Guy James Robin (né le 2 août 1989), mieux connu sous son nom de scène, Jonas Blue, est un DJ, producteur, compositeur et remixeur anglais basé à Londres qui produit une musique qui allie la musique de danse à la sensibilité pop. En 2015, Blue a publié une reprise de Tropical House du single "Fast Car" de 1988 de Tracy Chapman. C'était son premier single et comporte les voix de Dakota. La version Jonas Blue a culminé au deuxième rang du classement des singles britanniques, derrière "Pillowtalk" de Zayn Malik. Son sommet britannique signifiait que son classement était supérieur à celui de Chapman, qui avait atteint le numéro cinq sur le graphique en mai 1988 et une position plus élevée après une nouvelle publication en avril 2011. Il est également resté dans le top 10 pendant 11 semaines. La version Jonas Blue a également atteint la première place en Allemagne, en Suède, en Australie et en Nouvelle-Zélande, ainsi que la première place du classement viral américain sur Spotify. Le single a été certifié Platinum en Italie et au Royaume-Uni, 2 × Platinum en Nouvelle-Zélande et 3 × Platinum en Australie. À ce jour, la piste a été diffusée plus de 580 millions de fois sur Spotify et a été vue plus de 310 millions de fois sur Vevo. Le 3 juin 2016, il a publié un nouveau single intitulé "Perfect Strangers", mettant en vedette JP Cooper sur Virgin EMI Records. À ce jour, son deuxième single a été certifié platine au Royaume-Uni, double platine en Australie et or en Nouvelle-Zélande. La piste a également permis à Blue d'atteindre un milliard de flux sur ses pistes et vidéos. Le 28 octobre 2016, son troisième single intitulé "By Your Side", mettant en vedette la chanteuse britannique Raye, sort à nouveau sur Virgin EMI Records. Le 5 mai 2017, il a publié la chanson "Mama", qui mettait en vedette le chanteur australien William Singe.
Shikao Suga (né le 28 juillet 1966 à Shikao Suga) est un musicien et auteur-compositeur-interprète japonais originaire de Tokyo, connu pour avoir écrit les chansons-thèmes de plusieurs dessins animés, films et publicités. Son nom en kanji est 止 戈 男. Il utilise katakana comme nom professionnel. "Yozora no Mukō", la chanson pour laquelle il a écrit les paroles et chanté par SMAP, est paru dans plusieurs manuels de musique japonais. "Yozora no Mukō" (1998) et "Real Face" (2006) de KAP-TUN ont tous deux débuté à la première place du classement Oricon, ou l'ont rapidement acquise, se sont vendus à plus d'un million d'exemplaires chacun. (ノ ム コ ウ) (Meilleurs Japonais)
Plusieurs de ses chansons ont été utilisées dans des séries télévisées animées et des drames d'action en direct et des films adaptés du manga. Honey et Clover ont inclus des chansons de son album "Clover", telles que "Hachigatsu no Serenade", "Tsuki to Knife" et "Yubikiri". La chanson "Manatsu no Yoru no Yume" est apparue dans le premier film d'action en direct Death Note en tant que chanson encartée. Sa chanson "Yūdachi" a été utilisée comme thème de clôture pour le film Boogiepop et autres, et comme thème d'ouverture pour la série animée de 2000, Boogiepop Phantom. "Hajimari no Hi" a été utilisé comme premier thème d'ouverture de Letter Bee et, après un an et trois mois, il a sorti "Yakusoku", qui serait l'inauguration de la suite de "Letter Bee", Letter Bee Reverse. En 2019, l'adaptation en live action du manga "Yotsuba ginkō Harashima Hiromi ga mono mōsu! ~" Tokyo Dorama. Il a également composé les chansons de la série XXXHOLiC animée de CLAMP, y compris son film xxxHOLiC: Manatsu no Yoru no Yume (thème de Sanagi ~ tiré du film xxxHOLiC ~), de sa première série télévisée (Jūkyū-sai) et de "XXXHOLiC Kei ", sa deuxième saison (Nobody Knows). "Sofa" était la chanson utilisée dans l'OVA "xxxHOLiC: Shunmuki" du 17 février 2009. En février 2013, le drame d'action en direct XXXHOLiC a commencé sur WOWOW, et "Aitai" de Suga a été utilisé comme chanson d'ouverture. En 2015, CLAMP a réalisé les dessins pour le clip vidéo de "u oto の の よ". images de personnages de "XXXHOLiC", pour célébrer son premier anniversaire. Ses chansons ont également été incluses dans des films autres que des mangas, comme Dark Water ("Aozora") et Sweet Little Lies ("Ame agari no asa ni"), ainsi que d'innombrables publicités télévisées, telles que celles de l'agence d'assurance Sony Sompo. et certaines marques de voitures et entreprises de logement. Dans Gintama, son nom a été mentionné à l'épisode 115 et sa chanson "Progress" a été incluse dans une parodie de la série "Shirogane no Tamashii" de l'épisode 9 de la deuxième saison "Progress" a également été incluse dans une parodie dans épisode 69 de Shinkansen Henkei Robo Shinkalion L'animation. Son nom a également été inclus dans le roman After dark de Haruki Murakami, en référence à sa chanson "Bakudan juice". (ダ)
Il participe à la campagne d’affiche de la série manga Seen de Chica Umino, March Comes in Like a Lion avec Anne Watanabe. Sa chanson "Kizashi" a été utilisée dans la publicité du manga et y est apparue, à la demande d'Umino elle-même. Pour l'album "Aitai" de Suga en 2013, la photo de couverture et de l'artiste a été réalisée par le photographe et réalisateur Mika Ninagawa
Shikao Suga Asia Circuit 2017 à Tokyo
Quant à ses voyages, en 2009, il effectue son premier voyage outre-mer, à Londres. Ce devait être la première fois qu'il se présentait devant un public non japonais. Septembre 2017, il fait sa première apparition officielle sur le continent américain en participant au Greenroom Festival à Hawaii, qu'il répète l'année suivante.
