FUJI ROCK FESTIVAL '19

Das größte Musikevent in Japan, das FUJI ROCK FESTIVAL, wird im Sommer 2019 zurück sein !! Das FUJI ROCK FESTIVAL (フ I ロ ッ ク フ ェ ス resort ィ バ ル) ist Japans größtes und berühmtestes Musikfestival im Freien im beliebten Skigebiet Naeba City in der Präfektur Niigata. Das dreitägige Musikereignis bietet eine Reihe von Live-Auftritten der weltbesten Künstler inmitten von Wäldern. Das FUJI ROCK FESTIVAL findet jedes Jahr Ende Juli oder Anfang August an drei Tagen am Wochenende statt. Rund zweihundert Künstler treten beim Live-Konzert auf. Das Lineup für das FUJI ROCK FESTIVAL ist groß. Zu den Headlinern der letzten Jahre zählen beispielsweise Red Hot Chili Peppers, Sigur Rós und Beck im Jahr 2016, Gorillaz, Aphex Twin und Bjork im Jahr 2017 sowie Bob Dylan, Kendrick Lamar und NER D im Jahr 2018 Das Festival wird voraussichtlich 2019 an den letzten Wochenenden im Juli (26., 27. und 28. Juli) stattfinden. Bestätigte Handlungen umfassen die chemischen Brüder, die Heilung, SIA, Thom Yorke, Martin Garrix, James Blake, Takkyu Ishino usw.

Das Fuji Rock Festival ist ein jährliches Rockfestival im Naeba Ski Resort in der japanischen Präfektur Niigata. Die dreitägige Veranstaltung, die von Smash Japan organisiert wird, umfasst mehr als 200 japanische und internationale Musiker und ist damit die größte Musikveranstaltung im Freien in Japan. Im Jahr 2005 besuchten mehr als 100.000 Menschen das Festival. Das Fuji Rock Festival ist so benannt, weil die erste Veranstaltung im Jahr 1997 am Fuße des Berges Fuji stattfand. Seit 1999 findet das Festival im Naeba Ski Resort in Yuzawa, Niigata, statt. Es gibt sieben Hauptetappen und andere Nebenetappen, die über das Gelände verteilt sind. Die grüne Bühne ist die Hauptbühne und hat eine Kapazität von fast 50.000 Zuschauern. Weitere Bühnen sind die Weiße Bühne, das Rote Festzelt, der Orange Court und das Himmelsfeld. Die Spaziergänge zwischen einigen Etappen können lang und einige hügelig sein, aber die Spaziergänge sind wunderschön und führen Sie oft durch Wälder und über glitzernde Bäche. Die Dragondola - die längste Gondelbahn der Welt - befördert Festivalbesucher auf den Gipfel des Berges mit Blick auf das Festivalgelände. Das Zentrum der Website heißt Oasis, wo sich mehr als 30 Imbissstände aus der ganzen Welt versammeln. Die Hauptwebsite schließt jede Nacht nach dem letzten Akt, aber Oasis bleibt weiterhin bis spät in die Nacht geöffnet, ebenso wie das Rote Festzelt, wo ein nächtlicher Rave bis 5 Uhr morgens andauert. Die Seite wird um 9 Uhr wieder geöffnet. In der Nacht vor dem Festival (Donnerstagabend) findet eine Eröffnungsparty mit Bon-Odori (traditioneller japanischer Volkstanz), Preisverlosungen, Essensständen und einem Feuerwerk statt. Der Eintritt ist frei. Das erklärte Ziel des Festivals ist es, "das sauberste Festival der Welt" zu sein. Auch das Recycling ist mit großem Aufwand verbunden.

Soul Flower Union, auch bekannt als SFU, ist eine japanische Musikgruppe, die asiatische Stile und Weltmusikstile in eine Rock'n'Roll-Band integriert. Sie sind bekannt für ihre Mischung aus Psychedelic, Rock, Okinawan-Musik, keltischer Musik, Chindon (eine Art japanischer Straßenmusik), Swing-Jazz sowie japanischer, chinesischer und koreanischer Volksmusik. Die meisten ihrer Songs sind auf Japanisch geschrieben und aufgeführt, obwohl sie gerne Phrasen aus einer Reihe anderer Sprachen verwenden, darunter Englisch, Französisch, Italienisch, Koreanisch, Arabisch und Ainu (die Sprache der Ureinwohner von Hokkaido, Japan). Soul Flower Union wurde 1993 in Osaka gegründet. Zwei Mitglieder aus zwei verschiedenen Punkbands, Mescaline Drive und Newest Model, schlossen sich zu Soul Flower Union zusammen. Takashi Nakagawa war von der Gruppe Newest Model und brachte den "Punk" in die Gruppe. Vom Mescaline Drive kam Hideko Itami, der den Glam Rock zur Soul Flower Union brachte. Andere Mitglieder beider Bands nahmen ebenfalls an der ursprünglichen Besetzung von Soul Flower Union teil. Die SFU hat vor zahlreichen Zuschauern mit bis zu 60.000 Zuschauern gespielt. Nach dem Erdbeben in Kobe im Jahr 1995 begann die Gruppe auf den Straßen der Stadt zu spielen, um die Menschen mit ihrer Musik aufzuheitern, und spielte während dieser Veranstaltung etwa 50 oder 60 Mal. Weil sie auf der Straße waren, mussten sie "unplugged" gehen und akustische Versionen ihrer Songs spielen. Die Trommeln wurden gegen die koreanische Janggu-Trommel ausgetauscht und sie verwendeten auch Klarinetten, Chindon-Trommeln und das Akkordeon und setzten okinawanische Sanshins ein Platz der E-Gitarren. Diese akustische Einheit wurde Soul Flower Mononoke Summit genannt und ist immer noch als Nebenprojekt der SFU aktiv. Während dieser Zeit wurde das Lied 'Mangetsu no Yube' für die Opfer des Erdbebens geschrieben (und von Hiroshi Yamaguchi von der Gruppe Heatwave mitgeschrieben). Seit dem Erdbeben war die Gruppe ein großer Erfolg bei Sommerfestivals in der Region. Sie gründeten auch einen Wohltätigkeitsfonds, den Soul Flower Earthquake Fund, um älteren und behinderten Opfern des Erdbebens zu helfen.

The Chemical Brothers ist ein englisches Duo für elektronische Musik, das aus Tom Rowlands und Ed Simons besteht und 1989 in Manchester entstand. Zusammen mit The Prodigy, Fatboy Slim und anderen Acts waren sie Pioniere, um das Big-Beat-Genre an die Spitze des Pop zu bringen Kultur. Sie erzielten weit verbreitete Erfolge, als ihr zweites Album Dig Your Own Hole 1997 die britischen Charts anführte. In Großbritannien hatten sie sechs Nummer-1-Alben und 13 Top-20-Singles, darunter zwei Nummer-Eins-Alben. Ed Simons wurde am 9. Juni 1970 in Herne Hill, Südlondon, als Sohn einer Rechtsanwaltsmutter und eines abwesenden Vaters geboren. Simons 'zwei Hauptinteressen waren in jungen Jahren Flugzeuge und Musicals. Simons besuchte zwei öffentliche Schulen in Südlondon, Alleyn's School und Dulwich College. Während seiner Schulzeit entwickelte er eine Vorliebe für seltene Groove- und Hip-Hop-Musik, nachdem er ab seinem 14. Lebensjahr einen Club namens The Mud Club besucht hatte. Als er die Schule verließ, waren seine beiden musikalischen Hauptinteressen zwei Manchester-Bands, New Order und die Schmiede. Nach Abschluss der Schule mit 11 O-Stufen und drei A-Stufen studierte er weiter Geschichte, insbesondere spätmittelalterliche Geschichte, an der Universität von Manchester. Tom Rowlands, ein Klassenkamerad aus Kindertagen von Simons, wurde am 11. Januar 1971 in Kingston upon Thames, London, geboren. Als Rowlands noch sehr jung war, zog seine Familie nach Henley-on-Thames. Später besuchte er die Reading Blue Coat School in Berkshire. In seinen frühen Teenagerjahren weitete sich sein Interesse an Musik auf andere Genres aus. Zu seinen Favoriten gehörten zunächst der Soundtrack Oh What a Lovely War, 2 Tone, das aufkommende Gothic-Rock-Genre (Sisters of Mercy, Fields of the Nephilim) und die Electro-Sounds von Künstlern wie Kraftwerk, New Order, Cabaret Voltaire und Heaven 17. Er beschrieb das erste Public Enemy-Album, Yo! Bum Rush the Show, als "die Platte, die wahrscheinlich sein Leben verändert hat", und kommentierte, dass "Miuzi Weighs a Ton" "einer der erstaunlichsten Tracks war, die er jemals gehört hatte". Rowlands begann auch, Hip-Hop-Platten von Künstlern wie Eric B und Schoolly D. zu sammeln. Rowlands verließ die Schule mit ähnlichen Leistungen wie Simons und erreichte neun O-Levels und drei A-Levels. Für die Universität folgte er Simons nach Manchester, um sich hauptsächlich in die Musikszene im Allgemeinen und die Haçienda im Besonderen zu vertiefen.

