, dem Nahen Osten und Teilen Afrikas. Seit Juli 2014 hat Mraz über sieben Millionen Alben und über 11,5 Millionen heruntergeladene Singles verkauft. Sein Musikstil, vom rhythmischen Gefühl bis zur Verwendung von Nylonsaitengitarren, wurde stark von der brasilianischen Musik beeinflusst. Mraz wurde in Mechanicsville, Virginia, geboren und ist dort aufgewachsen. Er ist tschechischer und slowakischer Abstammung durch seinen Großvater, der 1915 aus Österreich-Ungarn in die USA zog. Sein Nachname ist tschechisch für "Frost" (mráz). Seine Eltern, Tom (Tomáš) Mraz und June Tomes, ließen sich scheiden, als er fünf Jahre alt war. Sein Vater ist Postangestellter und seine Mutter ist Vizepräsidentin einer Zweigstelle der Bank of America. Mraz sagte, er habe eine idyllische Kindheit gehabt: "Meine Heimatstadt Mechanicsville war sehr amerikanisch. Es gab weiße Lattenzäune, eine Kirche an jeder Straßenecke, wenig Kriminalität und praktisch keinen Drogenkonsum. Es war ein guter Ort, um aufzuwachsen."
Oorutaichi (richtiger Name: Taichi Otoru, 9. Mai 1979) ist ein japanischer Musiker. Oorutaichi begann 1999 mit der Aufnahme und Aufführung, inspiriert von The Residents, The Doors, Tyrannosaurus Rex, Aphex Twin und Dancehall Reggae. Die ersten Aufnahmen waren mehrschichtige Improvisationen mit "echten" Instrumenten, Spielzeugen und Gesang, die sich zu komponierten Songs mit Midi-Instrumenten entwickelten. Sein erstes Album, "YORI YOYO", wurde 2003 veröffentlicht, um von Yamatsuka EYE (BOREDOMS), FREEROM (Skam Records) Daniel Wang und anderen gefeiert zu werden, und wurde im BBC Radio ausgestrahlt. Er wurde in einer Reihe japanischer Magazine vorgestellt und ist sehr aktiv in der japanischen Underground-Musik
Seine zweite CD auf Okimi Records "Drifting My Folklore" enthält vier Songs aus seiner ersten Veröffentlichung im Inland und sechs neue Tracks. Die starken Melodien, die weitreichenden Beats und die freie Chorarbeit, die vollständig von OORUTAICHI komponiert, gesungen und gemischt wurden, erzeugen einen originellen Sound, der fast traditionelle Musik aus einem fiktiven Land namens "OORUTAICHI" sein könnte. Sein Stil ist progressiv und wird von Hörern von Tanzmusik, freien Folk-Fans usw. geschätzt. Seine Aktivitäten konzentrieren sich auf Clubs im In- und Ausland und Live-House. Neben Soli ist er auch in Projekten wie der Band Urichupang County (Gesang, Komponist, derzeit inaktiv) und einem Partnerkünstler YTAMO (Utamo) mit der Song-Einheit Yuuki aktiv. Neben der Hauptproduktion von Musik hat er mit den Tänzern Masako Yasumoto zusammengearbeitet, Musik auf die Bühne gebracht und als Sound- und Musikdirektor für den Animationsfilm Kick-Heart fungiert. Oorutaichi nimmt das Wort "Spaß" in Hyperantrieb. Dieser japanische Produzent schüttelt die Regeln von Techno, Electro Pop und Sampling wie eine Dose Soda und lässt die Dinge mit ansteckender Begeisterung und Herzblut fliegen. Gehen Sie voran und sprengen Sie Tracks wie "Beshaby" und "Yori Yoyo", ohne wie ein Hamster auf dem Obermaterial durch den Raum zu prallen. Es passiert nicht. Seit seinem Debütalbum im Jahr 2003 hat Oorutaichi animierte Kurzfilme gedreht, ausgiebig mit seiner Band Urichipangoon gespielt und sogar den legendären Moondog auf seinem Track "Hamihadarigeri" gesampelt.
Glen Matlock (* 27. August 1956 in London) ist ein englischer Musiker, der vor allem als Bassist in der ursprünglichen Besetzung der Punkrock-Band Sex Pistols bekannt ist. Er ist Co-Autor von 10 der 12 Songs von Never Mind the Bollocks, Here's the Sex Pistols, obwohl er die Band verlassen hatte, während das Album aufgenommen wurde. Er verließ die Band 1977 wegen kreativer Differenzen mit den anderen Bandmitgliedern. Seit er 1977 die Sex Pistols verlassen hat, trat er mit mehreren anderen Bands auf und hat auch seine eigene Soloarbeit. Nach dem Tod seines Stellvertreters in den Sex Pistols, Sid Vicious, hat Matlock seine Bass-Pflichten für die folgenden Sex Pistols-Wiedervereinigungen wieder aufgenommen, einschließlich der 1996 Filthy Lucre Tour, dem Konzert 2002 zum Gedenken an das Goldene Jubiläum von Elizabeth II, ihrer nordamerikanischen Pisse von 2003 Off Tour und ihre 2007-2008 UK und Europa Mähdrescher Tour. Matlock, ein ehemaliger Kunstschüler, war ursprünglich 1972 zu Jones und Cook gestoßen. Obwohl er die Gruppe 1977 verließ, bevor ihr Debütalbum fertiggestellt war, wurde er dennoch wieder eingestellt, um die Mehrheit der Bass-Tracks des Albums zu komplettieren. Bei seinem Ausstieg gründete Matlock eine Punk-Pop-Einheit namens Rich Kids, in der auch der zukünftige Ultravox-Sänger Midge Ure auftrat. 1978 veröffentlichten sie ein Album, Ghosts of Princes in Towers (das einen übersehenen Klassiker im Titeltrack hervorbrachte), bevor sie sich trennten. Matlock spielte mit Sid Vicious und schloss sich kurz danach Iggy Pops Band an, tourte 1979 mit Pop und trat auf dem Soldier-Album des folgenden Jahres auf. In den nächsten Jahren spielte Matlock mit einer Vielzahl von Bands, darunter die Specters (mit Danny Kustow, Ex-Tom Robinson Band), die London Cowboys (erschienen auf ihrem 1984er Album Tall in the Saddle) und Johnny Thunders (von ungefähr) 1985-1987). 1990 veröffentlichte Matlock seine Autobiografie "Ich war eine Sexpistole für Teenager" und arbeitete anschließend in den Rollenmodellen mit ehemaligen Mitgliedern von Public Image Ltd. zusammen. 1995 spielte er mit einer Rock & Roll-Band im Faces-Stil namens "The Philistines" außerdem mit Sänger Gerry Foster, Gitarrist Paul O'Brien und Schlagzeuger Paul Simon (und ursprünglich mit Ex-PiL-Gitarrist Keith Levene); In diesem Jahr veröffentlichten sie ein Album namens Hard Work auf Peppermint Records. 1996 erschien Matlocks erstes Soloalbum, Wer glaubt, er sei zu Hause ?, bei Creation mit dem ehemaligen Rich Kids-Gitarristen Steve New. Der Hype um die Reunion-Tour und das dazugehörige Album "Filthy Lucre Live", an dem Matlock voll beteiligt war, ließ die britischen Trad-Rock-Songs jedoch größtenteils hinter sich. Die Philister wurden später komplett überarbeitet, wobei Matlock nun der Band als Frontmann vorausging. Weitere Mitglieder waren die Gitarristen Steve New und James Stevenson, der Organist Nick Plytas und der Schlagzeuger Chris Musto. The Clash's Mick Jones war auf ihrem 2000er Album für Peppermint, Open Mind, mehrfach zu Gast. Im folgenden Jahr tourte Matlock mit Dead Men Walking, einem Quartett von Akustikgitarren spielenden Veteranen der Punk-Ära, an dem auch der frühere Alarm-Führer Mike Peters teilnahm. Im Jahr 2004 folgte Matlock Open Mind mit dem ähnlich klassischen Rock-geneigten On Something. Im September 2010 veröffentlichte er sein viertes Soloalbum, Born Running.
