FUJI ROCK FESTIVAL '19

Le plus grand événement musical au Japon, le FUJI ROCK FESTIVAL sera de retour en été 2019 !! Le FUJI ROCK FESTIVAL (フ ジ ロ ッ ク フ ェ ス テ ィ バ ル) est le plus grand et le plus célèbre festival de musique en plein air organisé au Japon dans la station de ski populaire de Naeba City, dans la préfecture de Niigata. L'événement musical de 3 jours présente un certain nombre des plus grands artistes du monde en direct dans des forêts. Le FUJI ROCK FESTIVAL se déroule pendant 3 jours le week-end fin juillet ou début août de chaque année, et environ deux cents artistes se produisent sur le concert live. La programmation du FUJI ROCK FESTIVAL est grande, par exemple les têtes d'affiche des dernières années incluent Red Hot Chili Peppers, Sigur Rós et Beck en 2016, Gorillaz, Aphex Twin et Bjork en 2017, et Bob Dylan, Kendrick Lamar et NER D en 2018 En 2019, le festival devrait avoir lieu les derniers week-ends de juillet (26, 27 et 28). Les actes confirmés incluent The Chemical Brothers, The Cure, SIA, Thom Yorke, Martin Garrix, James Blake, Takkyu Ishino, etc.

Fuji Rock Festival est un festival de rock annuel qui se tient dans la station de ski de Naeba, dans la préfecture de Niigata, au Japon. L'événement de trois jours, organisé par Smash Japan, rassemblera plus de 200 musiciens japonais et internationaux, ce qui en fait le plus grand événement de musique en plein air au Japon. En 2005, plus de 100 000 personnes ont assisté au festival. Le festival Fuji Rock est nommé ainsi parce que le premier événement en 1997 a eu lieu à la base du mont Fuji. Depuis 1999, le festival se tient dans la station de ski de Naeba à Yuzawa, Niigata. Il y a sept étapes principales et d'autres étapes mineures dispersées sur tout le site. La scène verte est la scène principale et peut accueillir près de 50 000 spectateurs. Les autres scènes incluent la scène blanche, le chapiteau rouge, Orange Court et Field of Heaven. Les marches entre les étapes peuvent être longues, et certains des sentiers peuvent être vallonnés, mais les promenades sont belles et vous mènent souvent à travers forêts et ruisseaux étincelants. Dragondola - la plus longue télécabine du monde, conduit les festivaliers au sommet de la montagne surplombant le site du festival. Le centre du site s'appelle Oasis, où se rassemblent plus de 30 stands de nourriture du monde entier. Le site principal ferme tous les soirs après le dernier acte, mais Oasis reste ouvert jusque tard dans la nuit, de même que le chapiteau rouge, où la fête dure toute la nuit jusqu'à 5 heures du matin. Le site rouvre à 9h. La soirée précédant le festival (jeudi soir) comprend une soirée d'ouverture avec entrée gratuite, mettant en vedette des bon-odori (danse folklorique japonaise traditionnelle), des tirages au sort, des stands de restauration et un feu d'artifice. L'objectif déclaré du festival est d'être "le festival le plus propre au monde"; de gros efforts sont également déployés dans le recyclage.

Soul Flower Union, également connu sous le nom de SFU, est un groupe musical japonais qui incorpore des styles asiatiques et des styles de musique du monde dans un groupe de rock and roll. Ils sont connus pour leur mélange de psychédélique, de rock, de musique d'Okinawa, de musique celtique, de chindon (une sorte de musique de rue japonaise), de swing jazz, ainsi que de musiques folkloriques japonaises, chinoises et coréennes. La plupart de leurs chansons sont écrites et interprétées en japonais, bien qu'elles aiment utiliser des phrases d'un certain nombre d'autres langues, notamment l'anglais, le français, l'italien, le coréen, l'arabe et l'aïnou (la langue des autochtones d'Hokkaido, au Japon). Soul Flower Union a été créée en 1993 à Osaka. Deux membres de deux groupes punk différents, Mescaline Drive et Latest Model, se sont réunis pour former Soul Flower Union. Takashi Nakagawa était du groupe Latest Model et a apporté le "punk" au groupe. De Mescaline Drive, Hideko Itami a apporté le glam rock à la Soul Flower Union. D'autres membres des deux groupes ont également participé à la programmation originale de Soul Flower Union. SFU a joué devant de nombreuses foules, avec jusqu'à 60 000 personnes. Après le tremblement de terre de Kobe en 1995, le groupe a commencé à jouer dans les rues de la ville pour égayer les gens avec leur musique et a joué environ 50 ou 60 fois pendant cet événement. Parce qu'ils étaient dans les rues, ils ont été obligés d'aller "débranchés" et de jouer des versions acoustiques de leurs chansons. place des guitares électriques. Cette unité acoustique a été nommée Soul Flower Mononoke Summit et est toujours active en tant que projet parallèle de SFU. Pendant ce temps, la chanson «Mangetsu no Yube» a été écrite (et co-écrite par Hiroshi Yamaguchi du groupe Heatwave) pour les victimes du tremblement de terre. Depuis le tremblement de terre, le groupe a été un énorme succès lors des festivals d'été dans la région. Ils ont également fondé un fonds caritatif, le Soul Flower Earthquake Fund, afin d'aider les personnes âgées et les personnes handicapées victimes du tremblement de terre.

The Chemical Brothers est un duo de musique électronique anglais composé de Tom Rowlands et Ed Simons, originaire de Manchester en 1989. Avec The Prodigy, Fatboy Slim et d'autres confrères, ils ont été des pionniers pour amener le genre big beat à la pointe de la pop culture. Ils ont obtenu un succès généralisé lorsque leur deuxième album Dig Your Own Hole a dépassé les charts britanniques en 1997. Au Royaume-Uni, ils ont eu six albums numéro un et 13 meilleurs 20 singles, dont deux numéro un. Ed Simons est né à Herne Hill, dans le sud de Londres, le 9 juin 1970 d'une mère avocat et d'un père absent. Les deux intérêts principaux de son père quand il était jeune étaient les avions et les comédies musicales. Simons a fréquenté deux écoles publiques du sud de Londres, Alleyn's School et Dulwich College. Au cours de ses années d'école, il a développé un penchant pour la musique groove et hip hop rare, ayant fréquenté un club appelé The Mud Club dès l'âge de 14 ans. Au moment où il a quitté l'école, ses deux principaux intérêts musicaux étaient deux groupes de Manchester, New Order et The Smiths. Après avoir fini l'école avec 11 niveaux O et trois niveaux A, il a continué à étudier l'histoire, en particulier l'histoire de la fin du Moyen Âge, à l'Université de Manchester. Tom Rowlands, un camarade de classe de Simons, est né le 11 janvier 1971 à Kingston upon Thames, à Londres. Lorsque Rowlands était très jeune, sa famille a déménagé à Henley-on-Thames. Il a ensuite fréquenté la Reading Blue Coat School dans le Berkshire. Au début de son adolescence, son intérêt pour la musique s'est élargi à d'autres genres. Au départ, certains de ses favoris comprenaient la bande originale de Oh What a Lovely War, 2 Tone, le genre rock gothique naissant (Sisters of Mercy, Fields of the Nephilim) et les sons électro d'artistes tels que Kraftwerk, New Order, Cabaret Voltaire, et Heaven 17. Il a décrit le premier album de Public Enemy, Yo! Bum Rush the Show, "l'album qui a probablement changé sa vie", et a commenté que "Miuzi Weighs a Ton" était "l'un des morceaux les plus étonnants qu'il ait jamais entendu". Rowlands a également commencé à collecter des disques hip hop d'artistes comme Eric B et Schoolly D. Rowlands a quitté l'école avec des réalisations similaires à celles de Simons, atteignant neuf niveaux O et trois niveaux A. Pour l'université, il a suivi Simons à Manchester principalement pour s'immerger dans sa scène musicale en général et la Haçienda en particulier.