Die Hanggai Band (杭 盖 乐队) ist eine innermongolische Volksmusikgruppe, die sich auf eine Mischung aus mongolischer Volksmusik und moderneren Stilen wie Punkrock spezialisiert hat. Ihre Lieder enthalten traditionelle Volkstexte sowie Originalkompositionen und werden auf Mongolisch und Mandarin gesungen. Das NPR-Radio gibt an, dass in einem Land, in dem Genres wie C-Pop die Mainstream-Airwaves dominieren, die Hanggai Band mit ihrer einzigartigen und modernen Interpretation der mongolischen Volksmusik neue Wege in die chinesische Musikindustrie beschreitet. Einige der Mitglieder sind ethnische Mongolen, während die übrigen ethnische Han sind, die sich auf mongolische Instrumente spezialisiert haben. Alle Mitglieder stammen aus der Inneren Mongolei und aus Peking. Der Begriff "Hanggai" selbst ist ein mongolisches Wort, das sich auf eine idealisierte Naturlandschaft aus weitläufigen Wiesen, Bergen, Flüssen, Bäumen und blauem Himmel bezieht. Die Band wurde gegründet, als der Anführer Ilchi, der vom Klang des Halsgesangs fasziniert war und sein ethnisches Erbe wiederentdecken wollte, in die Innere Mongolei reiste, um die Kunst zu lernen. Dort lernte er die Bandkollegen Hugejiltu und Bagen kennen. In einem Interview mit NPR erklärte Ilchi: "Die meisten unserer Leute haben sich von der alten Lebensweise entfernt ... Nach dem Umzug in die Städte waren viele von uns nach und nach einer sehr starken kulturellen Invasion durch eine unterdrückerische Kultur ausgesetzt traditionelle Musik hat ihren Platz völlig verloren. "

Die Mitglieder der Hanggai Band kommen aus verschiedenen Bereichen, wobei Sänger Ilchi einst der Frontmann der Punkband T9 war. Diese vielseitigen Erlebnisse haben die Hanggai Band zu einem besonders einzigartigen Klang gemacht, der mongolische Volksmusik mit populäreren Formen wie Punk verbindet. In einem Interview mit Spinner erklärte Ilchi, dass unter den vielen Einflüssen der Gruppe westliche Künstler wie "Pink Floyd, Radiohead, Wut gegen die Maschine, Secret Machines, Electralane und Neil Diamond ..." eine große Rolle bei der Gestaltung der Musik der Band gespielt haben . Obwohl der Kern ihres Sounds auf dem Morin Khuur und dem Topshur, zwei traditionellen Instrumenten, basiert, enthält die Band auch einige viel weniger traditionelle Gerichte. Touren

Hanggai trat 2009 und 2015 zweimal beim Edmonton Folk Music Festival auf. Obwohl es in erster Linie als vorwiegend Heavy-Metal-orientiertes Musikfestival bekannt ist, trat die Band beim Wacken Open Air 2010 auf. Die Band trat im Januar 2011 beim Sydney Festival auf. Hanggai trat vom 9. bis 12. Juni 2011 beim Bonnaroo Music & Art Festival in Manchester, Tennessee, auf. Hanggai trat im Dezember 2011 beim Woodford Folk Festival auf und zog bei jeder Aufführung große Tanzmengen an. Die Band veranstaltet seit 2010 jährlich das Hanggai Music Festival und lädt Acts wie Huun-Huur-Tu und The Randy Abel Stable ein. Die Band erfreut sich in den Niederlanden einer stetigen Beliebtheit und tritt seitdem auf vielen Sommerfestivals und Konzertsälen auf. Die Band trat 2017 beim Sziget Festival in Budapest auf. Die Band trat bei der Völkerschlacht 2018 (Mittelalterturnier) in Santa Severa außerhalb Roms als Unterhaltung nach dem Kampf auf. In jedem Album verwendete die Band außerdem E-Gitarren, Computerprogrammierung, Bass und Banjoes, um einen nahtloseren und moderneren Sound zu erzeugen. Alle Lieder sind Adaptionen mongolischer Volkslieder und werden in mongolischer Sprache mit Halsgesang gesungen, einer mongolischen Technik, bei der der Künstler gleichzeitig zwei verschiedene Tonhöhen ausgibt.

The Lumineers sind eine amerikanische Folk-Rock-Band mit Sitz in Denver, Colorado. Gründungsmitglieder sind Wesley Schultz (Lead-Gesang, Gitarre) und Jeremiah Fraites (Schlagzeug, Percussion). Schultz und Fraites begannen 2005 in Ramsey, New Jersey, gemeinsam zu schreiben und aufzutreten. Die Cellistin und Sängerin Neyla Pekarek trat der Band 2010 bei und war bis 2018 Mitglied. Die Lumineers entwickelten sich während der Wiederbelebung dieser Genres und ihre wachsende Popularität in den 2010er Jahren. Der abgespeckte, rohe Sound der Band basiert stark auf Künstlern, die Schultz und Fraites beeinflussten, wie Bruce Springsteen, Bob Dylan und Tom Petty. Sie sind bekannt für ihre energiegeladenen Live-Shows und mehrere internationale Hit-Singles, darunter "Ho Hey", "Stubborn Love", "Ophelia" und "Cleopatra". Die Band hat sich zu einer der Top-Touring-Bands in den USA entwickelt und verkauft auch Shows auf der ganzen Welt. Die Lumineers haben zwei Alben auf dem amerikanischen Independent-Label Dualtone Records veröffentlicht (Dine Alone in Kanada und Decca / Universal weltweit). Ihr selbstbetiteltes erstes Album wurde 2012 veröffentlicht und erreichte Platz 2 auf dem Billboard 200. Es wurde in den USA und Kanada mit dreifachem Platin, in Großbritannien und Irland mit Platin-Zertifizierungen und in Australien mit Gold ausgezeichnet. Ihr zweites Album, Cleopatra, wurde 2016 veröffentlicht und landete auf Platz 1 der US Billboard 200 sowie in den kanadischen und britischen Album-Charts. Es ist derzeit Platin in den USA zertifiziert. Ihr drittes Album mit dem Titel III wird 2019 veröffentlicht. Schultz hat erklärt: "Ich schreibe die Texte und ich schreibe die Songs zusammen mit Jer" und fügt hinzu: "Es ist nie dasselbe mit jedem Song. Im Allgemeinen handelt es sich um ein Klavier, eine Gitarre und vielleicht um das Singen, und wir beginnen normalerweise mit der Akkordstruktur, einer Reihe von Akkorden, insbesondere einer Melodie, und dann folgen normalerweise die Texte. Oder es ist eine Phrase, die du wirklich großartig findest und dann baust du das Lied darauf auf. "[35] Schultz behauptete später:" Ihre Melodien bringen die Leute dazu, zu hören, was Sie sagen, und fügte hinzu: "Sie müssen offen dafür sein, es zu hören, es fast zu summen. Und wenn sie tiefer gehen wollen, ist da etwas. ""

Fraites betont die Einfachheit des Stils der Gruppe und erklärt: "Wir erfinden das Rad nicht neu oder machen etwas anderes, die Songs sind super einfach. Die Ideen selbst sind sehr einfache Ideen. Jeder, der ein Instrument spielen kann, kann einen Lumineers-Song spielen." Ich denke, es gibt einen bestimmten filmischen Aspekt unserer Musik, den ich wirklich mag. "Launchpad schreibt ähnlich", wo die meisten Bands heutzutage nach diesem neuen, originellen Sound suchen, um die digitale Revolution zu verstärken, "The Lumineers" machen es hervorragend, wenn es darum geht, ihn wieder einfach zu machen. ""

In einem anderen Interview erklärt Fraites: "Ich glaube, die Leute sind verliebt in einen Raum und sehen zu, wie Leute ihre eigenen Instrumente spielen und singen, anstatt Auto-Tune und viele digitale Geräte zu verwenden, um ihren Sound zu vermitteln. Es gibt so etwas." viel Digitalität um uns herum. Die Leute sind fast überrascht, wenn Sie das Gegenteil davon tun. Es ist inspirierend. "