Scott Hansen (* 1977), professionell bekannt als Tycho, ist ein US-amerikanischer Musiker, Komponist, Songwriter und Produzent. Er ist auch als ISO50 für seine Foto- und Designarbeit bekannt. Seine Musik ist eine Kombination aus Downtempo-Synthesizern im Vintage-Stil und Ambient-Melodien. Sein Sound ist sehr organisch und enthält oft Clips menschlicher Elemente in seinen Songs (z. B. Wettersendungen, einfaches Sprechen oder Atmen). Tycho unterschrieb 2006 bei Ghostly International, veröffentlichte aber auch Musik bei Merck Records und Gammaphone Records. Sein viertes Studioalbum, Epoch, wurde bei den Grammy Awards 2017 als bestes Tanz- / elektronisches Album nominiert. Tycho verließ Ghostly International im Jahr 2019. Hansens Musikprojekt Tycho wurde von Künstlern wie DJ Shadow, Ulrich Schnauss und Boards of Canada beeinflusst und mit diesen verglichen. Seine Musik fängt den Klang analoger Lo-Fi-Medien ein und bleibt gleichzeitig progressiv und futuristisch in Komposition und Stil. Themen wie Nostalgie, Sehnsucht, Kindheit und Natur sind in Tychos Werk verstreut. Kurze Zwischenspiele oder Vignetten sind auch in seinen früheren Arbeiten enthalten. In Past Is Prologue enthält Hansen Auszüge aus Sendungen, die von Atmosphären begleitet werden, um einen bestimmten Moment oder eine bestimmte Stimmung festzuhalten. Seine Musik zeichnet sich durch eine Mischung aus elektronischen Synthesizern, Live-Instrumenten und Vintage-Soundclips aus. Bis zur Veröffentlichung des Albums Dive arbeitete Hansen als Solokünstler und verwendete die digitale Audio-Workstation Cakewalk Sonar, um mit analoger, virtueller analoger Hardware, digitaler Hardware und VSTI-Synthesizern sowie Samples aus Live-Instrumenten von Hansen zu arbeiten selbst. Während er das Album erstellte, wechselte er zu REAPER, einem dynamischeren Programm, das er für das Beenden von Dive verantwortlich macht. Die Albumtour hatte zum ersten Mal eine Live-Band, die das elektronische Musikerlebnis mit der dynamischen Energie einer Performance mit Live-Instrumentierung verband. Nach seiner Tournee beschloss Hansen, das Soloprojekt dauerhaft zu eröffnen und zusammen mit zwei anderen Bandmitgliedern, Zac Brown an Bassgitarre und Gitarre und Rory O'Connor am Schlagzeug, sowohl auf Tour als auch im Studio zu arbeiten. Bei der Aufführung sind alle Gitarren live und werden entweder von Hansen oder Brown gespielt. Bassgitarre ist auch immer live, mit Ausnahme des Songs "Hours". Schlagzeug wird live von O'Connor gespielt und Lead-Synthesizer sind auch live. Hansen spielt oft Gitarre, während er mit dem Fuß Samples auslöst. Sein Ziel ist es, das Gleichgewicht zwischen der fließenden Natur einer Live-Show mit Künstlern, die physische Instrumente spielen, und der Präzision und Fähigkeit zu finden, dem Album der elektronischen Musik treu zu bleiben.
Vincent Jamal Staples (* 2. Juli 1993 in London) ist ein US-amerikanischer Rapper, Sänger, Songwriter und Schauspieler. Er ist Mitglied des Hip-Hop-Trios Cutthroat Boyz neben den kalifornischen Rapperkollegen Aston Matthews und Joey Fatts. Staples war einst ein enger Mitarbeiter von Odd Future, insbesondere von Mike G und Earl Sweatshirt. Derzeit ist er bei Blacksmith Records, ARTium Recordings und Def Jam Recordings unter Vertrag. Staples wurde mit Auftritten von Odd Future-Mitgliedern auf Alben und seinem gemeinsamen Mixtape Stolen Youth mit Mac Miller, der das Projekt produzierte, bekannt. Im Oktober 2014 veröffentlichte er seine Debüt-EP Hell Can Wait, zu der die Singles "Hands Up" und "Blue Suede" gehörten. Sein Debütalbum Summertime '06 wurde am 30. Juni 2015 mit großem Erfolg veröffentlicht. Er wurde auch als Teil der XXL 2015 Freshman Class vorgestellt. Sein zweites Album Big Fish Theory, das die Singles "BagBak", "Big Fish" und "Rain Come Down" enthält, enthält Avantgarde-, Tanz- und elektronische Einflüsse. Es wurde am 23. Juni 2017 veröffentlicht, um von Kritikern weiter gelobt zu werden. Am 2. November 2018 veröffentlichte Staples sein drittes Studioalbum, FM!. Staples wurde in Compton, Kalifornien, geboren. Später zog er nach North Long Beach, nachdem seine Mutter beschlossen hatte, wegen der hohen Kriminalitätsrate von Compton wegzuziehen. Staples ist das jüngste von fünf Geschwistern, zwei Brüdern und drei Schwestern. Heftklammern sind in Armut aufgewachsen. Staples besuchte die Optimal Christian Academy von der 4. bis zur 8. Klasse, was seiner Meinung nach eine einflussreiche und positive Erfahrung war. Während der High School schickte ihn Staples 'Mutter nach Atlanta, um bei einer seiner Schwestern zu bleiben. Dort besuchte er sechs Monate lang die High School. Nach seiner Rückkehr nach Südkalifornien besuchte Staples andere High Schools: die Jordan High School in Long Beach, die Mayfair High School in Bellflower, die Heimschule der Opportunity High School, die Esperanza High School in Anaheim und die Kennedy High School. Staples war in Bezug auf sein Engagement für Banden in seiner Kindheit offen und hat mit den Jugendlichen in seiner Gemeinde über die Gefahren des Bandenlebens gesprochen.