Hanggai Band (杭 盖 乐队) est un groupe de musique folklorique mongole intérieure qui se spécialise dans un mélange de musique folklorique mongole et de styles plus modernes tels que le punk rock. Leurs chansons incorporent des paroles folkloriques traditionnelles ainsi que des compositions originales et sont chantées en mongol et en mandarin. La radio NPR déclare que dans un pays où les genres tels que la c-pop dominent les ondes grand public, Hanggai Band fait de nouvelles percées dans l'industrie de la musique chinoise avec leur approche unique et moderne de la musique folklorique mongole. Certains des membres sont des Mongols de souche tandis que les autres sont des Han de souche spécialisés dans les instruments mongols. Tous les membres sont originaires de Mongolie intérieure et de Pékin. Le terme "Hanggai" lui-même est un mot mongol se référant à un paysage naturel idéalisé de vastes prairies, montagnes, rivières, arbres et ciel bleu. Le groupe a été créé lorsque le chef Ilchi, captivé par le chant de la gorge et désireux de redécouvrir son héritage ethnique, s'est rendu en Mongolie intérieure pour apprendre l'art. C'est là qu'il a rencontré les autres membres du groupe Hugejiltu et Bagen. Dans une interview avec NPR Ilchi a déclaré que, "La plupart de nos gens se sont éloignés de l'ancien mode de vie ... Après avoir déménagé dans les villes, beaucoup d'entre nous ont progressivement été soumis à une très forte invasion culturelle par une culture oppressive. Donc, cela la musique traditionnelle a complètement perdu son espace. "

Les membres du Hanggai Band viennent d'horizons divers, le chanteur Ilchi ayant déjà été le leader du groupe punk T9. Ces expériences éclectiques se sont réunies pour donner à Hanggai Band un son particulièrement unique mélangeant la musique folklorique mongole avec des formes plus populaires telles que le punk. Dans une interview avec Spinner, Ilchi a déclaré que parmi les nombreuses influences du groupe, des artistes occidentaux tels que "Pink Floyd, Radiohead, Rage Against the Machine, Secret Machines, Electralane et Neil Diamond…" ont joué un rôle important dans la formation de la musique du groupe. . En effet, bien que le cœur de leur son soit basé sur le morin khuur et le topshur, deux instruments traditionnels, le groupe incorpore également des plats beaucoup moins traditionnels. Circuits

Hanggai a joué deux fois au Edmonton Folk Music Festival, en 2009 et 2015. Bien qu'il soit connu avant tout comme un festival de musique à prédominance heavy-metal, le groupe s'est produit au Wacken Open Air 2010. Le groupe s'est produit au Festival de Sydney en janvier 2011. Hanggai s'est produit au Bonnaroo Music & Art Festival à Manchester, Tennessee, du 9 au 12 juin 2011. Hanggai s'est produit au Woodford Folk Festival en décembre 2011, attirant d'énormes foules dansantes à chaque représentation. Le groupe accueille le Hanggai Music Festival chaque année depuis 2010, invitant des artistes tels que Huun-Huur-Tu et The Randy Abel Stable. Le groupe a maintenu une popularité constante aux Pays-Bas, apparaissant depuis dans de nombreux festivals d'été et salles de concert. Le groupe s'est produit au Festival Sziget de Budapest en 2017. Le groupe s'est produit à la bataille des Nations 2018 (tournoi médiéval) à Santa Severa en dehors de Rome comme divertissement d'après-combat. Dans chacun de leurs albums, le groupe a également fait un usage intensif des guitares électriques, de la programmation informatique, de la basse et des banjoes afin de créer un son plus fluide et moderne. Toutes les chansons sont des adaptations de chansons folkloriques mongoles et sont chantées en mongol incorporant le chant de gorge, une technique mongole dans laquelle l'artiste émet deux hauteurs différentes en même temps.

The Lumineers est un groupe de rock folk américain basé à Denver, Colorado. Les membres fondateurs sont Wesley Schultz (chant, guitare) et Jeremiah Fraites (batterie, percussions). Schultz et Fraites ont commencé à écrire et à se produire ensemble à Ramsey, New Jersey en 2005. La violoncelliste et chanteuse Neyla Pekarek a rejoint le groupe en 2010, et était membre jusqu'en 2018. Les Lumineers ont émergé comme l'un des artistes folk rock / Americana les plus populaires au cours de la la renaissance de ces genres et leur popularité croissante dans les années 2010. Le son brut dépouillé du groupe s'inspire largement d'artistes qui ont influencé Schultz et Fraites tels que Bruce Springsteen, Bob Dylan et Tom Petty. Ils sont connus pour leurs concerts énergiques et plusieurs tubes à succès internationaux, dont "Ho Hey", "Stubborn Love", "Ophelia" et "Cleopatra". Le groupe est devenu l'un des meilleurs groupes de tournée aux États-Unis et vend également des spectacles à travers le monde. Les Lumineers ont sorti deux albums sur le label indépendant américain Dualtone Records (Dine Alone au Canada et Decca / Universal dans le monde). Leur premier album éponyme, est sorti en 2012 et a culminé au n ° 2 sur le Billboard 200. Il a été certifié triple platine aux États-Unis et au Canada avec des certifications platine au Royaume-Uni et en Irlande, et l'or en Australie. Leur deuxième album, Cleopatra, est sorti en 2016 et a fait ses débuts au n ° 1 sur le Billboard 200 américain, ainsi que sur les palmarès des albums canadien et britannique. Il est actuellement certifié Platine aux États-Unis. Leur troisième album, intitulé III, sortira en 2019. Schultz a déclaré: "J'écris les paroles et je co-écris les chansons avec Jer", ajoutant "Ce n'est jamais la même chose avec chaque chanson. D'une manière générale, cela implique un piano, une guitare et peut-être le chant, et nous commençons généralement par la structure des accords, un ensemble d'accords, une mélodie en particulier, puis les paroles suivent généralement. Ou c'est une phrase que vous trouvez vraiment géniale et ensuite vous construisez la chanson autour de ça. "[35] Schultz a ensuite déclaré:" Vos mélodies donnent envie aux gens d'entendre ce que vous dites ", ajoutant:" Ils doivent être ouverts à l'entendre, presque fredonner. " Et s'ils veulent aller plus loin, il y a quelque chose. "

Fraites met l'accent sur la simplicité du style du groupe, déclarant: «nous ne réinventons pas la roue ou ne faisons rien de différent, les chansons sont super simples. Les idées elles-mêmes sont des idées très simples. Quiconque peut jouer d'un instrument peut jouer une chanson Lumineers Je pense qu'il y a un certain aspect cinématographique de notre musique que j'aime beaucoup. «Launchpad écrit de la même manière», où la plupart des groupes recherchent de nos jours ce nouveau son original pour améliorer la révolution numérique, «The Lumineers» réussit superbement à le ramener à la simplicité. "

Dans une autre interview, Fraites explique: "Je pense simplement que les gens sont enchantés d'aller dans une pièce et de regarder les gens jouer leurs propres instruments et chanter, plutôt que d'utiliser Auto-Tune et beaucoup d'équipements numériques pour faire passer leur son. Il y a tellement beaucoup de numérique autour de nous. Les gens sont presque surpris quand vous faites le contraire. C'est inspirant. "