En décembre 2017, il effectue son premier voyage en Asie, se rendant à Singapour le 8 et à Taiwan le 17, dans le cadre de la tournée intitulée "Shikao Suga Asia Circuit 2017". Le 26 décembre, il termine la tournée dans la ville de Tokyo.
Rankin 'Taxi (né le 9 février 1953) est un artiste reggae japonais, originaire de Yokohama. En 2011, il ré-enregistra sa chanson anti-nucléaire de 1989 に も も も な い (vous ne pouvez pas le voir, vous ne pouvez pas le sentir) avec Dub Ainu Band, qui, même s'il reçoit peu de diffusion dans les médias Les médias japonais ont attiré l'attention du New York Times en juin 2011 dans un article de Dan Grunebaum intitulé La nouvelle vague de chansons de protestation au Japon, après sa popularité après la catastrophe nucléaire de Fukushima. Rankin 'Taxi est le leader du mouvement Reggae et a joué un rôle de premier plan dans la scène reggae au Japon. Depuis 1983, BOYOYON OYAJI vient de faire tourner une équipe de sonorités organisée âgée de 55 ans appelée Taxi HiFi pour produire de nombreuses œuvres en tant que DJ reggae. C'est le fait qu'il est celui qui introduit le reggae au Japon. Il a également lancé le label BASS KULCHA pour les fouilles de jeunes artistes et en a publié de nombreuses œuvres. Son approche de la musique reggae est débordante d'humour et radicale, et parfois trop extrême. On peut dire qu'il est tellement doué pour incarner la musique de Revel. Son comportement et son attitude vis-à-vis de la musique reggae influencent de nombreux artistes, ce qui lui permet de bénéficier de nombreux soutiens. Ses œuvres récentes incluent le 7ème album original, "AMISHATSU SOUL" (2005) et un album d'amour, "Let’s Go Rockers" (2006). Comme vous le voyez, il avait jeté sa vitalité sur la scène reggae japonaise pour transmettre la dignité de la musique reggae. En avril 2007, il s'est aventuré en solo «Rankin Taxi BOYOYON NIGHT», absent de longue date. Il y avait deux performances du groupe, HOME GROWN et LITTLE TEMPO. De plus, le live incorporé avec une session acoustique de 3 heures et sa scène sans précédent ont gravé dans la mémoire du reggae un souvenir dramatique et inoubliable. En outre, il a participé à une large compilation polyvalente pour diffuser Rankin Taxi World. Fin février 2008, le nouvel album tant attendu «Shinumade Ikiru» signifie «Born Fi Dead» de RIDDIM ZONE va paraître.
En 2006, DJ Txako était né. Membre à l'origine du collectif bien connu «Caribbean Dandy» et du promoteur latino rock «Japonicus», Txako a explosé sur la scène musicale de Tokyo sans méfiance. énergie. Célèbre pour ses concerts dans des festivals renommés tels que le Fuji Rock Festival (de 2007 à 2017), le festival Radical Music Network, l'Asagiri Jam, le festival Toyota Rock, le Go Out Jamboree, etc. Txako a effectué une tournée au Mexique, à Taiwan, au Vietnam et aux États-Unis. , Porto Rico, France, Pays basque, Italie, Espagne, Catalogne et Japon. Elle joue dans de grands festivals tels que Vive Latino (Mexique), Rototom Sunsplash (Espagne), le Festival de musique du monde Esperanzah (Espagne), le Festival Clownia (Catalogne), le Festival Actual (Espagne), le Festival Ariano Folk (Italie), etc. Txako a également soutenu des artistes de renom tels que Rico Rodriguez, Roy Ellis, Manu Chao, Fermin Muguruza, Nathen Maxwell de Flogging Molly, DJ Scratchy, Mimi Maura, La Ruda Salska, Obrint Pas, Sergent Garcia, etc.