BIGYUKI, richtiger Name Masayuki Hirano, ist ein japanischer Keyboarder und Songwriter. Sein umfangreiches Vokabular fördert seine Fähigkeit, einen völlig neuen Sound zu kreieren, indem er Elemente aus Jazz, Klassik, Hip-Hop, Soul, Rock, Tanz und Electronica in seine Kompositionen einfließen lässt. BIGYUKIs Debütalbum in voller Länge, Reaching for Chiron, ist eine perfekte Synthese aus Herz und Technologie, mit schweren Beats und lebhaften Melodien. Die Veröffentlichung wurde von WBGO als "klanglich immersiv", eine himmlische Sorte des Synth-Jazz, gefeiert. DJ Mag und PopMatters lobten das Album ebenfalls und nannten es "klanglich kaleidoskopisch" und "ansteckend interessant". BIGYUKI erweckt diese Kompositionen auf der Bühne in dynamischen Performances mit einem Bassisten und Schlagzeuger an seiner Seite zum Leben. BIGYUKI wurde am Berklee College of Music klassisch ausgebildet und hat eine einzigartige musikalische Identität entwickelt, die die Aufmerksamkeit der Künstlerkollegen Q-Tip, Bilal, Talib Kweli, Harvey Mason, Marcus Strickland, Mark Guiliana, Me'Shell Ndegeocello und Mehr. Seine Arbeit ist in J. Coles 4 Your Eyez Only und A Tribe Called Quest's We Got It From Here zu sehen. Danke 4 Your Service. Hirono ist nicht das Standardprodukt der "Jazzschule" des 21. Jahrhunderts, obwohl er das Berklee College of Music besucht hat - das klassische Jazz-Bro-Trainingsgelände der vergangenen Jahre. Er wuchs in Japan auf, wo seine musikalische Vorbereitung fast ausschließlich westliche Klassik war. "Wie ich meinen Sound entwickelt habe, ist seltsam und einzigartig. Ich war kein B-Boy, als ich in Berklee ankam. Sogar Jazz war neu für mich. Ich hatte klassische Technik. Aber ich hatte nicht wirklich den Willen, ein Klassiker zu sein Musiker. ""
Warum nach Berklee gehen, wenn Sie sich nicht besonders für Jazz oder amerikanischen Pop interessieren? Hirono erklärt, dass er hauptsächlich nach neuen Horizonten suchte. "Ich wollte Japan verlassen und eine neue Sichtweise gewinnen, mich aus einer neuen Perspektive sehen. Meine Eltern hatten beide in den USA gelebt und wollten, dass ich gehe. Ich benutzte meine klassische Technik, um mich rauszuholen. Berklee war in Japan bekannt und Ich habe ein Stipendium bekommen. "
In Berklee war Hirano der ultimative Rookie und hörte zum ersten Mal Popmusik. Am Anfang tauchte er in Jazzpiano ein, konnte aber nicht schwingen. "Ich habe Oscar Peterson, Kenny Barron und Phineas Newborne Jr. geliebt. Ich war dieses nervige Kind, das immer mit Leuten spielen wollte. 'Lass uns jammen, mit mir spielen!' Ich würde den Bass-Part für sie spielen, damit sie jammen können. So habe ich Basslinien gespielt. Dann bin ich zum Orgeljazz gekommen und habe mit meiner linken Hand Walking-Basslinien gespielt. Ich war eingeschüchtert, Bassisten zum Spielen aufzufordern, aber ich musste mit Schlagzeugern spielen. ""
Die Besessenheit über die Orgel führte Hirono zur Gospelmusik. "Ich begann in den 50er oder 60er Jahren und musste mich nach vorne arbeiten. Die Besessenheit über Basslinien führte Hirono bald zu klassischer Funkmusik, zum Beispiel zu Maceo Parkers Life on Planet Groove (1992). Dies brachte ihn ins Spiel Kurzauftrag zum Hip-Hop. "Ich hörte eine Probe eines Grooves, den ich von Maceo liebte. "Es hört sich so an, als hätte BigYuki innerhalb weniger Jahre eine zufällige Ausbildung in schwarzer amerikanischer Musik erhalten. Die Musik auf dem BigYuki-Debüt klingt nicht viel nach dieser Musik: Jazz Piano oder Orgel Jazz oder James Brown-inspiriert / Maceo Parker Musik. Aber Sie können diese Spur all dieser Musik hören, die hinter BigYukis Konzept lauert. Ein Großteil des Albums besteht aus ansteckend interessanten Klanglandschaften, die sich im Laufe der Zeit fast wie eine Jazzimprovisation verändern, wobei Motive immer wieder auftreten und mutieren. "Burnt N Turnt" beginnt als reine Klangstruktur, bringt aber einen umschaltbaren Fünf-Noten-Lick mit sich, der schwingt und hüpft und alles andere miteinander verbindet. Während es in der Tradition von Jazz, Blues und Rock keine Improvisationen oder "Soli" gibt, hat BigYuki die Performance so komponiert, dass Synthesizer mit Zwischenspielen einspringen, die wie Big-Band-Saxophon-Abschnitte oder wie die Keyboard-Linien des klassischen Herbie Hancock aus den 70er Jahren klingen Fusionsaufzeichnungen. Beispielstimmen schreien, Synth Percussion Märsche und Grooves, Sirenen heulen. BigYuki begann bereits in Berklee, sich mit dieser Art von Musik zu beschäftigen. "Ich bin in Synthesizer eingestiegen. Wenn ich mit einer Band spiele, höre ich, was passiert, und habe dann Ideen, die die Musik als zusätzliche Ebene ergänzen könnten. Aber mein Ziel war es, etwas zu finden, das so hektisch war, dass die Leute die Musik ohne es nicht hören konnten. ""
Letztendlich bedeutete dies, dass BigYuki ein Partner für Künstler aller Art wurde. In der Tat arbeitete er vor zwei Jahren mit A Tribe Called Quest an ihrer letzten Aufnahme. Er ist zum Beispiel als Komponist bei "Melatonin" bekannt und spielt in einem raumgreifenden Synth, der unter Q Tips Rap und Gesang von Abbey Smith spielt. Wie hat er diesen Auftritt bekommen? "Als ich von Boston nach New York kam, spielten meine ersten großen Auftritte mit Bilal. Ich glaube, ich war hervorragend darin, schnell Ideen zu entwickeln und den richtigen Sound für eine Situation zu entwickeln. Und diese Fähigkeit hat im Hip-Hop wirklich gut funktioniert. Dann Ich habe mit Talib Kweli gespielt. Es wurde bemerkt. ""
Bei seinem Debüt arbeitet BigYuki mit Chris Turner an "Eclipse", einem modernen Soul-Stück, das einen traditionellen Vers / Refrain hat, obwohl es ansonsten ein Hip-Hop-Stück in Texturen und Herangehensweise ist. Bilal ist im Gesang für "Soft Places" zu sehen, und Rapper Javier Starks steht im Mittelpunkt von "Simple Like You". Über all diese Stücke hinweg konstruiert BigYuki eine Klanglandschaft und bewegt sie mit Kreativität. "Simple Like You" wechselt beispielsweise zwischen einem Stakkato-Dance-Groove und einem Abschnitt, der mit zeitlich schwebenden Streichersounds orchestriert ist.
Janelle Monáe Robinson (* 1. Dezember 1985 in London) ist eine US-amerikanische Sängerin, Songwriterin, Rapperin, Schauspielerin und Produzentin, die bei Atlantic Records sowie bei ihrem eigenen Impressum, der Wondaland Arts Society, unter Vertrag steht. Monáes musikalische Karriere begann 2003, als sie ein inoffizielles Demo-Album mit dem Titel The Audition veröffentlichte. 2007 debütierte sie öffentlich mit einer konzeptionellen EP mit dem Titel Metropolis: Suite I (The Chase). Es erreichte Platz zwei der US Top Heatseekers-Charts und 2010 veröffentlichte Monáe über Bad Boy Records ihr erstes Studioalbum in voller Länge, The ArchAndroid, ein Konzeptalbum und eine Fortsetzung ihrer ersten EP. Im Jahr 2011 wurde Monáe als Gastsänger auf Spaß vorgestellt. Die Single "We Are Young", die großen kommerziellen Erfolg erzielte, die Charts von über zehn Ländern anführte und Monáe ein breiteres Publikum anlockte. Ihr zweites Studioalbum, The Electric Lady, wurde 2013 veröffentlicht und auf Platz fünf der Billboard 200 debütiert. Es war die vierte und fünfte Folge ihrer siebenteiligen Metropolis-Konzeptserie. 2016 gab Monáe ihr Kinofilmdebüt in zwei hochkarätigen Produktionen; Sie spielte in Hidden Figures als NASA-Mathematikerin und Luft- und Raumfahrtingenieurin Mary Jackson und spielte auch in Moonlight. Hidden Figures war ein Kassenerfolg, während Moonlight bei der 89. jährlichen Zeremonie den Oscar für das beste Bild gewann. Monáes drittes Studioalbum, Dirty Computer, das auch als Konzeptalbum bezeichnet wird, wurde 2018 veröffentlicht, um von der Kritik hoch gelobt zu werden. Es wurde von mehreren Publikationen zum besten Album des Jahres gewählt und erhielt von Monáe zwei Nominierungen bei den 61. jährlichen Grammy Awards, darunter das Album des Jahres. Das Album debütierte auf Platz sechs der Billboard 200 und wurde von Monáes Dirty Computer Tour, die von Juni bis August 2018 dauerte, weiter beworben. Während ihrer Karriere erhielt Monáe acht Grammy Award-Nominierungen. Sie gewann 2010 einen MTV Video Music Award und den ASCAP Vanguard Award. 2015 wurde sie außerdem mit dem Billboard Women in Music Rising Star Award und 2018 mit dem Trailblazer of the Year Award ausgezeichnet. 2012 wurde sie CoverGirl-Sprecherin. Der Stadtrat von Boston ernannte den 16. Oktober 2013 zum "Janelle Monáe Day" in Boston, Massachusetts, in Anerkennung ihrer künstlerischen und sozialen Führungsqualitäten.