Alister Roberts de Contactmusic a décrit le premier album éponyme du groupe comme "une collection parfaitement formée de chansons de type folk rustique, s'inscrivant bien dans le renouveau des racines actuelles." Leur son folk a été comparé à Mumford & Sons. [93] [94] Sur Mumford & Sons, Schultz a commenté qu'ils "ont abattu les portes, et ils ont permis à la radio de recevoir un groupe comme nous parce que nous ressemblons un peu à ce qu'ils font". Jon Pareles de The New York Times a écrit que, "les comparaisons Mumford classent les Lumineers. Alors que les deux groupes enveloppent des paroles de mauvaise humeur dans des mélodies qui tapent des orteils, Mumford & Sons empilent des instruments dans des accumulations massives. Les Lumineers, en revanche, restent clairsemés, se déplaçant à peine à l'aide d'une guitare électrique sur The Lumineers. "

D'autres artistes ont commenté la musique de style folk des Lumineers et Mumford & Sons; L'artiste de rock alternatif Jack White a fait l'éloge du style, déclarant: "Je pense que ces actes de nos jours gardent les oreilles des gens ouverts à l'idée de la soulfulness de la musique de style folk et de la musique acoustique, et vous vous rapprochez un peu plus du musicien, du écrivain, parfois. "Inversement, l'artiste rock dur et choc Alice Cooper a critiqué les deux groupes, qualifiant cela" d'infraction "de les étiqueter comme des groupes de rock.

Unknown Mortal Orchestra est un groupe de rock psychédélique néo-zélandais basé à Portland, en Oregon, principalement composé du chanteur, guitariste et auteur-compositeur Ruban Nielson et du bassiste Jake Portrait. Nielson, anciennement de The Mint Chicks, a commencé le groupe en 2010. Le premier album du groupe est sorti en 2011 sur Fat Possum Records; quatre albums studio ultérieurs ont été publiés sur Jagjaguwar, le plus récent étant IC-01 Hanoi (2018). Le chanteur et guitariste Ruban Nielson a sorti le titre "Ffunny Ffrends" sur son profil anonyme Bandcamp le 17 mai 2010. Aucune autre information n'a été fournie et notamment, aucune mention de qui l'a créé. En une journée, la chanson avait reçu une couverture importante de blogs de musique indépendants tels que Pitchfork. Grâce à leur republication et à leurs tentatives de traquer le créateur, Nielson a finalement revendiqué la piste comme étant l'Orchestre Mortel Inconnu. Le premier album éponyme du groupe est sorti le 21 juin 2011 sur Fat Possum Records. L'album a rapidement reçu des éloges de la critique. Pitchfork a donné à l'album un 8,1, décrivant qu'avec "une utilisation experte de l'espace rare pour un tel disque lo-fi, UMO gère une qualité immersive et psychédélique unique sans s'appuyer sur la gamme habituelle d'effets déchirant le bong".

Au printemps 2012, le groupe a remporté le prix Taite Music pour l'album. Bien que l'Orchestre Mortel Inconnu nominé n'ait pas remporté le prix du meilleur album alternatif, Nielson a remporté le titre de Meilleur Artiste Masculin lors des 47e Vodafone New Zealand Music Awards. En septembre 2012, Unknown Mortal Orchestra a annoncé qu'il avait signé avec Jagjaguwar et travaillait sur son deuxième album complet. Le deuxième album de Unknown Mortal Orchestra, II, est sorti le 5 février 2013. Le premier single de l'album, intitulé "Swim and Sleep (Like a Shark)", a d'abord été disponible en 7 "sur leur tournée avec Grizzly Bear. II a reçu des éloges de la critique. En novembre 2013, il a remporté le prix du meilleur album alternatif au New Zealand Music Awards. II a été nominé pour le Taite Music Prize 2014, un prix annuel de musique décerné au meilleur album de Nouvelle-Zélande. Clash Music a attribué à l'album un 9 sur 10, en disant "de l'ouvreur 'From The Sun', qui rappelle George Harrison-psychedelia, au tendre remaniement Family Stone de la fermeture de 'Secret Xtians', 'II' affiche à la fois une chaleur éclatante dans sa production et une utilisation habile de l'espace qui illumine les compositions superbement conçues de Nielson. "Le magazine Paste a appelé l'album" une approche moderne et rythmée du psychisme des années 60, avec beaucoup de crochets et de fuzz pour vous rendre accro et vous sentir flou. "NME a salué la capacité de Ruban à transformer ses chansons en" œuvres d'une beauté chaleureuse et floue ". Le quatrième album studio du groupe, Sex & Food, est sorti le 6 avril 2018, suscitant beaucoup d'éloges de la part des fans et des critiques. Reflektor Magazine a déclaré ce qui suit: "Le fil conducteur du catalogue UMO reste solide; Le chanteur Ruban Nielson fait tourner une voix soul sur un fond de musique mélodiquement riche et de rythme lisse. Cet album s'appuie sur de nombreux synthétiseurs et textures de batterie échantillonnés introduits sur le précédent LP Multi-Love en 2015, mais offre une conduite différente. L'album entier a été secrètement prévisualisé dans SB-05, la tranche de 2017 d'un morceau instrumental / ambiant du jour de Noël publié numériquement gratuitement. Dès la première écoute, Sex & Food révèle chaque chanson sous sa forme complète, une agréable surprise. "En juillet, la BBC Radio & 6Music a nommé Sex & Food l'un des meilleurs albums sortis en 2018. Après la sortie, le groupe a entamé une tournée mondiale avec des arrêts en Amérique du Nord, en Europe, au Royaume-Uni, en Asie, en Nouvelle-Zélande et Australie, avec de nombreuses dates de rupture de stock. En septembre 2018, ils ont annoncé la sortie d'un album instrumental issu des sessions de Sex & Food, intitulé IC-01 Hanoi. Il est sorti le 26 octobre 2018.

American Football est un groupe de rock américain d'Urbana, Illinois, États-Unis, actif à l'origine de 1997 à 2000, puis à nouveau à partir de 2014. Malgré la courte durée de vie initiale du groupe, leur premier album éponyme est devenu l'un des emo et rock mathématique les plus acclamés records de son époque. Le football américain s'est réuni en 2014 et a depuis sorti deux autres albums. Guitariste / bassiste et chanteur Mike Kinsella (anciennement de Cap'n Jazz et Joan of Arc et actuellement d'Owen), batteur et trompettiste Steve Lamos (anciennement de The One Up Downstairs, ancien membre du Firebird Band et Edward Burch & les Staunch Characters, et actuellement de The Geese et DMS), et le guitariste Steve Holmes (également de The Geese) ont formé le groupe. Histoire