Alister Roberts von Contactmusic hat das selbstbetitelte Debütalbum der Band als "eine perfekt geformte Sammlung rustikaler Folk-Songs, die sich gut in die aktuelle Roots-Wiederbelebung einfügen" beschrieben. Ihr Folk-Sound wurde mit Mumford & Sons verglichen. [93] [94] Zu Mumford & Sons hat Schultz kommentiert, dass sie "Türen eingetreten und dem Radio erlaubt haben, eine Band wie uns zu empfangen, weil wir irgendwie ein wenig dem ähneln, was sie tun." Jon Pareles von The New York Die Times schrieb: "Mumford-Vergleiche rangieren die Lumineers. Während beide Bands launische Texte in Melodien einwickeln, stapeln sich Mumford & Sons in massiven Aufbauten auf Instrumente. Die Lumineers bleiben dagegen spärlich und kommen kaum dazu, eine E-Gitarre zu benutzen." auf den Lumineers. "

Andere Künstler haben die Volksmusik von The Lumineers und Mumford & Sons kommentiert; Der alternative Rockkünstler Jack White lobte den Stil und erklärte: "Ich denke, diese Acts halten heutzutage die Ohren der Menschen offen für die Idee der Seelenfülle von Folk-Musik und akustischer Musik, und man kommt dem Musiker ein bisschen näher, dem Schriftsteller, manchmal. "Umgekehrt kritisierte die Hard- und Schock-Rockkünstlerin Alice Cooper die beiden Bands und nannte es" eine Straftat ", sie als Rockbands zu bezeichnen.

Unknown Mortal Orchestra ist eine in Portland, Oregon, ansässige neuseeländische psychedelische Rockband, die sich hauptsächlich aus dem Sänger, Gitarristen und Songwriter Ruban Nielson und dem Bassisten Jake Portrait zusammensetzt. Nielson, ehemals von The Mint Chicks, gründete die Band im Jahr 2010. Das erste Album der Band wurde 2011 auf Fat Possum Records veröffentlicht. Auf Jagjaguwar wurden vier weitere Studioalben veröffentlicht, zuletzt IC-01 Hanoi (2018). Der Sänger und Gitarrist Ruban Nielson veröffentlichte am 17. Mai 2010 den Titel "Ffunny Ffrends" in seinem anonymen Bandcamp-Profil. Es wurden keine weiteren Informationen bereitgestellt und insbesondere nicht erwähnt, wer ihn erstellt hat. Innerhalb eines Tages hatte das Lied eine bedeutende Berichterstattung von unabhängigen Musikblogs wie Pitchfork erhalten. Durch ihre Neuveröffentlichung und Versuche, den Schöpfer zu jagen, beanspruchte Nielson den Track schließlich als Unknown Mortal Orchestra. Das selbstbetitelte Debütalbum der Band wurde am 21. Juni 2011 auf Fat Possum Records veröffentlicht. Das Album erhielt schnell kritische Anerkennung. Pitchfork gab dem Album eine 8,1 und beschrieb, dass UMO mit "einer fachmännischen Nutzung des für eine solche Lo-Fi-Platte seltenen Raums eine einzigartige immersive und psychedelische Qualität schafft, ohne sich auf die üblichen Bong-Ripping-Effekte zu verlassen".

Im Frühjahr 2012 gewann die Band den Taite Music Prize für das Album. Obwohl das nominierte Unknown Mortal Orchestra nicht das beste alternative Album gewann, wurde Nielson bei den 47. jährlichen Vodafone New Zealand Music Awards als bester männlicher Künstler ausgezeichnet. Im September 2012 gab das Unknown Mortal Orchestra bekannt, dass sie bei Jagjaguwar unterschrieben hatten und an ihrem zweiten Album in voller Länge arbeiteten. Das zweite Album von Unknown Mortal Orchestra, II, wurde am 5. Februar 2013 veröffentlicht. Die erste Single des Albums mit dem Titel "Swim and Sleep (Like a Shark)" war erstmals als 7 "auf ihrer Tour mit Grizzly Bear erhältlich. II wurde von der Kritik hoch gelobt. Im November 2013 gewann sie das Best Alternative Album bei der New Zealand Music Awards. II wurde für den Taite Music Prize 2014 nominiert, einen jährlichen Musikpreis, der für das beste Album Neuseelands vergeben wird. Clash Music gab dem Album eine 9 von 10 Punkten und sagte "vom Opener 'From The Sun', was erinnert sich George Harrison-Psychedelia an das zarte Family Stone-Shuffle des Abschlusses von 'Secret Xtians'. 'II' zeigt sowohl eine strahlende Wärme in seiner Produktion als auch eine geschickte Raumnutzung, die Nielsons hervorragend gestaltete Kompositionen beleuchtet. "Paste Magazine Called The Album" ist eine moderne, beatlastige Version des 60er-Jahre-Psychos mit vielen Hooks und Fuzz, die Sie süchtig machen und sich verschwommen fühlen lassen. "NME lobte Rubans Fähigkeit, seine Songs in" Werke von warmer, verschwommener Schönheit "zu verwandeln. Das vierte Studioalbum der Band, Sex & Food, wurde am 6. April 2018 veröffentlicht und erhielt viel Lob von Fans und Kritikern Im Reflektor Magazine wurde Folgendes gesagt: "Der konsistente Faden durch den UMO-Katalog bleibt stark; Frontmann Ruban Nielson spielt eine gefühlvolle Stimme vor dem Hintergrund melodisch reicher Musik und raffiniertem Rhythmus. Dieses Album baut auf vielen Synthesizern und gesampelten Drum-Texturen auf, die 2015 auf der vorherigen Breakout-LP Multi-Love eingeführt wurden, bietet aber eine andere Fahrt. Das gesamte Album wurde in SB-05, der 2017er Folge eines Instrumental- / Ambient-Tracks am Weihnachtstag, der digital kostenlos veröffentlicht wurde, verdeckt in der Vorschau gezeigt. Beim ersten Anhören enthüllt Sex & Food jedes Lied in seiner vollen Form, eine angenehme Überraschung. "Im Juli ernannte BBC Radio & 6Music Sex & Food zu einem der besten Alben, die 2018 veröffentlicht wurden. Nach der Veröffentlichung startete die Band eine weltweite Tournee mit Stationen in Nordamerika, Europa, Großbritannien, Asien, Neuseeland und Neuseeland Australien, mit vielen ausverkauften Daten. Im September 2018 kündigten sie die Veröffentlichung eines Instrumentalalbums mit dem Titel IC-01 Hanoi an, das aus den Sessions für Sex & Food stammt und am 26. Oktober 2018 veröffentlicht wurde.

American Football ist eine amerikanische Rockband aus Urbana, Illinois, USA, die ursprünglich von 1997 bis 2000 und erneut ab 2014 aktiv war. Trotz der kurzen anfänglichen Lebensdauer der Gruppe wurde ihr selbstbetiteltes Debütalbum zu einem der bekanntesten Emo- und Mathe-Rocks Aufzeichnungen seiner Ära. American Football kam 2014 wieder zusammen und hat seitdem zwei weitere Alben veröffentlicht. Gitarrist / Bassist und Sänger Mike Kinsella (ehemals Cap'n Jazz und Joan of Arc und derzeit Owen), Schlagzeuger und Trompeter Steve Lamos (ehemals The One Up Downstairs, einmaliges Mitglied der Firebird Band und Edward Burch & Die Staunch Characters (derzeit von The Geese und DMS) und der Gitarrist Steve Holmes (ebenfalls von The Geese) gründeten die Band. Geschichte