Manami KAKUDO wurde in Nagasaki, Japan geboren. Sie ist Musikerin und Schlagzeugerin. Sie absolvierte den Percussion-Kurs am Institut für Instrumentalmusik der Universität der Künste Tokio. Sie macht Musik und Tricks mit verschiedenen Instrumenten wie Marimba, ihrer eigenen Stimme und engen Dingen, die sie anziehen. Die Formen ihrer Arbeiten können nicht nur Klangperformances sein, sondern auch Klanginstallationen und Arbeiten in sozial engagierten Kunstprojekten. In ihren Solowerken arbeitet sie speziell mit Klängen und spielt mit handgefertigten Musikinstrumenten, Stimme, Klavier, Gitarre und verschiedenen Dingen um sie herum. Als Soloprojektin spielt und dirigiert sie „Manami Kakuda with Tako Mansion Orchestra“. Seit dem Sommer 2016 arbeitet und spielt sie in der Band „CERO“ als Chor und Percussionistin. Außerdem begann sie mit verschiedenen Musikern zu spielen (Doppelzimmer, Kaoru Noda, Baku Furukawa usw.). Sie spielt auch in Fernsehprogrammen und nimmt Aufnahmen für Fernsehprogramme / Werbespots und Filme auf. Sie spielt zeitgenössische Musik und produziert Musik für Tanzperformances und Videoarbeiten. - Einzelausstellung / Konzert „Nanikana (Was ist das?)?“ (2015, HAGISO in Tokio)
- Residenz Echigo-Tsumari Art Field (2015, Niigata)
- Toninstallation TURN (2015, Tokyo Metropolitan Art Museum in Tokio) TURN (2016, Tokyo Metropolitan Art Museum in Tokio).
Ashton Simmonds (geb. 5. April 1995), besser bekannt unter seinem Künstlernamen Daniel Caesar, ist ein kanadischer Sänger und Songwriter. Nachdem Caesar durch die Veröffentlichung von zwei von der Kritik gefeierten EPs Praise Break (2014) und Pilgrim's Paradise (2015) eine unabhängige Fangemeinde aufgebaut hatte, veröffentlichte er im August 2017 sein Debütalbum Freudian, das ebenfalls große Anerkennung fand. Ashton Simmonds wurde am 5. April 1995 in Oshawa, Ontario, als zweitältestes von vier Kindern der Eltern Hollace und Norwill Simmonds geboren, einem Gospelsänger, der sein erstes Album als Highschooler in Jamaika veröffentlichte. Simmonds besuchte eine Kirche der Siebenten-Tags-Adventisten und eine Privatschule in Oshawa. Er ist barbadischer und jamaikanischer Abstammung. Caesar erhielt breite Anerkennung für sein Debüt in der EP Praise Break 2014, die von Rolling Stone auf Platz 19 der "20 besten R & B-Alben 2014" gewählt wurde. Sein Werk ist beeinflusst von der Religion, die eine große Rolle in seiner Erziehung spielte, sowie von unerwiderter Liebe. Seine Breakout-Single "Get You" hat seit ihrer Veröffentlichung im Oktober 2016 über 10 Millionen Streams auf Apple Music gesammelt. Seinem Management zufolge hat der Katalog des Sängers weltweit über 20 Millionen Streams auf Apple Music gesammelt. Laut NPR haben seine drei am meisten gestreamten Songs ab Juni 2018 insgesamt 249 Millionen Streams auf Spotify. Am 25. August 2017 veröffentlichte Caesar sein Debütalbum Freudian, das die Singles "Get You", "We Find Love" und "Blessed" enthielt. Das Album war ein Finalist für den Polaris Music Prize 2018. Bei den 60. jährlichen Grammy Awards wurde Caesar für zwei Preise für das beste R & B-Album und die beste R & B-Leistung für seine Single "Get You" nominiert. Bei den 61. jährlichen Grammy Awards gewann Caesar den Grammy für die beste R & B-Leistung für seine Single "Best Part". Als Singer-Songwriter, der auf den Klängen von Soul und Gospel basiert, schöpft seine Musik aus den Erfahrungen seiner Kindheit und ergänzt sie mit modernem R & B und Elektronik, während die Texte die Themen Religion und unerwiderte Liebe erforschen. Caesar zitiert Frank Ocean, Kanye West und Beyoncé sowie den Frontmann Jim Morrison von The Doors als Quellen musikalischer und ästhetischer Inspirationen.
Salam Unagami ist Musik- und Foodwriter / Radio-DJ / Dozent / MC. Salams Radioprogramm in J-WAVEs „Oriental Music Show“ wurde von der Japan Commercial Broadcasters Association mit dem Best Radio Entertainment Award 2017 ausgezeichnet!
Salam besucht seit Ende der 1980er Jahre regelmäßig die Länder des Nahen Ostens und den indischen Subkontinent, um lokale Musik, Essen und Kultur zu erforschen. Er veröffentlichte 5 Bücher über Weltmusik und 4 Bücher über das Kochen im Nahen Osten. Salams wöchentliches Musikprogramm "Ongaku Yuran Hiko" bei NHK-FM (Japan Broadcasting Corporation) ist das beliebteste World Music-Radioprogramm in ganz Japan. Und sein Rezeptbuch „MEYHANE TABLE“ wurde in der Kategorie der ethnischen Kochbücher von Amazon als Nummer 1 eingestuft. 1967: Geboren in Gumma. 1990: Abschluss des Instituts für Politikwissenschaft an der Meiji-Universität. 6 Jahre Arbeitete er bei „WAVE Roppongi“, einem legendären Musikgeschäft in Tokio. Dann begann er, für mehrere Magazine über Musik zu schreiben. 1996: verließ Japan und blieb 6 Monate in Montpellier, Südfrankreich, um Französisch zu lernen. 2 Jahre Rucksackreisen durch Europa, den Nahen Osten, Südostasien, Tibet und Indien. 1998: Zurück in Tokio, arbeitete für einige Independent Music Labels und die Öffentlichkeitsarbeit von Tokios größtem Club "WOMB". 2000: Freiberuflicher Musikjournalist. 2003: Veröffentlichung des 1. Buches „Trans World Express“. 2004: Beginn des Gesprächs im Radioprogramm auf J-Wave. 2008: Beginn des World Music Lecture Class am Wako University Open College. 2012: Startete mein eigenes Weltmusikprogramm namens „Ongaku Yuran Hiko“ bei NHK FM. 2016: Veröffentlichung von 2 Büchern über das nahöstliche Essen, „MEYHANE TABLE“ und „Breakfast in Istanbul“. Startete mein 2. Radioprogramm mit dem Titel "Oriental Music Show" auf J-WAVE. 2017: „Oriental Music Show“ auf J-WAVE wurde von der Japan Commercial Broadcasters Association mit dem Best Radio Entertainment Award 2017 ausgezeichnet! Veröffentlichte mein 8. Buch „Nacht in Joujouka, Morgen mit Sufi: Spaziergang durch die Weltmusik“. 2018: 3 Nächte beim Fuji Rock Festival gedreht. 2019: Veröffentlicht "MEYHANE TABLE More!" 2. Rezeptbuch. Bücher. "MEYHANE TABLE Mehr!" Mein 2. Kochrezeptbuch aus dem Nahen Osten. 2019
„Nacht in Joujouka, Morgen mit Sufi: Spaziergang durch die Weltmusik“ 2017
„MEYHANE TABLE“, mein erstes farbiges Kochrezeptbuch aus der Türkei, dem Libanon, Marokko und Israel. 2016
"Frühstück in Istanbul" Die Fortsetzung von "Oishii Chuto" 36 Rezepten aus der Türkei, dem Libanon, Marokko, London, Tokio und Israel, 2016. "Oishii Chuto (Delicous the Middle-Eastern Cooking)", mein 1 .. Kochsäulen & 52 Rezepte aus der Türkei, dem Libanon, Marokko, Ägypten, Jemen & Israel, 2013. "21st Century Middle-Eastern Music Journal", 2012. "Trans World Express Definitive Edition", meine Reiseberichte mit Musik- und CD-Guide, 2008. "Planet India". Meine Suche nach indischer Musik, einschließlich Hindusthani, karnatischer klassischer Musik, Rajasthani Folk, Bollywood und Asian Massives, 2006. „Trans World Express“, meine Reiseberichte mit World Music und CD Guide, 2003. Radio
NHK-FM „Ongaku Yuran Hiko (Musiksichtflug)“, reguläres Weltmusikprogramm, das viermal im Monat in ganz Japan stattfindet!