Mike Kinsella et Steve Holmes se connaissaient très tôt, car tous deux étaient étudiants au Wheeling High School de Wheeling, IL, où Kinsella jouait de la batterie pour Cap'n Jazz; Holmes a joué de la guitare dans une variété de groupes. Kinsella et Lamos ont commencé à jouer avec David Johnson et Allen Johnson en 1997 sous le nom de «The One Up Downstairs», dans lequel Kinsella était exclusivement chanteur. Trois chansons ont été enregistrées sous ce nom, avec l'intention de les publier sous forme de disque de 7 "sur Polyvinyl Records. Cependant, le groupe s'est séparé avant que le disque ne puisse être pressé et les chansons ont été mises en attente. Les trois pistes enregistrées par The One Up Downstairs enfin sorti en 2006 en EP digital download, et en 2009, en 7 "via Polyvinyl. David Johnson et Allen Johnson ont ensuite formé le groupe Very Secretary (et plus tard Favorite Saints), tandis que Kinsella et Lamos ont commencé à travailler avec Steve Holmes. American Football a réalisé un total de deux sorties - un EP titulaire en 1998 et son premier album en 1999, tous deux via Polyvinyl Records. Bien que le groupe n'ait pas enregistré de basse sur l'EP, Kinsella a joué de la basse sur le LP. Moins d'un an après la sortie de son long métrage, American Football est devenu un projet de studio. Peu de temps après, le groupe a décidé mutuellement d'arrêter l'enregistrement ensemble. Pourtant, le football américain a été acclamé par la critique pour cet album, qui a fusionné les paroles simples et confessionnelles et les signatures temporelles variables du rock mathématique avec une sensibilité musicale plus douce. Ces caractéristiques se retrouvent dans le projet actuel de Kinsella, Owen. Le 20 mars 2014, Polyvinyl Records a annoncé une édition de luxe de l'album éponyme du groupe, American Football, qui comprend les neuf titres originaux de sa sortie de 1999, ainsi que 10 démos et enregistrements live inédits. L'édition de luxe est disponible sous la forme d'une cassette rouge à 180 grammes 2xLP, 2xCD, d'une cassette et d'un téléchargement MP3. Une autre version - limitée à 2000 exemplaires d'un 180LP vert / jaune 2xLP - a également été annoncée. Toutes les versions ont été publiées le 20 mai 2014. Le 2 avril 2014, Polyvinyl a taquiné les fans avec un site Web, americanfootballmusic. com, aux fans sur les réseaux sociaux. Le compte à rebours a expiré le 21 avril 2014, lorsque deux dates en direct à Champaign et à New York ont été annoncées. Le groupe a ajouté des deuxième et troisième concerts à New York au Webster Hall qui se sont rapidement vendus. [4] Pour ces dates, le cousin de Mike, Nate Kinsella, a rejoint le groupe à la basse. [5] Depuis le nouveau succès du groupe, le football américain a réservé des tournées dans le monde entier aux États-Unis, au Canada, en Espagne, au Royaume-Uni, au Japon et en Australie. Le 23 août 2016, le groupe a annoncé son deuxième album, également intitulé American Football. Dans la même annonce, "J'ai été si perdu depuis si longtemps" a été rendu disponible pour le streaming via SoundCloud. Le 21 octobre 2016, le groupe a sorti son deuxième album à acheter dans le monde entier via Polyvinyl Records. La couverture de l'album présentait la même maison photographiée sur le premier long métrage du groupe. La "Maison du football américain" est devenue un point de repère pour les fans de musique emo du monde entier, qui se rendaient souvent à Urbana, en Illinois, pour prendre des photos à l'extérieur de la maison. Le 11 décembre 2018, le groupe a sorti son troisième album sur Instagram, avec leur troisième album studio éponyme disponible en pré-commande sur Apple Music et iTunes. Le single "Silhouettes" a été rendu disponible dès l'annonce.

Khruangbin est un trio musical américain de Houston, Texas, avec Laura Lee à la basse, Mark Speer à la guitare et Donald Ray "DJ" Johnson Jr. à la batterie. Le groupe est connu pour mélanger les influences musicales mondiales, la soul classique, le dub et la psychédélie. Leur premier album, The Universe Smiles Upon You (2015), s'inspire de l'histoire de la musique thaïlandaise des années 1960, tandis que leur deuxième album, Con Todo El Mundo (2018), a des influences espagnoles et du Moyen-Orient. Speer, Lee et DJ animent également des émissions de radio "Air Khruang" sur NTS et Facebook Live. Speer et Johnson se sont rencontrés en 2004 alors qu'ils jouaient dans le groupe gospel de l'église méthodiste St. John's de Rudy Rasmus à Houston, au Texas. L'église a employé Speer comme guitariste et Johnson comme organiste. En 2007, Speer a rencontré Lee par le biais d'amis, où ils se sont d'abord connectés autour d'un amour partagé de la musique afghane et de l'architecture du Moyen-Orient. En 2009, Speer a appris à Lee à jouer de la basse. En 2010, elle et Speer partent en tournée avec Yppah et Bonobo, Laura Lee à la basse, Speer à la guitare. La tournée a galvanisé les deux pour faire plus de musique ensemble plus sérieusement, semant les premières graines de Khruangbin. Speer et Lee sont allés dans une grange où ils ont développé le son psychédélique lourd et grave qui est devenu la base de l'esthétique du groupe. À leur retour, ils ont demandé à DJ de rejoindre le groupe en tant que batteur, pour jouer de simples break-beats sous la guitare et la basse. La grange, située dans la ville de 300 personnes de Burton, au Texas, allait devenir le site de tous les futurs enregistrements de Khruangbin. Lorsqu'on leur a demandé de jouer leur premier concert, Laura Lee, qui apprenait le thaï à l'époque, a décidé qu'ils devaient utiliser son mot thaï préféré "khruangbin", (เครื่องบิน) qui signifie "moteur volant" ou "avion", comme leur nom. . Speer admet que s'ils avaient eu la prévoyance de prédire le succès du groupe, ils n'auraient peut-être pas choisi un nom si difficile à prononcer. Bien que le nom du groupe soit notoirement difficile à dire, il symbolise l'ensemble des influences internationales qui ont façonné la formation du groupe.

King Gizzard & the Lizard Wizard est un groupe de rock australien formé en 2010 à Melbourne, Victoria. Le groupe est composé de Stu Mackenzie (voix, guitare, claviers, flûte, basse), Ambrose Kenny-Smith (voix, harmonica, claviers), Cook Craig (guitare, basse, voix), Joey Walker (guitare, basse, claviers, voix) ), Lucas Skinner (basse, claviers), Michael Cavanagh (batterie, percussions) et Eric Moore (batterie, percussions, gestion). Ils sont connus pour leurs spectacles dynamiques et leur production d'enregistrement prolifique, ayant sorti un EP et 14 albums studio depuis leur formation. La plupart de leurs albums ont des thèmes écologistes. Leur EP et leurs deux premiers albums, Willoughby's Beach (2011), 12 Bar Bruise (2012) et Eyes Like the Sky (2013), mélangeaient principalement de la musique surf, du garage rock et du rock psychédélique, et ont été publiés sur le label indépendant du groupe, Flightless , fondée par Moore en 2012. Leurs troisième à huitième albums - Float Along - Fill Your Lungs (2013), Oddments, I'm in Your Mind Fuzz (2014), Quarters !, Paper Mâché Dream Balloon (2015) et Nonagon Infinity (2016) - ont élargi leur son, y compris des éléments de musique de film, rock progressif, folk, jazz, soul et heavy metal. En 2017, le groupe a tenu sa promesse de sortir cinq albums studio dans l'année: Flying Microtonal Banana en février; Meurtre de l'Univers en juin; Sketches of Brunswick East, une collaboration avec Mild High Club, en août; Polygondwanaland, qui a été rendu public en novembre; et la soupe Gumboot en décembre. Le groupe a sorti son quatorzième album, Fishing for Fishies, le 26 avril 2019. Les membres du groupe ont tous grandi et sont allés à l'école dans les régions de Deniliquin, Melbourne et Geelong. Le groupe a commencé comme un groupe d'amis se brouillant ensemble avant qu'un ami commun ne leur demande de jouer lors d'un spectacle. Le nom du groupe a été créé "last minute". Mackenzie voulait nommer le groupe "Gizzard Gizzard" tandis qu'un autre membre du groupe voulait le surnom de Jim Morrison "Lizard King". Ils ont finalement compromis avec le roi Gizzard et le magicien lézard. L'artiste Jason Galea a créé toutes les pochettes d'album du groupe et la majorité de leurs clips.