Mike Kinsella und Steve Holmes kannten sich schon in jungen Jahren, da beide Schüler der Wheeling High School in Wheeling, IL, waren, wo Kinsella Schlagzeug für Cap'n Jazz spielte. Holmes spielte Gitarre in verschiedenen Bands. Kinsella und Lamos begannen 1997 zusammen mit David Johnson und Allen Johnson unter dem Namen "The One Up Downstairs" zu spielen, in dem Kinsella ausschließlich Sängerin war. Unter diesem Namen wurden drei Songs aufgenommen, mit der Absicht, sie als 7-Zoll-Platte auf Polyvinyl Records zu veröffentlichen. Die Band splitterte jedoch, bevor die Platte gedrückt werden konnte, und die Songs wurden zurückgestellt. Die drei von The One Up Downstairs aufgenommenen Tracks würden 2006 endlich als digitale Download-EP und 2009 als 7-Zoll-Platte über Polyvinyl veröffentlicht. David Johnson und Allen Johnson gründeten die Band Very Secretary (und später Favorite Saints), während Kinsella und Lamos mit Steve Holmes zusammenarbeiteten. American Football hat insgesamt zwei Veröffentlichungen abgeschlossen - eine Titel-EP im Jahr 1998 und sein Debütalbum im Jahr 1999, beide über Polyvinyl Records. Obwohl die Band auf der EP keinen Bass aufgenommen hat, hat Kinsella auf der LP Bassgitarre gespielt. Innerhalb eines Jahres nach der Veröffentlichung in voller Länge wurde American Football zu einem Studio-Projekt. Kurz darauf beschloss die Band gegenseitig, die gemeinsame Aufnahme einzustellen. Dennoch erhielt American Football kritische Anerkennung für dieses Album, das die einfachen, konfessionellen Texte und die unterschiedlichen Taktarten des Math Rock mit einer weicheren musikalischen Sensibilität verband. Diese Eigenschaften wurden in Kinsellas aktuellem Projekt Owen gefunden. Am 20. März 2014 kündigte Polyvinyl Records eine Deluxe-Edition des selbstbetitelten Albums der Band, American Football, an, das die ursprünglichen neun Titel aus der Veröffentlichung von 1999 sowie zehn weitere ungehörte Demos und Live-Aufnahmen enthält. Die Deluxe Edition ist als 180-Gramm-Rot 2xLP, 2xCD, Kassette und als MP3-Download erhältlich. Eine weitere Version - limitiert auf 2.000 Exemplare eines 180-Gramm-Grün / Gelb-2xLP - wurde ebenfalls angekündigt. Alle Versionen wurden am 20. Mai 2014 veröffentlicht. Am 2. April 2014 neckte Polyvinyl die Fans mit einer Website, americanfootballmusic. com, an Fans in sozialen Medien. Die Website hatte einen Countdown, der am 21. April 2014 ablief, als zwei Live-Termine in Champaign und New York bekannt gegeben wurden. Die Band fügte zweite und dritte Shows in New York in der Webster Hall hinzu, die schnell ausverkauft waren. [4] Zu diesen Terminen trat Mikes Cousin Nate Kinsella der Band am Bass bei. [5] Seit dem neuen Erfolg der Band buchte American Football Tourdaten weltweit in den USA, Kanada, Spanien, Großbritannien, Japan und Australien. Am 23. August 2016 kündigte die Band ihr zweites Album mit dem Titel American Football an. In derselben Ankündigung wurde "Ich war so lange so verloren" für das Streaming über SoundCloud verfügbar gemacht. Am 21. Oktober 2016 veröffentlichte die Band ihr zweites Album zum weltweiten Kauf über Polyvinyl Records. Das Cover des Albums zeigte dasselbe Haus, das auf dem ersten Album der Band in voller Länge fotografiert wurde. Das "American Football House" wurde zu einem Wahrzeichen für Emo-Musikfans auf der ganzen Welt, die oft nach Urbana, Illinois, reisten, um außerhalb des Hauses Fotos zu machen. Am 11. Dezember 2018 neckte die Band ihr drittes Album auf Instagram. Ihr drittes gleichnamiges Studioalbum kann bei Apple Music und iTunes vorbestellt werden. Die Single "Silhouettes" wurde nach Ankündigung zur Verfügung gestellt.

Khruangbin ist ein amerikanisches Musical-Trio aus Houston, Texas, mit Laura Lee am Bass, Mark Speer an der Gitarre und Donald Ray "DJ" Johnson Jr. am Schlagzeug. Die Band ist bekannt für die Mischung aus globalen Musikeinflüssen, klassischem Soul, Dub und Psychedelia. Ihr Debütalbum The Universe Smiles Upon You (2015) basiert auf der Geschichte der thailändischen Musik in den 1960er Jahren, während ihr zweites Album Con Todo El Mundo (2018) Einflüsse aus Spanien und dem Nahen Osten aufweist. Speer, Lee und DJ moderieren auch Radiosendungen von "Air Khruang" auf NTS und Facebook Live. Speer und Johnson lernten sich 2004 kennen, als sie in der Gospelband St. John's Methodist Church von Rudy Rasmus in Houston, Texas, spielten. Die Kirche beschäftigte Speer als Gitarristen und Johnson als Organisten. 2007 lernte Speer Lee über Freunde kennen, wo sie sich zunächst über eine gemeinsame Liebe zur afghanischen Musik und zur Architektur des Nahen Ostens verbanden. Im Jahr 2009 brachte Speer Lee das Bassspielen bei. 2010 gingen sie und Speer mit Yppah und Bonobo, Laura Lee am Bass und Speer an der Gitarre auf Tour. Die Tour brachte die beiden auf Trab, um gemeinsam mehr Musik zu machen und die ersten Samen von Khruangbin zu säen. Speer und Lee gingen in eine Scheune, wo sie den basslastigen, psychedelischen Sound entwickelten, der die Grundlage für die Ästhetik der Band bildete. Nach ihrer Rückkehr baten sie DJ, sich der Band als Schlagzeuger anzuschließen, um einfache Breakbeats unter Gitarre und Bass zu spielen. Die Scheune in der 300-Personen-Stadt Burton in Texas sollte Schauplatz aller künftigen Khruangbin-Aufnahmen werden. Als Laura Lee, die zu dieser Zeit Thai lernte, gebeten wurde, ihren ersten Auftritt zu spielen, entschied sie sich, ihr Lieblings-Thai-Wort "khruangbin" (เครื่องบิน) zu verwenden, was "Flugmotor" oder "Flugzeug" bedeutet . Speer gibt zu, dass sie, wenn sie die Voraussicht gehabt hätten, den Erfolg der Band vorherzusagen, möglicherweise keinen Namen gewählt hätten, der so schwer auszusprechen war. Obwohl der Name der Band notorisch schwierig zu sagen ist, symbolisiert er die internationalen Einflüsse, die die Gründung der Band geprägt haben.

King Gizzard & the Lizard Wizard ist eine australische Rockband, die 2010 in Melbourne, Victoria, gegründet wurde. Die Band besteht aus Stu Mackenzie (Gesang, Gitarre, Keyboards, Flöte, Bass), Ambrose Kenny-Smith (Gesang, Mundharmonika, Keyboards), Cook Craig (Gitarre, Bass, Gesang), Joey Walker (Gitarre, Bass, Keyboards, Gesang) ), Lucas Skinner (Bass, Keyboards), Michael Cavanagh (Schlagzeug, Percussion) und Eric Moore (Schlagzeug, Percussion, Management). Sie sind bekannt für ihre energiegeladenen Live-Shows und ihre produktiven Aufnahmen, da sie seit ihrer Gründung eine EP und 14 Studioalben veröffentlicht haben. Die meisten ihrer Alben haben umweltschonende Themen. Ihre EP und die ersten beiden Alben, Willoughby's Beach (2011), 12 Bar Bruise (2012) und Eyes Like the Sky (2013), mischten hauptsächlich Surfmusik, Garage Rock und Psychedelic Rock und wurden auf dem unabhängigen Plattenlabel Flightless der Band veröffentlicht , 2012 von Moore gegründet. Ihre dritten bis achten Alben - Float Along - Fill Your Lungs (2013), Oddments, I'm in Your Mind Fuzz (2014), Quarters!, Paper Mâché Dream Balloon (2015) und Nonagon Infinity (2016) - erweiterten ihren Sound. darunter Elemente der Filmmusik, Progressive Rock, Folk, Jazz, Soul und Heavy Metal. 2017 erfüllte die Band das Versprechen, innerhalb des Jahres fünf Studioalben zu veröffentlichen: Flying Microtonal Banana im Februar; Mord am Universum im Juni; Sketches of Brunswick East, eine Zusammenarbeit mit dem Mild High Club, im August; Polygondwanaland, das im November veröffentlicht wurde; und Gummistiefelsuppe im Dezember. Die Band veröffentlichte am 26. April 2019 ihr vierzehntes Album, Fishing for Fishies. Die Bandmitglieder sind alle aufgewachsen und in den Gebieten Deniliquin, Melbourne und Geelong zur Schule gegangen. Die Band begann als eine Gruppe von Freunden, die zusammen jammten, bevor ein gemeinsamer Freund sie bat, bei einer Show zu spielen. Der Name der Band wurde "Last Minute" erstellt. Mackenzie wollte die Band "Gizzard Gizzard" nennen, während ein anderes Bandmitglied Jim Morrisons Spitznamen "Lizard King" wollte. Sie machten schließlich einen Kompromiss mit King Gizzard und dem Lizard Wizard. Der Künstler Jason Galea hat das gesamte Albumcover der Band und einen Großteil ihrer Musikvideos erstellt.