J-WAVE wöchentliches Weltmusikprogramm „Oriental Music Show“ in Tokio und Ostjapan. Radio Takasaki "Musique Sans Frontieres" Zweiwöchentliches Weltmusikprogramm in der Region Gumma. Vorträge
Weltmusikstudium im Asahi Culture Center Shinjuku monatlich. Weltmusikstudium an der Dokkyo, Rikkyo & Wako University. Lebensmittelwerkstatt
„Shuccho Meyhane (Travelling Meyhane) die Kochworkshops im Nahen Osten in Tokio und überall in Japan
Kochkurslehrer bei Coto-Labo Asagaya, geführt von der Zeitschrift Orange Page
etc…
DJ in Nachtclubs und auf Hochzeitsfeiern. CD-Komplikationen machen. Überwachung ausländischer Filme in japanische Versionen,
Überwachung der Speisekarten des Nahen Ostens für Restaurants.
Alice Phoebe Lou (* 19. Juli 1993 in Südafrika) ist eine südafrikanische Singer-Songwriterin. Sie hat zwei EPs und drei Alben veröffentlicht. Im Dezember 2017 wurde ihr Song "She" aus dem Film Bombshell: The Hedy Lamarr Story in die Oscars-Shortlist für den besten Original-Song aufgenommen. Lou verbrachte ihre Kindheit in Kommetjie an der Westküste der Kaphalbinsel in Südafrika und besuchte die Waldorfschule. Ihre Eltern sind Dokumentarfilmer. Als Kind nahm sie Klavierunterricht, lernte aber selbst Gitarre zu spielen. Als sie 14 Jahre alt war, mochte sie Trance-Musik und fing an, Fotos von Konzerten zu machen, manchmal sogar dafür bezahlt zu werden. 2010 verbrachte sie ihre Sommerferien in Paris und lebte zuerst bei ihrer Tante, zog aber bald zu einer Freundin und begann Geld durch Feuertanzen zu verdienen. Nachdem sie 2012 ein Jahr nach dem Abitur in Südafrika eine Pause eingelegt hatte, kehrte sie nach Europa zurück, zuerst nach Amsterdam und dann nach Berlin. In Berlin begann sie zu singen und Gitarre zu spielen, als sie herausfand, dass dies lukrativer war als Feuertanzen. Nach ihrem Auslandsjahr erwog sie, eine Universität in Südafrika zu besuchen, entschied sich aber schließlich, einen batteriebetriebenen Verstärker zu kaufen und stattdessen nach Berlin zurückzukehren. In Berlin trat sie an S- und U-Bahn-Stationen und Parks auf. Nach einem Monat in Berlin spielte sie in einem Fernsehprogramm. Im April 2014 veröffentlichte sie selbst die "Momentum" EP. Das Lied "Fiery Heart, Fiery Mind" aus der EP ist im Soundtrack des 2015 veröffentlichten Films "Ayanda" enthalten. Sie fing auch an, in Veranstaltungsorten zu spielen. Nach einem Auftritt bei TEDx in Berlin am 6. September 2014 bekam sie Angebote von Plattenlabels, wollte aber unabhängig bleiben. Im Dezember 2014 veröffentlichte sie ein Live-Album "Live at Grüner Salon", um die Aufnahme ihres Debüt-Studioalbums zu finanzieren. 2015 begann sie zu touren und spielte 2015 zum ersten Mal beim SXSW Festival in den USA. Danach ist sie jedes Jahr zu SXSW zurückgekehrt. Sie trat 2015 auch in TEDGlobal London auf und eröffnete für Rodriguez seine Südafrika-Tour 2016. Im April 2016 veröffentlichte Alice Phoebe Lou ihr Album "Orbit", produziert von Matteo Pavesi und Jian Kellett-Liew. Sie wurde bei den German Critics Choice Awards 2016 in Deutschland als beste Künstlerin nominiert und zu Interviews und Performances zu mehreren deutschen Fernsehprogrammen eingeladen. Sie tourte 2016 in Europa, Südafrika und den USA und spielte drei ausverkaufte Shows im Berlin Planetarium. Weitere Tourneen und ausverkaufte Konzerte folgten 2017, aber Lou hat auch Straßenauftritte fortgesetzt. Im Dezember 2017 veröffentlichte sie neun Tracks "Sola" EP und ein Buch mit dem Titel "Songs, Gedichte und Erinnerungen". Im selben Monat wurde bekannt gegeben, dass ihr Song "She" aus dem Film Bombshell: The Hedy Lamarr Story auf der Shortlist für die Oscars der Academy Awards in der Kategorie "Best Original Song" steht. "She" wurde am 23. Februar 2018 als digitale Single mit einem Musikvideo von Natalia Bazina veröffentlicht. Im Jahr 2018 tourte Alice Phoebe Lou durch Europa, USA, Südafrika, Japan und Kanada. Die erste Single Something Holy aus ihrem Paper Castles-Album wurde am 30. November 2018 veröffentlicht. Am 15. Januar 2019 wurde die zweite Single, Skin Crawl, digital veröffentlicht. Am 15. Februar wurde die dritte Single Galaxies veröffentlicht und Ende des Monats wurde eine umfangreiche Tournee durch die USA, Kanada und Europa mit über 40 Konzerten gestartet. Das Album wurde am 8. März 2019 veröffentlicht. Im März war Alice die Künstlerin des Monats Consequence of Sound. Am 6. Mai wurde das im Zeiss Planetarium in Berlin gedrehte Video Galaxies mit Maisie Williams veröffentlicht. Am 30. Mai trat Alice Phoebe Lou zum ersten Mal auf der Hauptbühne des Primavera Sound Festivals in Barcelona auf. Später an diesem Tag hatte sie ein weiteres kleineres Konzert auf der Bühne der OCB Paper Sessions. Primavera Sound veröffentlichte einen Auszug aus dem Hauptkonzert in ihrer Best of 2019-Videosammlung. Anfang Juni gewann das Video von Skin Crawl den dritten Preis bei den Berlin Music Video Awards in der Kategorie bestes Konzept.