Depuis la sortie de leur premier album «Apiafo» en 2014, Vaudou Game n'a jamais baissé le feu sur plus de 130 scènes à travers l'Europe, l'Afrique, l'Amérique et l'Asie et peut compter Gilles Peterson de BBC Radio 6 Music comme fan. Lancement de leur deuxième album cet automne, ‘Kidayu’, la gamme d'influences s'étend à travers les grands groupes de la musique de danse éthiopienne jusqu'au funk et à l'âme grondants de l'ère des droits civiques. Dans un véritable style afro-funk, Vaudou Game le sert en direct et brut, plein de groove avec les paroles de Solo qui rebondissent d'avant en arrière jusqu'à ce que le résultat soit si palpitant et envoûtant que vous n'avez qu'à bouger les pieds. Les musiciens du monde entier s'inspirent des sons lourds de l'afro-funk des années 60 et 70 d'Afrique de l'Ouest, de groupes tels que l'Orchestre Poly-Rythmo de Cotonou et Roger Damawazun du Bénin. Mais peu ou pas de groupes s'inspirent de la musique de cette époque avec plus de fidélité, de puissance et de créativité que Vaudou Game

Le groupe «vaudou funk» est basé à Lyon, en France, mais ce puissant sextet est dirigé par Peter Solo, guitariste, chanteur, auteur-compositeur et évangéliste vaudou du Togo. Vaudou Game combine des rythmes vaudous, afrofunk brut et soul, et la musique du groupe rappelle le son de groupes légendaires comme l'Orchestre Poly-Rythmo de Cotonou et El Rego du Bénin! L'idée d'intégrer les lignes vaudou obsédantes, chantées en l'honneur des Divinités, dans l'afrofunk énergique des années 70, est, dans l'esprit de Peter Solo, une extension évidente de l'analogie qu'il a trouvée entre cette tradition vaudou et les inducteurs de transe tels que l'âme, le funk, et rythm 'n blues de James Brown et Otis Redding.

Sunset Rollercoaster est un groupe taïwanais de 5 membres. Non seulement ils ont un guitariste, deux percussionnistes, un bassiste et un claviériste, mais ils ont aussi leur propre joueur de saxophone. Sunset Rollercoaster a gagné beaucoup de reconnaissance en tant que groupe de Taipei, Taiwan dont les chansons sont en anglais. En 2011, le groupe a été créé et a sorti son premier album, Bossa Nova. Après une tournée pour cet album, le groupe a fait une pause jusqu'à sa réunion en 2015. L'EP Jinji Kikko rempli de synthés est sorti en 2016. Il a apporté un nouveau son au groupe, qui a rapidement attiré l'attention internationale. Après deux ans, le deuxième album du groupe, Cassa Nova est sorti. Sunset Rollercoaster est «amour subtropical, brise». Chaque membre apporte son propre aspect du son groovy ensemble à travers cet ensemble d'instruments donné. Sur l'EP Jinji Kikko en particulier, il y a beaucoup de longs solos, car il n'y a que 3 chansons. Vous oubliez qu'il y a un claviériste jusqu'à ce qu'il y ait un solo malade lorsque la mélodie s'échappe après trois minutes et que cela ressemble à un pur bonheur. Puis, juste sous le clavier, vient un solo de saxophone qui est tellement Jazzy qu'il remplit votre cœur de pure bonté comme si c'était juste ce dont vous ne saviez pas que vous aviez besoin, mais ils vous l'ont quand même donné. Jouant un son culturellement inconnu d'une terre très, très loin si efficacement, le groupe taïwanais Sunset Rollercoaster a réussi à capturer le cœur de nombreux fans asiatiques avec sa prise de cœur inattendue de vieux sons de soul contemporains adultes américains. En Indonésie, la réponse à sa musique unique a atteint son paroxysme. Le groupe a récemment visité Jakarta dans le cadre de sa tournée en cours, qui l'a emmené dans des pays comme le Japon et la Thaïlande, avec des dates en Chine à suivre. Organisé par le collectif de musique local Noisewhore, Sunset Rollercoaster a réussi à entasser l'auditorium Rossi Musik de Fatmawati, dans le sud de Jakarta, à pleine capacité. Les billets pour la performance du groupe ont été vendus des semaines avant la diffusion de la série de deux week-ends, dans laquelle Noisewhore a également invité le groupe de rock indie canadien Peach Pit et le groupe de noise noise singapourien Subsonic Eye. 0
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Joyau trouvé au cœur d'une scène musicale indépendante asiatique mondialement négligée, le groupe taïwanais Sunset Rollercoaster a réussi à conquérir lentement ce monde futuriste en se consacrant aux sons de l'Amérique rétro et à différents sons actuels. Jouant un son culturellement inconnu d'une terre très, très loin si efficacement, le groupe taïwanais Sunset Rollercoaster a réussi à capturer le cœur de nombreux fans asiatiques avec sa prise de cœur inattendue de vieux sons de soul contemporains adultes américains. En Indonésie, la réponse à sa musique unique a atteint son paroxysme. Le groupe a récemment visité Jakarta dans le cadre de sa tournée en cours, qui l'a emmené dans des pays comme le Japon et la Thaïlande, avec des dates en Chine à suivre. Organisé par le collectif de musique local Noisewhore, Sunset Rollercoaster a réussi à entasser l'auditorium Rossi Musik de Fatmawati, dans le sud de Jakarta, à pleine capacité. Les billets pour la performance du groupe ont été vendus des semaines avant la diffusion de la série de deux week-ends, dans laquelle Noisewhore a également invité le groupe de rock indie canadien Peach Pit et le groupe de noise noise singapourien Subsonic Eye. La plupart de ce qu'il a joué était basé sur du matériel de son excellent Jinji Kikko 2017, un EP qui sert de successeur légitime aux vibrations synthétiques des années 1980 dégagées par des actes de oldies relativement peu cool comme Hall and Oates et Chicago, mais mélangé avec du shoegaze «cool» et les tendances post-rock. Il est assez surprenant de découvrir qu'un groupe venu des confins de l'Asie a si bien réussi à présenter les sons profonds de l'Amérique rétro, et le plus surprenant est le fait que la seule exposition que le groupe a eue vers ces sons n'était que leur musique curiosités. De cette façon, le groupe semble quelque peu une anomalie indie dans son pays d'origine par rapport à ses pairs. Le chanteur et guitariste de Sunset, Kuo, explique que la plupart des groupes indépendants taïwanais qui existent actuellement jouent principalement les sons «indé traditionnels» du shoegaze, du post-punk et du noise rock, mais la principale différence est que la plupart d'entre eux chantent en mandarin - quelque chose que Sunset Rollercoaster n'a jamais fait auparavant. L’anglais n’est pas la langue maternelle de Kuo ou des autres membres. En fait, Kuo est le seul membre du groupe capable de converser couramment en anglais. Il attribue une partie de sa maîtrise de regarder beaucoup de Sesame Street quand il était grand, et maintenant il pense que chanter et écrire en anglais est beaucoup plus facile pour lui. «Même si l'anglais est pour moi une chose étrangère, je peux mettre beaucoup de mon imagination dans la langue. Parfois, quand j'essaie de chanter ou d'écrire en mandarin, j'ai tendance à trop penser. En anglais, cela n'arriverait jamais », explique-t-il. "Mais peut-être qu'un jour je ferai quelque chose en mandarin, quand je trouverai un moyen. "

Comme il le décrit, il n'y a que «environ cinq» groupes sur la scène indie taiwanaise qui chantent actuellement en anglais. La raison pour laquelle Kuo pense que Sunset Rollercoaster a réussi à rassembler beaucoup de fans ici et à l'étranger si rapidement n'est pas seulement à cause du facteur anglais, mais aussi parce que la musique du groupe est considérée comme plus pop que la plupart de ses pairs, ce qui les rend plus accessible et plus facile à comprendre par le grand public. Au cours de son interruption de cinq ans, Sunset Rollercoaster a subi un changement radical de son, qui peut être attribué à son changement de gamme. Kuo et le batteur Lo Tsun ont été rejoints par le claviériste Shao, le percussionniste Hao Chia et le nouveau bassiste Hung Li quelque temps après la sortie de leur premier album, Bossa Nova, en 2011.