Seit der Veröffentlichung ihres Debütalbums "Apiafo" im Jahr 2014 hat Vaudou Game auf über 130 Bühnen in Europa, Afrika, Amerika und Asien nie die Hitze gesenkt und kann Gilles Peterson von BBC Radio 6 Music als Fan zählen. Mit der Veröffentlichung ihres zweiten Albums in diesem Herbst, "Kidayu", erstrecken sich die verschiedenen Einflüsse über die Big Bands der äthiopischen Tanzmusik bis hin zum rumpelnden Funk und der Seele der Civil Rights-Ära. Im echten Afro-Funk-Stil serviert Vaudou Game es live und roh, voller Groove, während Solos Texte hin und her springen, bis das Ergebnis so pulsierend und hypnotisch ist, dass Sie nur noch Ihre Füße bewegen müssen. Musiker auf der ganzen Welt lassen sich von den schweren Klängen des Afro-Funk der 60er und 70er Jahre aus Westafrika, Gruppen wie dem Orchestre Poly-Rythmo de Cotonou und Roger Damawazun aus Benin inspirieren. Es gibt jedoch nur wenige, wenn überhaupt, Gruppen, die sich mit mehr Treue, Kraft und Kreativität von der Musik dieser Zeit inspirieren lassen als Vaudou Game

Die „Vaudou Funk“ -Gruppe hat ihren Sitz in Lyon, Frankreich, aber dieses mächtige Sextett wird von Peter Solo, einem Gitarristen, Sänger, Songwriter und Vaudou-Evangelisten aus Togo, geleitet. Vaudou Game kombiniert Voodoo-Rhythmen, rohen Afrofunk und Soul, und die Musik der Band erinnert an den Sound legendärer Bands wie Orchestre Poly-Rythmo de Cotonou und El Rego aus Benin! Die Idee, die eindringlichen Voodoo-Linien, die zu Ehren der Gottheiten gesungen wurden, in den energetischen Afrofunk der 70er Jahre zu integrieren, ist für Peter Solo eine offensichtliche Erweiterung der Analogie, die er zwischen dieser Voodoo-Tradition und Trance-Induktoren wie Soul, Funk, und Rhythmus 'n Blues von James Brown und Otis Redding.

Sunset Rollercoaster ist eine 5-köpfige taiwanesische Band. Sie haben nicht nur einen Gitarristen, zwei Schlagzeuger, einen Bassisten und einen Keyboarder, sondern auch einen eigenen Saxophonisten. Sunset Rollercoaster hat als Band aus Taipeh, Taiwan, deren Songs auf Englisch sind, viel Anerkennung gefunden. 2011 wurde die Band gegründet und veröffentlichte ihr Debütalbum Bossa Nova. Nach einer Tournee für dieses Album machte die Band eine Pause bis zur Wiedervereinigung im Jahr 2015. Die mit Synthies gefüllte Jinji Kikko EP wurde 2016 veröffentlicht. Sie brachte der Band einen neuen Sound, der schnell internationale Aufmerksamkeit erlangte. Nach zwei Jahren wurde das zweite Album der Band, Cassa Nova, veröffentlicht. Sunset Rollercoaster ist "subtropische Liebe, Breezin". Jedes Mitglied trägt durch dieses Instrumentarium seinen eigenen Aspekt des groovigen Klangs bei. Insbesondere auf der Jinji Kikko EP gibt es viele lange Soli, da es nur 3 Songs gibt. Sie vergessen, dass es einen Keyboarder gibt, bis es ein krankes Solo gibt, wenn die Melodie nach drei Minuten entweicht und es sich wie pure Glückseligkeit anfühlt. Dann kommt direkt unter der Tastatur ein Saxophon-Solo hervor, das einfach so jazzig ist, dass es dein Herz mit purer Güte erfüllt, als wäre es genau das, von dem du nicht wusstest, dass du es brauchst, aber sie haben es dir trotzdem gegeben. Die taiwanesische Band Sunset Rollercoaster spielte einen kulturell ungewohnten Sound eines weit, weit entfernten Landes und gelang es, die Herzen vieler asiatischer Fans mit ihrer unerwartet herzlichen Interpretation alter amerikanischer zeitgenössischer Soul-Sounds für Erwachsene zu erobern. In Indonesien hat die Resonanz auf seine einzigartige Musik Fieber erreicht. Die Band besuchte Jakarta kürzlich im Rahmen ihrer laufenden Tournee, die sie in Länder wie Japan und Thailand führte, mit Terminen in China, die folgen werden. Sunset Rollercoaster wurde vom lokalen Musikkollektiv Noisewhore organisiert und konnte das Auditorium der Rossi Musik in Fatmawati, Süd-Jakarta, voll ausfüllen. Die Tickets für den Auftritt der Band waren Wochen vor der zweiwöchigen Serie ausverkauft, in der Noisewhore auch die kanadische Indie-Rock-Band Peach Pit und die singapurische Noise-Rock-Band Subsonic Eye einlud. 0
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Die taiwanesische Band Sunset Rollercoaster ist ein Juwel, das tief in einer weltweit übersehenen unabhängigen asiatischen Musikszene zu finden ist. Sie hat es geschafft, diese futuristische Welt langsam zu erobern, indem sie sich den Klängen des Retro-Amerikas und verschiedenen aktuellen Klängen widmete. Die taiwanesische Band Sunset Rollercoaster spielte einen kulturell ungewohnten Sound eines weit, weit entfernten Landes und gelang es, die Herzen vieler asiatischer Fans mit ihrer unerwartet herzlichen Interpretation alter amerikanischer zeitgenössischer Soul-Sounds für Erwachsene zu erobern. In Indonesien hat die Resonanz auf seine einzigartige Musik Fieber erreicht. Die Band besuchte Jakarta kürzlich im Rahmen ihrer laufenden Tournee, die sie in Länder wie Japan und Thailand führte, mit Terminen in China, die folgen werden. Sunset Rollercoaster wurde vom lokalen Musikkollektiv Noisewhore organisiert und konnte das Auditorium der Rossi Musik in Fatmawati, Süd-Jakarta, voll ausfüllen. Die Tickets für den Auftritt der Band waren Wochen vor der zweiwöchigen Serie ausverkauft, in der Noisewhore auch die kanadische Indie-Rock-Band Peach Pit und die singapurische Noise-Rock-Band Subsonic Eye einlud. Das meiste, was es spielte, basierte auf Material von seinem exzellenten Jinji Kikko aus dem Jahr 2017, einer EP, die als rechtmäßiger Nachfolger der Synthies der 1980er-Jahre dient, die von relativ uncoolen Oldies-Acts wie Hall and Oates und Chicago abgegeben wurden, aber mit „coolem“ Shoegaze gemischt wurden und Post-Rock-Tendenzen. Es ist ziemlich überraschend herauszufinden, dass es einer Band aus den Fernen Asiens gelungen ist, die tiefen Klänge des Retro-Amerikas so gut zu präsentieren, und überraschender ist die Tatsache, dass die einzige Exposition, die die Band gegenüber diesen Klängen hatte, nur ihr Musical war Kuriositäten. Auf diese Weise scheint die Band im Vergleich zu ihren Kollegen eine Art Indie-Anomalie in ihrer Heimat zu sein. Der Sänger und Gitarrist von Sunset, Kuo, erklärt, dass die meisten derzeit existierenden taiwanesischen Indie-Bands überwiegend die „Mainstream-Indie“ -Sounds von Shoegaze, Post-Punk und Noise Rock spielen, aber der Hauptunterschied besteht darin, dass die meisten von ihnen auf Mandarin singen - etwas, das Sunset singt Achterbahn hat noch nie gemacht. Englisch ist nicht die Muttersprache von Kuo oder einer der anderen Mitglieder. Tatsächlich ist Kuo das einzige Bandmitglied, das sich fließend auf Englisch unterhalten kann. Er schreibt einen Teil seiner Geläufigkeit dem Anschauen einer Menge Sesamstraße zu, als er aufwuchs, und jetzt hat er das Gefühl, dass das Singen und Schreiben auf Englisch für ihn viel einfacher ist. „Obwohl Englisch für mich eine Außenseitersache ist, kann ich viel meiner Fantasie in die Sprache stecken. Manchmal, wenn ich versuche, auf Mandarin zu singen oder zu schreiben, neige ich dazu, zu viel nachzudenken. Auf Englisch würde das niemals passieren “, erklärt er. "Aber vielleicht mache ich eines Tages etwas auf Mandarin, wenn ich einen Weg finde. ”

Wie er beschreibt, gibt es in der taiwanesischen Indie-Szene nur „ungefähr fünf“ Bands, die derzeit auf Englisch singen. Der Grund, warum Kuo der Meinung ist, dass Sunset Rollercoaster es geschafft hat, so schnell viele Fans im In- und Ausland zu gewinnen, liegt nicht nur am englischen Faktor, sondern auch daran, dass die Musik der Band als pop-lehnender angesehen wird als die meisten seiner Kollegen, wodurch sie sie machen zugänglicher und für die breite Öffentlichkeit leichter verständlich. Während seiner fünfjährigen Pause erfuhr Sunset Rollercoaster eine drastische Klangänderung, die auf die Änderung der Besetzung zurückzuführen ist. Kuo und Schlagzeuger Lo Tsun wurden von Keyboarder Shao, Percussionist Hao Chia und dem neuen Bassisten Hung Li begleitet, kurz nachdem sie 2011 ihr erstes Album, Bossa Nova, veröffentlicht hatten.