Sabrina Claudio (* 19. September 1996 in London) ist eine US-amerikanische Sängerin und Songwriterin. Ende 2016 hat Claudio mehrere Songs auf SoundCloud hochgeladen, bevor sie im Rahmen ihres erweiterten Debüt-Stücks Confidently Lost, das im März 2017 unabhängig veröffentlicht wurde, eine ausgewählte Sammlung zusammenstellte. Ihre Single "Unravel Me" erreichte Platz 22 auf dem Billboard Twitter Emerging Die Künstler-Charts und ihre Single "Belong to You" erreichten auf Platz 2 den gleichen Platz. Ihr Debüt-Mixtape About Time wurde am 5. Oktober 2017 veröffentlicht. Es erreichte Platz 13 in Billboards Top-R & B-Album-Charts. Claudio ist in Miami aufgewachsen und halb kubanischer und halb puertoricanischer Abstammung. Später zog sie nach Los Angeles, wo sie ihre Musikkarriere ernsthaft begann. Sie begann zunächst, Video-Cover auf Twitter und YouTube aufzunehmen und zu veröffentlichen, bevor sie zu Original-Tracks überging, die sie auf SoundCloud veröffentlichte. Im Laufe des Jahres 2016 veröffentlichte Claudio mehrere Singles, darunter "Runnin 'Thru Lovers", "Orion's Belt" und Confidently Lost. Diese Songs würden Teil ihrer EP Confidently Lost sein, die sie ursprünglich unabhängig auf SoundCloud veröffentlichte. Die EP wurde im März 2017 über SC Entertainment veröffentlicht. Im Mai 2017 veröffentlichte sie eine Single, "Unravel Me", aus einem bevorstehenden Projekt, das später im Jahr 2017 veröffentlicht werden soll. Der Song würde seinen Höhepunkt auf Platz 22 der Billboard Twitter Emerging Artists-Charts erreichen. Im Juli 2017 veröffentlichte sie eine weitere Single für dieses Projekt mit dem Titel "Belong to You", die auf Platz 2 der gleichen Tabelle erreichte. Im August 2017 wurde bekannt gegeben, dass Claudio mit 6lack auf seiner Free 6lack Tour durch Nordamerika touren wird. Am 5. Oktober 2017 wurde Claudios erstes digitales Mixtape in voller Länge, About Time, offiziell veröffentlicht. Das Mixtape wird von den Singles "Unravel Me" und "Belong to You" unterstützt. Von Oktober bis November 2017 bewarb Apple Music Claudio als Up Next-Künstler. Diese Serie konzentriert sich auf bahnbrechende Künstler, indem sie ihre Reise, Inspiration und Einflüsse durch exklusive Interviews, Live-Auftritte und eine Minidokumentation dokumentiert. Am 2. April 2018 veröffentlichte Claudio die Single "All to You", gefolgt von "Don't Let Me Down" mit Khalid am 4. April. Ihr Debüt-Studioalbum No Rain, No Flowers wurde am 15. August 2018 veröffentlicht von der Single "Messages From Her".
Hören Sie die ätherische Musik von Ryohei Kubota, während er das Handpan spielt.
Ryohei Kubota ist ein japanischer Musiker, der das Handpan-Instrument spielt und die beruhigenden Klänge erzeugt, die Sie im Musikvideo hören werden. Der 19-Jährige begann bereits in der High School Handpan zu spielen. Ryohei Kubota machte mit dem ungewöhnlichen Instrument in den Straßen von Shibuya und Harajuku in Tokio auf sich aufmerksam. Derzeit arbeitet er mit DJs zusammen und verwendet verschiedene Stile und Instrumente, um aufzutreten.
Das Handpan ist ein neues Instrument, das mit Händen und Fingern gespielt wird. Das Schlagzeug reagiert auf leichteste Berührungen und erzeugt einen faszinierenden Klang mit mehreren Obertönen.
Ryohei Kubotas Musikvideo zu seinem ersten Album "RISING" wurde von Maria Nanashima gedreht.
Stella Donnelly ist eine walisisch-australische Musikerin, die in Perth, Australien, geboren wurde. Sie verbrachte einige Kinderjahre in Morriston, Wales, bevor sie mit ihrer Familie nach Perth, Australien, zurückkehrte. Donnelly fing zum ersten Mal an zu singen, als sie einer Rockband der High School (Irene McCormack Catholic College) beitrat, die Green Day-Coverversionen aufführte. Nach dem Abitur studierte Donnelly zeitgenössische Musik und Jazz an der West Australian Academy of Performing Arts. Donnelly veröffentlichte 2017 ihre erste EP mit dem Titel Thrush Metal auf dem Plattenlabel Healthy Tapes. 2018 wurde die EP in den USA vom amerikanischen Label Secretly Canadian neu aufgelegt. Sie veröffentlichte ihr Debütalbum, Beware of the Dogs, am 8. März 2019 über Secretly Canadian. Es wurde von Kritikern wie Robert Christgau, der es als "musikalische Enzyklopädie der [männlichen] Arschlöcher" lobte, weithin gelobt. Bevor ihre Soloprojekte veröffentlicht wurden, war Donnelly Teil der beiden Bands BOAT SHOW und BELL RAPIDS. Thrush Metal wurde am 6. April 2017 für die Öffentlichkeit freigegeben. Das Album bestand aus sechs Titeln, die in der australischen Öffentlichkeit ungemein populär wurden. Ihre zuordenbare Schreibweise ist ihre Linse für die Welt, in der wir leben, ein Blick darauf, wie es ist, eine tausendjährige Frau im Zeitalter von Trump, Tinder und Feminismus der dritten Welle zu sein. Das Album wurde von Donnelly mit dem Label Secretly Canadian im Jahr 2018 erneut veröffentlicht. Donnelly veröffentlichte am 8. März 2019 ihr erstes Album in voller Länge Beware of the Dogs. Donnellys US-Debüt-Single Boys Will Be Boys debütierte 2017 gerade zu Beginn der "Me" Zu "Bewegung wurde gestartet. Donnelly konfrontiert einen Mann, der ihre Freundin vergewaltigt und die Schuld des begleitenden Opfers zur Rechenschaft zieht. "Warum war sie ganz allein? / Trug ihr Hemd so niedrig / Und sie sagten, Jungs werden Jungs sein / Taub zu dem Wort Nein", gurrt sie im Refrain, ein leichtes Vibrato lodert in den Ecken ihrer schönen Stimme auf. Der Song mit Boys Will Be Boys wurde in die Trackliste des Albums aufgenommen. Das Album selbst zeigt eine Künstlerin, die ihre Stimme vollkommen beherrscht und in der Lage ist, ihren einladenden Charme und ihren messerscharfen Witz in authentisch rohen Songs zu verwandeln.
Kathy Yaeji Lee (geb. 6. August 1993), professionell bekannt als Yaeji, ist eine koreanisch-amerikanische Künstlerin für elektronische Musik mit Sitz in Brooklyn, New York. Ihr Stil verbindet Elemente von House-Musik und Hip-Hop mit sanften, leisen Vocals, die sowohl auf Englisch als auch auf Koreanisch gesungen werden. Kathy Yaeji Lee wurde am 6. August 1993 in Flushing, Queens, als Einzelkind in einer koreanischen Familie geboren. Als sie aufwuchs, zog Yaeji mit 5 Jahren von New York nach Atlanta und dann in der dritten Klasse nach Südkorea. Während ihres Aufenthalts in Südkorea wechselte Yaeji jedes Jahr zwischen verschiedenen internationalen Schulen, wodurch sie Freunde im Internet fand, wo sie zuerst Musik entdeckte. Yaeji besuchte auch kurz die Schule in Japan, bevor er nach Korea zurückkehrte. Yaeji kehrte schließlich in die USA zurück, um an der Carnegie Mellon University in Pittsburgh Konzeptkunst, Ostasienkunde und Grafikdesign zu studieren. Yaeji nahm das DJing als Hobby auf, als er Carnegie Mellon besuchte, nachdem er gelernt hatte, wie man Traktor benutzt und auf House-Partys mit dem DJing begann. Sie legte zwei Jahre lang auf, bevor sie Ableton lernte, ihre eigene Musik machte und bei Carnegie Mellons College-Radiosender debütierte. Yaeji absolvierte Carnegie Mellon im Jahr 2015. Nach seinem Abschluss zog Yaeji zurück nach New York City, um sich in der Musikszene und im DJ zu engagieren. Ihre erste Single "New York '93", die sich auf ihr Geburtsjahr bezieht, wurde am 29. Februar 2016 auf dem New Yorker Label Godmode veröffentlicht, gefolgt von einem Cover von "Guap" des australischen DJ Mall Grab im Mai. Sie hatte zuvor Songs in SoundCloud hochgeladen, obwohl sie entfernt wurden. Dazu gehörte "Areyouami", das veröffentlicht wurde, als sie am College war. Ihre gleichnamige Debüt-EP, einschließlich der beiden vorherigen Singles, wurde am 31. März 2017 von Godmode veröffentlicht. Sie begann nach ihrer ersten Boiler Room Session im Mai 2017, die einen Remix von Drakes Single "Passionfruit" beinhaltete, Aufmerksamkeit zu erregen. Das Lied wurde später offiziell auf Godmodes Soundcloud-Seite veröffentlicht. Die erste von mehreren eigenständigen Singles, "Therapy", wurde im Juli 2017 veröffentlicht, gefolgt von einer zweispurigen digitalen Single, Remixes, Vol. 3, No. 1, am 1. August und die Single "Last Breath" am 28. August. Das Musikvideo zur Single "Drink I'm Sippin On" wurde im Oktober 2017 auf dem YouTube-Kanal von 88rising veröffentlicht und erreichte in zwei Wochen schnell über eine Million Aufrufe. Am 3. November 2017 veröffentlichte Yaeji ihre zweite EP, EP2, mit positiven Kritiken und mäßigem kommerziellen Erfolg. Das Video zu "Raingurl" wurde am 16. November veröffentlicht. Sie wurde im November 2017 in die Longlist Sound of 2018 der BBC aufgenommen. Yaeji trat beim Coachella Festival 2018 auf.