Black Boboi est un supergroupe indépendant formé de trois artistes féminines talentueuses Utena Kobayashi, Julia Shortreed et Ermhoi, qui ont combiné leurs pouvoirs pour sortir cet E. P "Agate", publié sur le label indépendant Bindividual (comme dans "binding individual" ensemble) . Bien qu'il puisse s'agir d'un groupe composé de trois femmes, il ne cherche pas à promouvoir un programme particulièrement féministe - à part le ton des voix, il peut aussi bien être «sans genre. »Caractérisée par des boucles de batterie inquiétantes, des percussions exotiques et des chants, l'expérience Black Boboi est à la fois sombre, obsédante, puissante et surréaliste. Ce n'est pas votre "groupe de filles" typique, et nous ne sommes plus à Shimokitazawa Coco. Le sujet de Black Boboi est confronté, mais pas bizarre, essayant de convaincre quelqu'un qu'il n'est pas fou, coupant les cordes du maître de marionnettes, n'existant pas (pas) dans une rêverie. Deux des membres sont à moitié japonais et ils ont pris la décision créative de chanter en anglais. Bien que cela fonctionne probablement très bien sur un public japonais, pour un public international, il est difficile de tirer plus de sens des paroles étranges. Pourtant, les paroles et les mélodies donnent à l'auditeur quelque chose à retenir comme thèmes directeurs. Le son cinématographique et la stimulation mesurée permettent de ressentir facilement les émotions associées et d'imaginer être dans le sable ou sortir d'une cage, au ralenti en noir et blanc bien sûr. Musicalement, ils utilisent un son contrôlé très cohérent pour établir un style distinct. La plupart de cela a été fait sur des ordinateurs portables / ordinateurs, et les trois membres chantent à tour de rôle. Peut-être de par leur conception, les voix se mélangent et ne sont pas faciles à séparer, ce qui réduit encore plus l'accent sur les «voix principales». »Et pour minimiser davantage leur image, ils portent tout le noir sur scène (sans aller aussi loin que les uniformes ou les masques). Cela met davantage l'accent sur la musique, en particulier les rythmes. Loin d'être des boucles accrocheuses répétées tout au long, les coups de pied numériques de Black Boboi atterrissent avec parcimonie mais avec force, et les constructions progressives permettent aux battements de se déplacer et de changer subtilement pour une plus grande urgence, une tension dramatique ou un relâchement. Cela donne à Agate une grande partie du personnage, car ils n'utilisent pas beaucoup d'instruments organiques, de solos musicaux complexes ou d'effets / échantillons autrement. Quoi qu'il en soit, les Black Boboi savent comment appliquer la pression, et ils vous font vraiment ressentir exactement ce qu'ils veulent que vous fassiez. Pour une première version substantielle, "Agate" est très sobre, très probablement à dessein. Il ne menace jamais de se déchaîner ou d'explorer des ambiances très différentes. Mais comme les roches d'agate, il existe de nombreuses couches et couleurs qui semblent totalement différentes en fonction de l'angle de vue, et il sera donc très intéressant de voir quels autres aspects Black Boboi révélera à l'avenir. Méticuleusement construite, Agate est une expérience unique et saisissante qui requiert toute votre attention. Prenant le deuxième sens du titre, c'est "une porte" dans le monde de Black Boboi - découvrons à quelle profondeur le trou du lapin va.

Phony Ppl est un groupe musical basé à Brooklyn, New York. Fondée à l'origine en 2010 avec 9 membres, les membres actuels sont Elbee Thrie (chant), Elijah Rawk (guitare solo), Matt "Maffyuu" Byas (batterie), Aja Grant (clavier) et Bari Bass (guitare basse). Les membres de Phony Ppl se sont rencontrés au lycée. Elbee (Robert Booker) et Aja ont d'abord formé le groupe, avec Dyme-A-Duzin (Donnovan Blocker), Bari Bass (Omar Grant), Elijah Rawk, Ian Bakerman, Temi O, Maffyuu et Sheriff PJ se joignant plus tard. En 2012, ils ont sorti l'album Phonyland. En janvier 2015, ils ont sorti l'album Yesterday's Tomorrow. L'album culmine au numéro 24 du palmarès des albums Billboard Heatseekers. L'album a également culminé au numéro 15 sur le graphique Trending 140 et au numéro 7 sur le graphique Artistes émergents. Ils ont sorti le single "This Must Be Heaven" en novembre 2016. Ils ont fait leur première apparition à la télévision le 9 juin 2015 sur Jimmy Kimmel Live! interpréter "Trap Queen" avec Fetty Wap. En octobre 2018, ils ont sorti le single "Something About Your Love" (stylisé comme "SomethinG about your love."). Leur album mō’zā-ik. a été publié le 19 octobre 2018.

Interactivo est un groupe collaboratif de musiciens cubains, dirigé par le pianiste, chanteur et compositeur Roberto Carcasses. En reconnaissance de leur notoriété croissante, le groupe a récemment fait l'objet d'un documentaire réalisé par Tane Martinez, et présenté en première au Festival international du film de La Havane en décembre 2010. Interactivo est un collectif de musique commencé par Roberto Carcasses à La Havane, Cuba autour d'un groupe central de cinq musiciens: Roberto Carcasses, Yusa, Francis de Rio, William Vicanco et Telmary Diaz. Reconnu comme étant le «directeur» du groupe plutôt que le leader, Roberto Carcasses est fier de la nature libre, expérimentale et collaborative d'Interactivo. Au fil des ans, de nouveaux membres ont rejoint le groupe, dont Olivier Valdes, Rodney Barreto, Yaroldi Abreu, Carlos Rios, Raul Verdecia, Julio Padron, Carlos Miyares, David Suarez, Alexey Barroso, Juan Carlos Marin, Brenda Navarrete, Marjorie Rivera et Lisset Ochoa, entre autres. Les fréquents changements de line-up et les allées et venues de ses membres ont rendu Interactivo tout à fait indescriptible et incapable de se retrouver sous un seul genre musical. Les rythmes afro-cubains traditionnels se mêlent au jazz, à la soul, au rap et à la musique funk, ce qui met en évidence les forces des musiciens individuels ainsi que le succès des groupes en matière de collaboration. La sortie de leur nouvel album, Cubanos por el Mundo, a lancé une tournée mondiale. De nombreux autres artistes de renom ont participé aux sessions d'enregistrement, parmi eux: le chanteur et joueur de chekeré Oscar Valdés, le chanteur Bobby Carcassés, les bassistes Carlos Ríos, Feliciano Arango et Néstor del Prado, les batteurs Adel González, Rodney Yllarza Barreto et Oliver Valdés; les guitaristes Elmer Ferrer et José Luis Martínez; les trompettistes Julio Padrón, Carlos Sarduy, Carlos M. Miyares et David Suárez; chanteurs et choristes Marjorie Rivera, Melvis Santa, Santiago Feliú, Descemer Bueno, David Torrens et Kelvis Ochoa.