Black Boboi ist eine Indie-Supergruppe, die aus drei talentierten Künstlerinnen, Utena Kobayashi, Julia Shortreed und Ermhoi, besteht. . Während dies eine Gruppe von drei Frauen sein mag, versucht sie nicht, eine besonders feministische Agenda voranzutreiben - abgesehen von der Tonhöhe der Stimmen kann es auch „geschlechtslos“ sein. Das Black Boboi-Erlebnis ist zugleich dunkel, eindringlich, kraftvoll und surreal und zeichnet sich durch ahnungsvolle Drum-Loops, exotische Percussion und Gesang aus. Dies ist keine typische "Mädchenband" und wir sind nicht mehr in Shimokitazawa Coco. Das Thema von Black Boboi ist konfrontierend, aber nicht ausgeflippt, versucht jemanden davon zu überzeugen, dass er nicht verrückt ist, und schneidet die Fäden des Puppenmeisters los, die (nicht) in einem Tagtraum existieren. Zwei der Mitglieder sind halb Japaner und haben die kreative Entscheidung getroffen, auf Englisch zu singen. Während dies für ein japanisches Publikum wahrscheinlich großartig funktioniert, ist es für ein internationales Publikum schwierig, aus den seltsamen Texten eine größere Bedeutung abzuleiten. Dennoch geben die Wörter und Melodien dem Hörer etwas, an dem er sich als Leitthemen festhalten kann. Der filmische Sound und das gemessene Tempo machen es leicht, die damit verbundenen Emotionen zu spüren und sich vorzustellen, im Sand zu sein oder aus einem Käfig auszubrechen, natürlich in Zeitlupe in Schwarzweiß. Musikalisch verwenden sie einen sehr konsistenten, kontrollierten Klang, um einen bestimmten Stil zu etablieren. Das meiste davon wurde auf Laptops / Computern gemacht, und die drei Mitglieder singen abwechselnd. Vielleicht verschmelzen die Stimmen aufgrund ihres Designs und sind nicht leicht voneinander zu trennen, was den Fokus auf „Lead-Vocals“ weiter reduziert. Und um ihr Image weiter herunterzuspielen, tragen sie auf der Bühne alles Schwarz (allerdings nicht so weit wie Uniformen oder Masken). Dies legt mehr Wert auf die Musik, insbesondere die Beats. Weit davon entfernt, eingängige Loops zu sein, landen die digitalen Kicks von Black Boboi sparsam, aber mit Kraft, und die allmählichen Builds ermöglichen es den Beats, sich zu verschieben und subtil zu ändern, um eine größere Dringlichkeit, dramatische Spannung oder Entspannung zu erreichen. Dies verleiht Agate einen Großteil des Charakters, da sie nicht viele organische Instrumente, komplexe Musiksoli oder Effekte / Samples verwenden. Unabhängig davon weiß Black Boboi, wie man Druck ausübt, und man fühlt sich genau so, wie man es möchte. Für eine erste wesentliche Veröffentlichung ist „Agate“ sehr zurückhaltend, höchstwahrscheinlich absichtlich. Es droht nie, von der Leine zu gehen oder ganz andere Stimmungen zu erkunden. Aber wie bei Achatfelsen gibt es viele Schichten und Farben, die je nach Betrachtungswinkel völlig unterschiedlich aussehen. Daher wird es sehr interessant sein zu sehen, welche anderen Aspekte Black Boboi in Zukunft enthüllt. Achat ist eine beeindruckende, einzigartige Erfahrung, die Ihre volle Aufmerksamkeit erfordert. Mit der zweiten Bedeutung des Titels ist dies ein „Tor“ in die Welt von Black Boboi - lassen Sie uns herausfinden, wie tief das Kaninchenloch geht.

Phony Ppl ist eine Musikgruppe mit Sitz in Brooklyn, New York. Ursprünglich im Jahr 2010 mit 9 Mitgliedern gegründet, sind die aktuellen Mitglieder Elbee Thrie (Gesang), Elijah Rawk (Leadgitarre), Matt "Maffyuu" Byas (Schlagzeug), Aja Grant (Keyboard) und Bari Bass (Bassgitarre). Mitglieder von Phony Ppl trafen sich in der High School. Elbee (Robert Booker) und Aja bildeten zuerst die Gruppe, später kamen Dyme-A-Duzin (Donnovan Blocker), Bari Bass (Omar Grant), Elijah Rawk, Ian Bakerman, Temi O, Maffyuu und Sheriff PJ hinzu. 2012 veröffentlichten sie das Album Phonyland. Im Januar 2015 veröffentlichten sie das Album Yesterday's Tomorrow. Das Album erreichte Platz 24 in der Billboard Heatseekers Album-Tabelle. Das Album erreichte außerdem Platz 15 in der Trending 140-Tabelle und Platz 7 in der Emerging Artists-Tabelle. Sie veröffentlichten die Single "This Must Be Heaven" im November 2016. Sie hatten ihren ersten Fernsehauftritt am 9. Juni 2015 auf Jimmy Kimmel Live! Aufführung von "Trap Queen" mit Fetty Wap. Im Oktober 2018 veröffentlichten sie die Single "Something About Your Love" (stilisiert als "Etwas über deine Liebe"). Ihr Album mō’zā-ik. wurde am 19. Oktober 2018 veröffentlicht.

Interactivo ist eine kollaborative Gruppe kubanischer Musiker, angeführt vom Pianisten, Sänger und Komponisten Roberto Carcasses. Als Anerkennung ihrer wachsenden Bekanntheit war die Band kürzlich Gegenstand eines Dokumentarfilms unter der Regie von Tane Martinez, der im Dezember 2010 auf dem Havana International Film Festival uraufgeführt wurde. Interactivo ist ein Musikkollektiv, das von Roberto Carcasses in Havanna, Kuba, gegründet wurde Kerngruppe von fünf Musikern: Roberto Carcasses, Yusa, Francis de Rio, William Vicanco und Telmary Diaz. Roberto Carcasses gilt als "Direktor" der Gruppe und nicht als Anführer. Er ist stolz auf Interactivos Freiform, Experimentierfreudigkeit und Zusammenarbeit. Im Laufe der Jahre haben sich neue Mitglieder der Band angeschlossen, darunter Olivier Valdes, Rodney Barreto, Yaroldi Abreu, Carlos Rios, Raul Verdecia, Julio Padron, Carlos Miyares, David Suarez, Alexey Barroso, Juan Carlos Marin, Brenda Navarrete, Marjorie Rivera und Lisset Ochoa unter anderem. Die häufigen Besetzungswechsel und das Kommen und Gehen seiner Mitglieder haben Interactivo absolut unbeschreiblich gemacht und sind nicht in der Lage, sich einem Musikgenre zuzuordnen. Traditionelle afro-kubanische Beats mischen sich mit Jazz-, Soul-, Rap- und Funkmusik, was die Stärken der einzelnen Musiker sowie den Erfolg der Gruppe bei der Zusammenarbeit hervorhebt. Die Veröffentlichung ihres neuesten Albums, Cubanos por el Mundo, hat eine Welttournee gestartet. Zahlreiche andere renommierte Künstler nahmen an den Aufnahmen teil, darunter der Sänger und Cheekeré-Spieler Oscar Valdés, der Sänger Bobby Carcassés, die Bassisten Carlos Ríos, Feliciano Arango und Néstor del Prado, die Schlagzeuger Adel González, Rodney Yllarza Barreto und Oliver Valdés; Gitarristen Elmer Ferrer und José Luis Martínez; Trompeter Julio Padrón, Carlos Sarduy, Carlos M. Miyares und David Suárez; Sänger und Choristen Marjorie Rivera, Melvis Santa, Santiago Feliú, Descemer Bueno, David Torrens und Kelvis Ochoa.