El Hijo de la Cumbia ist das Projekt des Musikproduzenten Emiliano Gomez aka Ego. 360. Ego. 360 ist mehr als nur ein Musiker. Er ist auch ein weit gereister musikalischer Anthropologe. Von den Anfängen als Cumbia, Reggae, Dub und Hip-Hop in seiner Heimatstadt Buenos Aires bis zur Zusammenarbeit mit einflussreichen Cumbia-Sonidero-Gruppen in Mexiko und den USA hat El Hijo de la Cumbia immer versucht, von der Welt um ihn herum zu lernen. Das jüngste Bestreben des in Malmö, Schweden, ansässigen Musikers ist ein neues Album, das ein Jahrzehnt der Forschung umfasst und sein bisher größtes Unterfangen ist. "Dies ist ohne Zweifel ein neuer Anfang für mich", sagt er. „Ich habe 10 Jahre lang die Welt bereist, neue Stile und Rhythmen gelernt und aufgenommen. Ich habe 56 Songs komponiert und ein Jahr gebraucht, um meine Lieblingssongs für ein neues Album auszuwählen. ”
Dieses Album ist Genero Genero, ein passender Name, da El Hijo de la Cumbia geschickt zahlreiche Klänge, Stile und Genres kombiniert, um eine Klangversion seines stark geprägten Passes zu erstellen. Das Album enthält Auftritte von Celso Piña, La Dame Blanche, dem mexikanischen Institut für Klang, Alika y Nueva Alianza und El Rama, die sich ihm anschließen, um mit Musik als Waffe seiner Wahl alle Barrieren abzubauen. Es ist Musik, die er mit dem Publikum auf der ganzen Welt teilen durfte, zuletzt auf verschiedenen Festivals in Korea, Abu Dhabi,
Mexiko, Brasilien, Frankreich, Portugal, Dänemark, Norwegen und Schweden. Die erste Single des Albums "Che Revolution" zeigt den langjährigen Mitarbeiter La Dame Blanche. "Genero, Genero" ist am 20. April überall erhältlich.
Bart van der Meer, a. k. ein. Bart B More hat sich schnell zu einem der hellsten Stars der internationalen elektronischen Musikszene entwickelt. Er hat konsequent Dancefloor-Zerstörer hergestellt, die von prominenten DJs auf der ganzen Welt massiv unterstützt wurden. Er kombiniert seine Liebe zu beatgetriebener, geloopter Technomusik mit Big Room House und Electro und kreiert einen erfrischend neuen Crossover-Sound. Bart wurde erstmals bekannt, indem er 2007 zweimal zu Pete Tongs Essential New Tune gekrönt wurde. Seitdem hat er seinem Arsenal mehrere Original-Tracks auf verschiedenen renommierten Labels wie Boys Noize Records, Relief, Sound Pellegrino und Trouble & Bass hinzugefügt, die alle aufgestiegen sind hohe Positionen in den Beatport-Charts. Bart B More hat auch eine natürliche Fähigkeit bewiesen, unglaubliche Remixe zu erstellen. Zu den jüngsten Veröffentlichungen gehören "We Love" von Sneaky Sound System, "X-Girl" von Teenage Bad Girl und "Fuck You" von Cee-Lo Green. 2008 gründete Bart B More Secure Recordings, das bereits einige großartige Platten von Diplo, Tommie Sunshine, Riva Starr, Harvard Bass, Drop The Lime, AC Slater und Baskerville veröffentlicht hat. Der aus den Niederlanden stammende Bart van der Meer - bekannt als Bart B More - ist seit über einem Jahrzehnt ein fester Bestandteil der globalen elektronischen Tanzmusikszene. Sein genrebiegender Produktionsstil hat ihm geholfen, einer der bekanntesten und angesehensten Tanzmusikproduzenten von heute zu werden. Von Bühnen von EDC, Tomorrowland, Ultra, Creamfields und Mysteryland bis hin zu unterirdischen Veranstaltungsorten wie Womb in Tokio, Fabric in London, Barcelonas Razzmatazz und Webster Hall in New York sieht sein Publikum seine Kunst als vollwertigen DJ und als kreativ Musiker. Barts einzigartige Sets sind vielseitig und hemmungslos und garantieren die Faszination jeder Menge. Im Laufe der Jahre veröffentlichte Bart mit einigen der Top-Labels der Branche: STMPD Records, Spinnin 'Records, Boysnoize Records, OWSLA, Sweat It Out!, Relief Records, Sound Pellegrino, Fool's Gold und Trouble & Bass. Seine neueste EP "Lights Out" erschien auf STMPD Records mit den Tracks "Lights Out" und "Wack". Neben der Zusammenarbeit und Zusammenarbeit mit großen Labels hat Bart auch für Rita Ora und Example geschrieben und produziert sowie Remixe für Katy Perry, Cee-Lo Green, Tiesto, Chris Brown, Wiley, Martin Garrix, Miike Snow und Pfirsiche unter vielen anderen. Die Meisterschaft, jeden Beat, Synth und Drop in seinen Mixes nahtlos zusammenfließen zu lassen, hat Bart B More zu einem beliebten Gast bei Events auf der ganzen Welt gemacht. Seine unzähligen DJ-Sets, die seit 2008 international auf Tour sind, verfügen über zahlreiche Einflüsse und Erfahrung in der Aufführung. Bart B More spielt weiterhin eine Schlüsselrolle dabei, Tanzmusik zukunftsorientiert, innovativ und aufgeschlossen zu halten.