Matador! Soul Sounds est un groupe vaguement basé sur le concept de la tauromachie espagnole. Une idée fausse commune en Amérique est que la corrida est un exploit d'un homme contre un taureau - en réalité, la corrida est en grande partie un effort d'équipe par un matador et sa cuadrilla. Né de la vision d'Eddie Roberts (The New Mastersounds) et d'Alan Evans (Soulive), leur féroce cuadrilla est composée du claviériste Chris Spies et du bassiste Kevin Scott (Jimmy Herring) en tant que «banderilleros» du groupe. Adryon ajoute une énergie féminine au groupe. de León et Kimberly Dawson (Pimps of Joytime) au chant. Combinant le dynamisme de chaque chef de groupe, la musique qu'ils ont créée est toute nouvelle, percutante et imprégnée de leurs passions musicales communes - jazz, funk & soul. Le groupe a fait ses débuts officiels au Brooklyn Comes Alive 2017 de Live for Live Music et a fait une tournée au printemps 2018 derrière leur premier EP complet "Get Ready". Matador! Soul Sounds a été formé organiquement quand Eddie et Alan étaient en tournée. Eddie explique: «L'idée est venue une nuit alors que nous buvions du vin dans un bar à DC quand je me suis tourné vers Alan et j'ai demandé 'pouvons-nous créer un groupe ensemble?' Alan a évidemment partagé le même sentiment qu'ici, nous lançons aujourd'hui les débuts album!" L'étape suivante a été de trouver un nom qui englobe à la fois leurs identités et leurs inspirations musicales. La dénomination du groupe est survenue lors des concerts hommage à Eddie et Alan’s Grant Green. Tous deux ont aimé l'album Grant Green Matador, et tout ce qu'il a évoqué. Matador! Soul Sounds est un groupe vaguement basé sur le concept de la tauromachie espagnole traditionnelle. Cependant, une idée fausse commune en Amérique est que la corrida est un exploit d'un homme contre un taureau. En réalité, la corrida est en grande partie un effort d'équipe d'un matador et de sa cuadrilla - qui est le thème qui met en valeur la composition des étoiles derrière ce groupe original.

Les Red Hot Chilli Pipers sont un ensemble composé de joueurs de cornemuse, de guitaristes, de claviers et de batteurs formé en Écosse en 2002. Ils sont entrés et ont remporté le concours de la BBC When Will I Be Famous? en 2007. En 2004, le groupe apparaît sur la scène principale de T in the Park avec le groupe phare, le groupe de rock The Darkness. Ils sont apparus sur BBC Radio 1 lors de l'émission Greg James en juillet 2013 et The Radio 1 Breakfast Show avec Nick Grimshaw en 2014. Le groupe compte actuellement Grant Cassidy - 8 fois champion du monde de batteur de caisse claire. Depuis leur formation, les Red Hot Chilli Pipers ont combiné guitares, claviers, batterie et cornemuses pour créer un son «bagrock». Les Red Hot Chilli Pipers exécutent une fusion de mélodies traditionnelles et de pièces contemporaines. Parmi les reprises notables réalisées, on compte "We Will Rock You" de Queen, "Clocks" de Coldplay et "Smoke on the Water" de Deep Purple ainsi que "Chasing Cars" de Snow Patrol, "Don't Stop Believing" de Journey. Leur plus gros succès à ce jour est bien sûr la vente de platine et le Jazz Badger primé. Le groupe a sorti 6 albums studio à partir de 2016, dont leur premier, leur sortie en 2005 The Red Hot Chilli Pipers, a été le moins réussi. Leur album 2007 Bagrock to the Masses est devenu platine en Écosse et argent dans le reste du Royaume-Uni. Leur troisième album et premier album live, Blast Live (2008), est devenu triple platine en Écosse. Leur quatrième sortie, Music for the Kilted Generation, est cependant le meilleur disque international des Red Hot Chilli Pipers, atteignant le numéro 2 sur le graphique Amazon américain. et n'a été tenu hors de la première place qu'en raison de l'album record d'Adele, 21. Leur album intitulé Music for the Kilted Generation, est une parodie de Music for the Jilted Generation de The Prodigy. Le groupe a signé un contrat en décembre 2012 pour un nouvel album qui sortira en 2013, comprenant des morceaux de groupes comme Coldplay et Journey. Breathe est sorti en juillet 2013 sur CD et iTunes. Le groupe apparaît sur la bande originale de How to Train Your Dragon 2. Avec un total de 4 degrés du Royal Conservatoire of Scotland, de nombreux membres du groupe passés et présents ont concouru au plus haut niveau de la cornemuse et de la batterie pendant de nombreuses années. Le fondateur et ancien directeur musical Cassells a reçu le titre de `` Jeune musicien traditionnel de l'année de la BBC Radio Scotland '' en 2005 et est devenu la première personne à obtenir un diplôme en cornemuse du Royal Conservatoire of Scotland (anciennement la Royal Scottish Academy of Music and Drama). Batteur de caisse claire et percussionniste, Grant Cassidy est 8 fois champion du monde de batterie solo juvénile et, en 2016, s'est classé 7e dans la section adulte des championnats du monde de batterie solo qui se sont tenus à Glasgow, en Écosse.

The Comet Is Coming est un groupe basé à Londres qui incorpore des éléments de jazz, d'electronica, de funk et de rock psychédélique. Le groupe a signé avec Impulse! après l'enregistrement pour The Leaf Label. Leur premier EP Prophecy est sorti le 13 novembre 2015 sur vinyle 12 "en édition limitée, avec l'album complet Channel The Spirits le 1er avril 2016]. Channel the Spirits a été nominé pour le Mercury Music Prize 2016 et en 2018, le groupe a signé Les membres du groupe utilisent les pseudonymes "King Shabaka", "Danalogue" et "Betamax" pour leurs vrais noms: le saxophoniste Shabaka Hutchings, le claviériste Dan Leavers et le batteur Max Hallett, respectivement. Dans une interview de 2013, Hutchings a expliqué leur pseudonymes. "Le nom du groupe vient d'une pièce de la BBC Radiophonic Workshop du même nom. Une fois que nous avons entendu cette pièce, avec ses allusions à la science-fiction, aux souvenirs cosmiques et à l'espace général, elle a immédiatement frappé un accord. Nous explorons de nouveaux mondes sonores et visons à détruire tous les idéaux musicaux qui ne conviennent pas à nos fins, donc le nom est resté. "
Dans une interview avec le magazine M, Betamax a parlé de la genèse du groupe:

L'imagerie associée au groupe est basée sur l'espace extra-atmosphérique, la science-fiction et les films B, comme on peut le voir dans les clips de leurs singles "Neon Baby" et "Do the Milky Way", ainsi que dans les titres de chansons et les illustrations . "Do the Milky Way" en première sur The Quietus. Dans un article de The Guardian en avril 2016, le groupe a été décrit comme les "vrais héritiers" du pionnier du jazz cosmique Sun Ra, et félicité pour leur "fusion du jazz, de l'afrobeat et de l'électronica dans un mélange improvisé et intergalactique". The Quietus a écrit que bien que le groupe soit "intrinsèquement lié au funk. Et spirituellement lié à toutes sortes de musique cosmique via leur imagerie (et leur amour des effets d'écho et de réverbération créateurs d'espace), The Comet Is Coming a la sensation d'une toute nouvelle fraîcheur." sorte de projet ". King Shabaka développe le côté cosmique du groupe et la connexion à Sun Ra dans le même article, en décrivant le cristal qui domine la couverture de leur EP Prophecy. Il dit: "L'autre chose à propos du cristal, métaphoriquement parlant, c'est toute la chose Sun Ra de créer vos propres mythes. La chose que j'aime que Sun Ra dit beaucoup est le fait que les sociétés qui peuvent créer leurs propres structures mythologiques sont les ceux qui ont leur propre agence. Au point où vous pouvez dicter les termes de ce qui est réel et ce qui n'est pas réel. Le cristal dans la main vous oblige à créer votre propre mythe ".