Matador! Soul Sounds ist eine Band, die lose auf dem Konzept des spanischen Stierkampfs basiert. Ein weit verbreitetes Missverständnis in Amerika ist, dass Stierkampf eine Leistung von einem Mann gegen einen Stier ist - in Wirklichkeit ist Stierkampf größtenteils eine Teamleistung eines Matadors und seiner Cuadrilla. Geboren aus der Vision von Eddie Roberts (The New Mastersounds) und Alan Evans (Soulive), besteht ihre wilde Cuadrilla aus dem Keyboarder Chris Spies und dem Bassisten Kevin Scott (Jimmy Herring) als „Banderilleros“ der Band. Adryon verleiht der Band eine weibliche Energie de León und Kimberly Dawson (Pimps of Joytime) über den Gesang. Die Musik, die sie kreiert haben, kombiniert die Dynamik jedes Bandleaders und ist brandneu, hart und von ihren gemeinsamen musikalischen Leidenschaften durchdrungen - Jazz, Funk & Soul. Die Band gab ihr offizielles Weltdebüt bei Brooklyn Comes Alive 2017 von Live for Live Music und tourte im Frühjahr 2018 hinter ihrer ersten EP "Get Ready" in voller Länge. Matador! Soul Sounds wurde organisch gegründet, als Eddie und Alan auf Tour waren. Eddie erklärt: „Die Idee entstand eines Abends, als wir in einer Bar in DC Wein tranken, als ich mich an Alan wandte und fragte:‚ Können wir zusammen eine Band gründen? 'Alan teilte offensichtlich das gleiche Gefühl wie hier, wo wir heute das Debüt starten Album!" Der nächste Schritt bestand darin, einen Namen zu finden, der sowohl ihre Identität als auch ihre musikalischen Inspirationen umfasste. Die Benennung der Band erfolgte während der Grant Green Tribute Shows von Eddie und Alan. Beide mochten das Grant Green-Album Matador und alles, was es hervorrief. Matador! Soul Sounds ist eine Band, die lose auf dem Konzept des traditionellen spanischen Stierkampfs basiert. Ein weit verbreitetes Missverständnis in Amerika ist jedoch, dass Stierkampf eine Leistung von einem Mann gegen einen Stier ist. In Wirklichkeit ist Stierkampf größtenteils eine Teamleistung eines Matadors und seiner Cuadrilla - das ist das Thema, das die All-Star-Besetzung hinter dieser ursprünglichen Band zeigt.

Red Hot Chilli Pipers sind ein Ensemble aus Pfeifern, Gitarristen, Keyboards und Schlagzeugern, das 2002 in Schottland gegründet wurde. Sie haben die BBC-Talentshow "When Will I Be Famous" eingereicht und gewonnen. Im Jahr 2004 trat die Gruppe mit der Headline-Band The Darkness auf der Hauptbühne von T in the Park auf. Sie traten im Juli 2013 bei BBC Radio 1 in der Greg James Show und 2014 bei The Radio 1 Breakfast Show mit Nick Grimshaw auf. Die Band hat derzeit Grant Cassidy - einen achtmaligen Snare-Schlagzeug-Weltmeister. Seit ihrer Gründung haben die Red Hot Chilli Pipers Gitarren, Keyboards, Schlagzeug und Dudelsack kombiniert, um einen Bagrock-Sound zu erzeugen. Die Red Hot Chilli Pipers verbinden traditionelle Pfeifenmelodien mit zeitgenössischen Stücken. Zu den bemerkenswerten Coverversionen gehörten "We Will Rock You" von Queen, "Clocks" von Coldplay und "Smoke on the Water" von Deep Purple sowie "Chasing Cars" von Snow Patrol und "Don't Stop Believing" von Journey. Ihr bisher größter Hit ist natürlich der mit Platin ausgezeichnete und preisgekrönte Jazz Badger. Die Band hat ab 2016 6 Studioalben veröffentlicht, von denen ihre erste, die 2005 erschienene Veröffentlichung The Red Hot Chilli Pipers, am wenigsten erfolgreich war. Ihr 2007er Album Bagrock to the Masses wurde in Schottland mit Platin und im Rest des Vereinigten Königreichs mit Silber ausgezeichnet. Ihr drittes und erstes Live-Album, Blast Live (2008), wurde in Schottland mit dreifachem Platin ausgezeichnet. Ihre vierte Veröffentlichung Music for the Kilted Generation ist jedoch die beste internationale Platte von The Red Hot Chilli Pipers und erreicht Platz 2 der US-amerikanischen Amazon-Charts. und wurde nur aufgrund von Adeles Rekordalbum 21 vom Spitzenplatz abgehalten. Ihr Album mit dem Titel Music for the Kilted Generation ist eine Parodie auf Music for the Jilted Generation von The Prodigy. Die Band unterzeichnete im Dezember 2012 einen Vertrag für ein neues Album, das 2013 veröffentlicht werden soll, einschließlich Tracks von Bands wie Coldplay und Journey. Breathe wurde im Juli 2013 auf CD und iTunes veröffentlicht. Die Gruppe erscheint auf dem Soundtrack von How to Train Your Dragon 2. Mit insgesamt 4 Grad vom Royal Conservatoire of Scotland haben viele der früheren und gegenwärtigen Bandmitglieder seit vielen Jahren auf höchstem Niveau Dudelsack und Schlagzeug gespielt. Der Gründer und ehemalige Musikdirektor Cassells erhielt 2005 den Titel „Junger traditioneller Musiker des Jahres von BBC Radio Scotland“ und erwarb als erster einen Abschluss in Dudelsack am Royal Conservatoire of Scotland (ehemals Royal Scottish Academy of Music and Drama). Der Snare-Schlagzeuger und Percussionist Grant Cassidy ist achtmaliger Juvenile Solo-Schlagzeug-Weltmeister und belegte 2016 den 7. Platz in der Erwachsenen-Sektion der Solo-Schlagzeug-Weltmeisterschaften in Glasgow, Schottland.

The Comet Is Coming ist eine in London ansässige Band, die Elemente aus Jazz, Electronica, Funk und Psychedelic Rock vereint. Die Band unterschrieb bei Impulse! nach der Aufnahme für The Leaf Label. Das Debüt der EP Prophecy wurde am 13. November 2015 auf 12-Zoll-Vinyl in limitierter Auflage veröffentlicht. Am 1. April 2016 folgte das Album Channel The Spirits in voller Länge. Channel the Spirits wurde für den Mercury Music Prize 2016 nominiert und 2018 unterzeichnete die Band to Impulse! Records. Bandmitglieder verwenden die Pseudonyme "King Shabaka", "Danalogue" und "Betamax" für ihre richtigen Namen: Saxophonist Shabaka Hutchings, Keyboarder Dan Leavers und Schlagzeuger Max Hallett. In einem Interview 2013 erklärte Hutchings ihre Pseudonyme. "Der Name der Gruppe stammt von einem gleichnamigen Stück des BBC Radiophonic Workshop. Als wir dieses Stück mit seinen Anspielungen auf Science-Fiction, kosmische Erinnerungen und den allgemeinen Raum hörten, schlug es sofort einen Akkord. Wir erforschen neue Klangwelten und wollen alle musikalischen Ideale zerstören, die für unsere Zwecke ungeeignet sind, damit der Name bleibt. ""
In einem Interview mit der Zeitschrift M sprach Betamax über die Entstehung der Band:

Die mit der Band verbundenen Bilder basieren auf Weltraum, Science-Fiction und B-Filmen, wie in den Musikvideos ihrer Singles "Neon Baby" und "Do the Milky Way" sowie in Songtiteln und Kunstwerken zu sehen ist . "Do the Milky Way" wurde auf The Quietus uraufgeführt. In einem Beitrag in The Guardian im April 2016 wurden die Gruppen als "wahre Erben" des kosmischen Jazzpioniers Sun Ra beschrieben und für ihre "Fusion von Jazz, Afrobeat und Electronica in einem improvisierten, intergalaktischen Mash-up" gelobt. The Quietus schrieb, dass The Comet Is Coming, obwohl die Band "eng mit Funk verbunden und über ihre Bilder (und die Liebe zu raumschaffenden Echo- und Hall-Effekten) spirituell mit allen Arten von kosmischer Musik verbunden ist, das Gefühl eines absolut frischen Gefühls hat Art von Projekt ". King Shabaka geht im selben Artikel auf die kosmische Seite der Band und die Verbindung zu Sun Ra ein, wenn er den Kristall beschreibt, der das Cover ihrer Prophecy EP dominiert. Er sagt: "Das andere an dem Kristall ist metaphorisch gesehen die ganze Sun Ra-Sache, eigene Mythen zu erschaffen. Was mir gefällt, dass Sun Ra viel sagt, ist die Tatsache, dass Gesellschaften, die ihre eigenen mythologischen Strukturen schaffen können, die sind diejenigen, die ihre eigene Agentur haben. Bis zu dem Punkt, an dem Sie die Bedingungen bestimmen können, was real ist und was nicht. Der Kristall in der Hand zwingt Sie, Ihren eigenen Mythos zu erschaffen. "