William Holland, a. k. a Quantic ist ein englischer Musiker, DJ und Plattenproduzent. Er lebt in New York City, nachdem er sieben Jahre in Kolumbien verbracht hat. Holland nimmt unter verschiedenen Pseudonymen auf, darunter Quantic, das Quantic Soul Orchestra, The Limp Twins, Flowering Inferno und Ondatrópica. Seine Musik enthält Elemente aus Cumbia, Salsa, Bossa Nova, Soul, Funk und Jazz. Holland spielt Gitarren, Bass, Kontrabass, Klavier, Orgel, Saxophon, Akkordeon und Schlagzeug. Ein Großteil seines Sounds ist eine Originalkomposition, anstatt das Material anderer Künstler zu probieren. Holland hat auch sein eigenes Label, Magnetic Fields, auf dem er Heavy Soul und Funk veröffentlicht. Er hat auch Remixe von über 30 Songs produziert. Seine Alben The 5th Exotic (2001) und Apricot Morning (2002) enthielten Vocals britischer Künstler, darunter die Soulsängerin Alice Russell. 2003 gründete er das Quantic Soul Orchestra, ein neues Projekt, das darauf abzielte, rohen Funk im Stil der 1960er / 1970er Jahre zu produzieren, selbst Gitarre zu spielen und Musiker wie seine Schwester Lucy am Saxophon zu spielen. 2007 zog Holland nach Cali, Kolumbien. Er gründete ein analoges Studio namens Sonido del Valle und nahm das Quantic Soul Orchestra-Album Tropidélico (2007) und das selbstbetitelte Debüt seines Tropen-Dub-Nebenprojekts Quantic Presenta Flowering Inferno (2008) auf, das eine Vielzahl von Titeln enthielt Musiker aus der Region. Anschließend stellte er die Combo Bárbaro zusammen („Bárbaro“ ist in Kolumbien eine umgangssprachliche Bezeichnung für „sehr talentiert“). Hollands 2008er Zusammenarbeit mit Nickodemus, "Mi Swing Es Tropical", wurde in einem Apple iPod-Fernsehwerbespot vorgestellt.
Susumu Hirasawa (* 1. April 1954 in Hiraisa Susumu) ist ein japanischer Musiker und Musikproduzent. Sein Spitzname ist Meister Hirasawa. Im fünften Jahr der Grundschule nahm Hirasawa die E-Gitarre auf, inspiriert von den Surf- und Instrumentalrockbands, die er im Radio und im Fernsehen hörte, und schloss sich später der Band seiner Mittelschule an. 1973 gründete er Mandrake, eine Progressive-Rock-Band, die Elemente aus Heavy Metal und Krautrock enthielt. Als eine der wenigen japanischen Progressive-Rock-Bands seiner Zeit erzielte Mandrake wenig Erfolg und veröffentlichte zu Lebzeiten keine Alben. Nach der Entdeckung des Punkrocks und der Arbeit an Projekten mit Synthesizern fühlte Hirasawa, dass der Progressive Rock nur zur Unterhaltung gedacht war, und beschloss 1979, die Band in die elektronische Rockband P-Model umzuwandeln. Ursprünglich hatten sie Erfolg und wandten sich entschieden unkommerziellem Post-Punk und experimentellem Rock zu, nachdem Hirasawa eine negative Reaktion auf seinen Ruhm eingegangen war. Mit Hirasawa an der Spitze ging die Band durch verschiedene Besetzungen und erreichte einige Popularität in der japanischen Independent-Musikszene. 1989 startete Hirasawa seine Solokarriere. Ungebunden von den Beschränkungen einer Band waren seine Alben von der Weigerung gekennzeichnet, sich an ein bestimmtes Genre zu halten. Er entwickelte seinen Sound weiter und arbeitete gleichzeitig mit zwei verschiedenen Iterationen von P-Model, bis die Gruppe im Jahr 2000 aufgelöst wurde. Seitdem veröffentlicht er aktiv neue Musik. Während Hirasawa in Japan vor allem für die ersten beiden P-Model-Alben bekannt ist, hat er internationale Anerkennung für seine Soundtrack-Arbeit erlangt, insbesondere für die Adaptionen des Kentaro Miura Manga Berserk und die Arbeit des Anime-Regisseurs Satoshi Kon. Hirasawas Musik basiert auf Konzepten wie analytischer Psychologie, Fortschritten in der digitalen Technologie, den Philosophien von Yin und Yang sowie Prinzipien der Natur im Vergleich zu Maschinen. Als begeisterter Fan von Science-Fiction-Romanen seit den 1970er Jahren und vielseitiger Leser lässt er sich von den Werken von Frank Herbert, Carl Jung, Hayao Kawai, Kenji Miyazawa, George Orwell, Wilhelm Reich und Antoine de Saint-Exupéry sowie Theodore Sturgeon inspirieren , Nikola Tesla und Kurt Vonnegut. Eine ständige Inspirationsquelle für seine Musik ist Thailand. Auf einer Reise nach Phuket 1994 erlebte Hirasawa einen "thailändischen Schock", der von der Kultur des Landes beeindruckt war, nämlich von seinen transsexuellen Kabarettisten, von denen er einige einlud, während seiner gesamten Karriere auf seinen Alben und Gastkonzerten Sänger zu sein. Nach vielen Reisen in das Land wurde Hirasawa zunehmend mit der transsexuellen Bevölkerung identifiziert, indem seine Probleme und Erfahrungen in der Gesellschaft in seine Arbeit einbezogen wurden. Über die Kategorisierung seiner Musik nach westlichen Trends sagte Hirasawa:
"Ich mag es nicht, wenn jemand [meine Musik] als seltsamen Rock oder seltsamen Techno beschreibt. Sicherlich ist dieses Genre in der Musikszene schwer zu definieren, weil es nicht dem Standard der westlichen Musik-Charts entspricht. Also wenn ein Rock Musikkritiker versuchen, mich [und meine Musik] zu beurteilen, alles, was sie sich einfallen lassen, ist Ambient-Musik oder Musik, zu der sie Drogen nehmen. [Die japanische Musikszene] hilft nicht dabei, Begriffe wie New Age oder Transpersonalität einzuführen Ich möchte, dass meine Musik einen breiteren Teil der Gesellschaft erreicht und aus der japanischen Kultur hervorgeht. Deshalb möchte ich mich mit der Welt verbinden, die es in der Musikszene nicht gibt. " Für jedes Soloalbum, das er veröffentlicht, veranstaltet Hirasawa außerdem eine begleitende "Interactive Live Show", ein interaktives Konzert, das Computergrafiken mit seiner Musik verbindet, um eine Geschichte zu erzählen. Der Ablauf jeder Show wird durch die Beteiligung des Publikums bestimmt. Zum Beispiel wurde Interactive Live Show 2000 Philosopher's Propeller als Labyrinth formatiert, und das Publikum wurde gebeten, die Richtung zu wählen. Versorgt mit Telefonnummern für vier Mobiltelefone während eines Songs, durfte das Publikum die Nummern anrufen, die es haben wollte Hirasawa spielt die entsprechenden Klingeltöne. Dies schuf eine improvisierte Harmonie zwischen der Hintergrundmusik und den klingelnden Telefonen. Seit 1998 ist eine Teilnahme über das Internet möglich. Hirasawas Live-Musik basiert auf Samples, die er mit verschiedenen handgefertigten Maschinen und aufgezeichneten Tracks ohne Gesang aktiviert. Für die Solar Live-Konzerte verwendete er Sonnenenergie und ein Stromerzeugungsrad als Energiequelle für seine elektronischen Geräte. Hirasawa hat seit Beginn seiner Solokarriere daran gearbeitet, die Zahl seiner Mitwirkenden zu verringern. Die meisten seiner Soloalben ab 1992 enthalten keine Gastmusiker mehr, und 1994 wurden Live-Backing-Bands aufgegeben. Seitdem hatten nur wenige ausgewählte Shows Gastsänger oder Backing-Instrumentalisten.
UA ist Sängerin. UA ist ein Suaheli-Wort, das "Blume" bedeutet.
Geboren am 11. März 1972. Geboren in der Präfektur Osaka.
Im Juni 1995 debütierte mit der Single "HORIZON" das Label Victor Speedster.
Seit ihrem Debüt hat sie mit seinem einzigartigen Aussehen und seiner singenden Stimme Aufmerksamkeit erregt.
Im Juni 1996 war die Single „Passion“ ein großer Erfolg und die Anerkennung wurde zu einem ganzen Land.
Oktober Erstes Album "11" veröffentlicht. In jeder Richtung anerkannt, überstieg der Umsatz 900.000. Verheiratet auf dem Höhepunkt der Popularität und brachte das erste Kind zur Welt.
Es gibt kein Recht jetzt Zeitplan oder Ticket.
日本、〒949-6212 新潟県南魚沼郡湯沢町三国２０２ Karte
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