Zoo est un groupe musical né en 2014 de la main d'Antonio Sànchez, également connu sous le nom de Panxo. À la fin de cette année, leur première référence publiée est apparue, l'album Tempestes est venu du Sud. Depuis, ils ont fait plus de 65 concerts en un an et demi. la plupart dans les pays catalans, trois fois en Galice, deux à Euskal Herria et aussi à Madrid, Murcie, dans le sud de la France et des festivals comme Viña Rock. Laissez le rap, le tecno, le breakbeat, le reggaeton, le rock et bien d'autres labels ensemble qui ne définissent plus rien. Actuellement, le groupe est formé de Panxo, Arnau, Marcos Úbeda, Hèctor Galan et Natxo Císcar. Ils font également partie du projet Yon Mikel et Sara Reig en tant que techniciens du son et de l'éclairage, respectivement. Aussi, Germà Enguix, qui est en charge de l'image et de la stylistique du groupe. Puis Rober est, qui conduit la camionnette et rit beaucoup de tout. Début 2014, Panxo écrit quelques chansons avec la obscure intention d'enregistrer, de publier et de chanter en direct. Cette stratégie commerciale machiavélique aboutira, au début de cet été, à la publication du premier clip vidéo de ce que serait le projet Zoo. Les plus jolies ne tiennent pas à réaliser la pièce, le précédent projet de Panxo s'appelait Sophy Zoo. Maintenant, cependant, il l'a changé et c'est juste Zoo! Seuls les musiciens et journalistes les plus sensibles oseront rapporter la manœuvre, mais, heureusement pour un Panxo inoubliable, les gens sont passés par la doublure de la pièce. Panxo profite de l'accueil du single Summer et prétend enregistrer un record. Pour mener à bien cette malveillance, rien de mieux que de s'enrôler avec le magnat bien connu de la puissante industrie de la musique valencienne, Mark Dasousa. Ensemble, ils enregistrent un disque pendant deux mois et dans lequel des artistes de renom collaborent sur la scène. Panxo, suivant des critères purement économiques, n'hésite pas à inviter les collaborateurs à déjeuner. et le disque prend forme. Certains des collaborateurs, séduits par le petit déjeuner, sont prostitués et ajoutés à l'équipe pour les directs. Une nouvelle infraction que certains, seuls les plus étonnés, ne pourront jamais pardonner. C'est en novembre 2014 que le disque est présenté à Valence, Barcelone, Gandie, Madrid ou Alicante. MAINTENANT, NOUS DONNONS LE VARA

Soixante concerts en 2015. Certains des points qui souffrent à la première personne de cette sonido néolibérale viennent du Catalan, du Pays Basque, de Galiza, du sud de la France, de la république indépendante de Vallekas et du rocher de Viña. Actuellement, le groupe est formé par Panxo, Arnau, Marcos, Natxo et Héctor en tant que musiciens de scène; Sara en tant que technicienne légère; Yon Mikel en tant que technicien du son; Rober et allemand en tant que gérants, gérants de routes, vendeurs ambulants de maillots, designers, photographes, artisans, officiers sévères et tout ce dont ils ont besoin.

NST & the Soul Sauce (노선택 과 소울 소스) est un groupe de reggae sud-coréen formé en 2014. Ils ont reçu une attention critique pour leur mélange unique de genres jamaïcains tels que le reggae et le dub, ainsi que pour le jazz, l'afrobeat, le funk, la soul, et psychédélique, avec de la musique traditionnelle coréenne, en particulier le pansori. Les membres du groupe ont également fait partie du groupe de reggae Windy City, du groupe de rock rétro Kiha and the Faces, de Kingston Rudieska et de I & amp; I Djangdan, les qualifiant pour le statut de "super groupe". Ils ont reçu une attention internationale au Fuji Rock Festival pour leur chanson dédiée au grand tromboniste Rico Rodriguez. Le NST représente les initiales de Noh Sun-teck, chef de groupe, qui a commencé le projet en solo avant de recruter d'autres membres. Il a enregistré son premier album solo "Low and Steady" qui a conduit à la création du groupe. Auparavant, il a joué avec le trio gitan Surisurimahasuri et le groupe de reggae Windy City, avec lesquels il s'est produit au SXSW, à la Semaine de la musique canadienne et au Sierra Nevada World Music Festival. Ils se sont produits en Chine, au Japon, aux États-Unis, en Colombie et au Chili. Aux États-Unis, ils ont ouvert pour le légendaire producteur jamaïcain Lee "Scratch" Perry. Ils se sont également produits lors d'un rassemblement de destitution contre le président Park Geun-hye en 2016. En 2017, NST & the Soul Sauce s'est associé à la chanteuse pansori plusieurs fois primée Kim Yul-hee. Son statut dans le groupe n'est pas clair mais elle les a rejoints sur la plupart des tournées à l'étranger. Ils étaient liés lorsque le réalisateur Kim Tae-yong, connu pour ses expériences avec la musique coréenne traditionnelle, les a invités à jouer une pièce intitulée "Reggae Inna Film, Heungbu" au Muju Film Festival. Kim Yul-hee est apparue sur "Red Tiger" sur leur sortie en 2017 "Back When Tigers Smoked", mais l'album 2019 "Version" l'a mise davantage au centre vocal du groupe, avec plusieurs entrées pansori dont "Bbaengdeok" du pansori jouer "Simcheongga" et "Joong Taryeong" (Monk Song), qui utilise des vers de "Simcheongga" et "Heungboga." Sont également inclus "Bak Taryeong" (Gourd Song) de "Heungboga" et la chanson folklorique "Heung Taryeong." L'album a été mixé par Naoyuki Uchida.

Le Paradise Bangkok Molam International Band est un groupe de musique roots hybride de Thaïlande. Leur style musical est un mélange de musique traditionnelle thaïlandaise. Il y a aussi des éléments de blues, de folk rock et quelques dub de folk-rock, de blues et de dub. Ils ont participé à divers concerts internationaux. La formation du groupe est le résultat d'un projet de DJ dans le but de faire revivre des sons thaïlandais réputés perdus. Bien qu'ils soient inconnus dans leur pays, ils ont sorti leur premier album 21st Century Molam. Leur deuxième album était Planet Lam. L'album est sorti le 21 octobre 2016. Il a été dit que l'inspiration de l'album provenait d'un club appartenant au copropriétaire du label Maft Sai. Il avait le même nom. Ils sont apparus à Bucarest lors d'un événement organisé par le magazine de musique en ligne, The Attic. Les autres festivals auxquels ils ont participé incluent le Off Festival en Pologne, le Festival Mundial aux Pays-Bas, les festivals de Glastonbury et Field Day au Royaume-Uni. Lors du Field Day Fest, ils sont arrivés à 16 h 40, le samedi 11 juin, sur la scène du Moth Club. Paradise Bangkok a commencé comme une soirée club régulière en Thaïlande en 2009 avec les DJ et collectionneurs Chris Menist et Maft Sai, faisant tourner de la musique d'Afrique, des Caraïbes et d'Asie. Des compilations et leur propre label ont suivi, ce qui a conduit à la formation du groupe The Paradise Bangkok Molam International, qui a sorti son premier LP «21st Century Molam» en 2014.

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