Zoo ist eine Musikgruppe, die 2014 von Antonio Sànchez, auch bekannt als Panxo, geboren wurde. Ende des Jahres kam ihre erste veröffentlichte Referenz ans Licht, das Tempestes-Album kam aus dem Süden. Seitdem haben sie in anderthalb Jahren mehr als 65 Konzerte gegeben. die meisten in den katalanischen Ländern, dreimal in Galizien, zwei in Euskal Herria und auch in Madrid, Murcia, in Südfrankreich und Festivals wie Viña Rock. Lassen Sie Rap, Tecno, Breakbeat, Reggaeton, Rock und viele weitere Labels zusammen, die nichts mehr definieren. Derzeit besteht die Gruppe aus Panxo, Arnau, Marcos Úbeda, Hèctor Galan und Natxo Císcar. Sie sind auch Teil des Yon Mikel- und Sara Reig-Projekts als Ton- bzw. Lichttechniker. Auch Germà Enguix, der für das Image und die Stilistik der Gruppe verantwortlich ist. Dann ist Rober, der den Van fährt und über alles viel lacht. Anfang 2014 schreibt Panxo einige Songs mit der obskuren Absicht, live aufzunehmen, zu veröffentlichen und zu singen. Diese machiavellistische Handelsstrategie wird zu Beginn dieses Sommers zur Veröffentlichung des ersten Videoclips des Zoo-Projekts führen. Die Schönsten nehmen das Stück nicht auf, Panxos vorheriges Projekt hieß Sophy Zoo. Jetzt hat er es jedoch geändert und es ist nur Zoo! Nur die anfälligsten Musiker und Journalisten werden es wagen, über das Manöver zu berichten, aber zum Glück für einen unvergesslichen Panxo gingen die Leute durch das Stück. Panxo nutzt die Begrüßung der Single Summer und behauptet, einen Rekord aufzunehmen. Um diese Bösartigkeit zu begehen, gibt es nichts Besseres, als sich mit dem bekannten Magnaten der mächtigen valencianischen Musikindustrie, Mark Dasousa, zu beschäftigen. Zusammen nehmen sie zwei Monate lang einen Rekord auf, bei dem renommierte Künstler vor Ort zusammenarbeiten. Panxo zögert nach rein wirtschaftlichen Kriterien nicht, die Mitarbeiter zum Frühstück einzuladen. und die Scheibe nimmt Gestalt an. Einige der vom Frühstück verführten Mitarbeiter werden prostituiert und dem Team für die direkten Mitarbeiter hinzugefügt. Ein neuer Verstoß, den einige, nur die Erstaunlichsten, niemals verzeihen können. Es ist November 2014, als die CD in Valencia, Barcelona, ​​Gandia, Madrid oder Alicante präsentiert wird. JETZT GEBEN WIR DEN VARA

Sechzig Konzerte im Jahr 2015. Einige der Punkte, unter denen dieser neoliberale Sonido in der ersten Person leidet, stammen aus dem Katalanischen, dem Baskenland, Galiza, Südfrankreich, der unabhängigen Republik Vallekas und dem eigenen Viña-Felsen. Derzeit wird die Band von Panxo, Arnau, Marcos, Natxo und Héctor als Bühnenmusiker gegründet; Sara als Lichttechnikerin; Yon Mikel als Tontechniker; Rober und Deutsch als Manager, Straßenmanager, Straßenverkäufer von Trikots, Designer, Fotografen, Künstler, harte Offiziere und was auch immer sie brauchen.

NST & the Soul Sauce (노선택 과 소울 소스) ist eine südkoreanische Reggae-Band, die 2014 gegründet wurde. Sie haben kritische Aufmerksamkeit für ihre einzigartige Mischung jamaikanischer Genres wie Reggae und Dub sowie Jazz, Afrobeat, Funk, Soul, erhalten. und psychedelisch, mit traditioneller koreanischer Musik, insbesondere Pansori. Mitglieder der Band waren auch Teil der Reggae-Band Windy City, der Retro-Rockband Kiha and the Faces, Kingston Rudieska und I & I Djangdan und qualifizierten sie für den Status "Supergruppe". Sie erhielten internationale Aufmerksamkeit beim Fuji Rock Festival für ihr Lied, das dem verstorbenen großen Posaunisten Rico Rodriguez gewidmet war. Die NST steht für Initialen von Noh Sun-teck, Bandleader, der das Projekt solo startete, bevor er andere Mitglieder rekrutierte. Er nahm sein erstes Soloalbum "Low and Steady" auf, das zur Gründung der Band führte. Zuvor trat er mit dem Zigeunertrio Surisurimahasuri und der Reggae-Band Windy City auf, mit der er bei SXSW, der Canadian Music Week und dem Sierra Nevada World Music Festival auftrat. Sie haben in China, Japan, den USA, Kolumbien und Chile gespielt. In den USA eröffneten sie für den legendären jamaikanischen Produzenten Lee "Scratch" Perry. Sie traten 2016 auch bei einer Amtsenthebungsrallye gegen Präsident Park Geun-hye auf. 2017 haben sich NST & the Soul Sauce mit dem mehrfach preisgekrönten Pansori-Sänger Kim Yul-hee zusammengetan. Ihr Status in der Band ist unklar, aber sie hat sich ihnen auf den meisten Überseetouren angeschlossen. Sie waren verbunden, als Regisseur Kim Tae-yong, bekannt für das Experimentieren mit traditioneller koreanischer Musik, sie einlud, beim Muju Film Festival ein Stück namens "Reggae Inna Film, Heungbu" aufzuführen. Kim Yul-hee erschien 2017 auf "Red Tiger" bei ihrer Veröffentlichung "Back When Tigers Smoked", aber das Album "Version" von 2019 brachte sie mehr in den Mittelpunkt der Band, mit mehreren Pansori-Einträgen, darunter "Bbaengdeok" von den Pansori spielen "Simcheongga" und "Joong Taryeong" (Mönchslied), die Verse aus "Simcheongga" und "Heungboga" verwenden. Ebenfalls enthalten sind "Bak Taryeong" (Kürbislied) aus "Heungboga" und das Volkslied "Heung Taryeong". Das Album wurde von Naoyuki Uchida gemischt.

Die Paradise Bangkok Molam International Band ist eine hybridisierte Roots-Musikband aus Thailand. Ihr Musikstil ist eine Mischung aus traditioneller thailändischer Musik. Es gibt auch Elemente von Blues, Folk Rock und einige Dub von Folk-Rock, Blues und Dub. Sie sind bei verschiedenen internationalen Konzerten aufgetreten. Die Gründung der Band entstand aufgrund eines DJ-Projekts, um thailändische Klänge wieder zum Leben zu erwecken, die als verloren gelten. Während sie in ihrem Land unbekannt waren, veröffentlichten sie ihr Debütalbum 21st Century Molam. Ihr zweites Album war Planet Lam. Das Album wurde am 21. Oktober 2016 veröffentlicht. Es wurde gesagt, dass die Inspiration für das Album von einem Club kam, der dem Mitinhaber des Labels, Maft Sai, gehört. Es hatte den gleichen Namen. Sie sind in Bukarest bei einer Veranstaltung des Online-Musikmagazins The Attic aufgetreten. Zu den anderen verschiedenen Festivals, auf denen sie aufgetreten sind, gehören das Off Festival in Polen, das Festival Mundial in den Niederlanden, die Festivals in Glastonbury und Field Day in Großbritannien. Während des Field Day Festes kamen sie am Samstag, den 11. Juni, um 16.40 Uhr auf die Bühne des Moth Club. Paradise Bangkok begann 2009 als reguläre Clubnacht in Thailand mit DJs und Sammlern Chris Menist und Maft Sai, die Musik aus Afrika, der Karibik und Asien spielten. Es folgten Compilations und ein eigenes Label, die zur Gründung der The Paradise Bangkok Molam International Band führten, die 2014 ihre Debüt-LP „21st Century Molam“ veröffentlichte.

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