Dans son sillage, elle a laissé de nombreux fans affamés et a influencé les nouveaux DJ à travers le Japon et le reste du monde. Txako continue de faire le tour du monde. Pendant ce temps, augmentez le volume, reculez-vous et préparez-vous pour l'assaut frontal complet connu sous le nom de. DJ TXAKO !!.
Originaire de Sydney, Anna Lunoe brise continuellement les frontières en tant que DJ, animatrice radio, productrice, chanteuse et commissaire de la scène de la danse. En tant qu'animatrice radio sur la radio communautaire FBi d'Australie, Anna s'est rapidement imposée sur les ondes avec ses sélections de morceaux et sa présence charismatique. Elle a rapidement émergé comme l'un des meilleurs DJ au milieu de la scène de danse bourgeonnante de l'Australie. Après avoir dominé les festivals, les ondes et les clubs d'Australie, Anna a déménagé en 2012 à Los Angeles pour continuer à bâtir sa carrière. Elle a sorti son premier EP Anna Lunoe & Friends, s'imposant non seulement comme DJ exceptionnelle, mais aussi comme productrice. Le titre A "Real Talk" a conservé une place de numéro 1 sur le palmarès Indie Dance de Beatport pendant quatre mois consécutifs et le côté B "I Met You", une collaboration avec un Flume alors relativement inconnu, a amassé des millions de streams. De là, elle a rebondi d'un banger de club avant-gardiste à la prochaine sortie sur Fools Gold, Mad Decent, OWSLA, Ultra et Spinnin 'tout en devenant simultanément un favori de la foule sur le circuit en direct des États-Unis, apparaissant dans des festivals à travers les États-Unis, y compris Coachella, Lollapalooza , Electric Forest et EDC Las Vegas, où elle a été la première femme solo à jouer sur la scène principale. Parmi les nombreux observateurs de la montée continue d'Anna et de son oreille attentive pour le métro se trouvait Zane Lowe. C’est pour ces raisons qu’il a approché Anna pour l'aider à lancer la plateforme Beats1 d'Apple Music. C'est là qu'elle a fait ses débuts à la marque HYPERHOUSE et à l'émission de radio, son point de vente le plus large à ce jour pour présenter des talents émergents et établis. Des années plus tard, Lunoe continue de s'épanouir en tant que voix de toutes les musiques de danse à Beats1 en tant qu'animatrice de l'hebdomadaire Dance Chart, l'une des stations les plus demandées. HYPERHOUSE a également continué d'évoluer vers une série de livestream en cours, un label, une tournée avec des actes alternés organisés par Anna elle-même, et une reprise de scène de festival lors d'événements comme Holy Ship, Hard Fest, WMC, Electric Zoo, etc. 2017 a commencé un nouveau chapitre dans la vie d'Anna en entrant dans la maternité. Elle a continué à produire et à tourner tout au long de sa grossesse, en tête d'affiche de sa propre scène lors du 10e anniversaire de Hard Summer à 8 mois de grossesse. Après une interruption de 3 mois pour la transition vers la maternité (sa plus longue pause de tous les temps), Anna est entrée en 2018 aussi inspirée que jamais, sautant de nouveau dans les grandes ligues en publiant des collaborations avec Dillon Francis, GTA, Born Dirty, Wax Motif et Valentino Khan. Elle a continué de prouver sa passion inégalée et sa position unique dans cette industrie avec des apparitions notables au Festival CRSSD, en tête d'affiche et en tant que commissaire d'une scène au Zoo électrique, dominant la foule à Splendor in the Grass et faisant ses débuts au festival européen à Tomorrowland. 2019 ne montre aucun signe de ralentissement pour Anna alors qu'elle entame l'année avec une flopée de nouvelles musiques dans sa manche, poursuivant ses fonctions d'hébergement sur le spectacle hebdomadaire Beats1 Dance Chart, élargissant son centre de conservation HYPERHOUSE et anticipant une année riche en réservations de festival autour du monde. Il n'y a personne dans le jeu comme Anna Lunoe.
Martijn Gerard Garritsen, professionnellement connu sous le nom de Martin Garrix, est un DJ et producteur de disques hollandais d'Amstelveen. Ses singles les plus connus sont "Animals", "Au nom de l'amour" et "Scared to Lonely". Il a été classé numéro un sur la liste des 100 meilleurs DJs de DJ Mag pendant trois années consécutives (2016, 2017 et 2018). Il a joué dans des festivals de musique tels que Coachella, Electric Daisy Carnival, Ultra Music Festival, Tomorrowland et Creamfields. En 2014, il a dirigé la 1ère édition d'Ultra South Africa, faisant de ce festival son premier festival majeur. La même année, il est devenu le plus jeune DJ à avoir présenté le Festival Ultra Music 2014 à l'âge de 17 ans. Il était DJ résident chez Hï Ibiza (2017) et Ushuaïa Ibiza (2016 et 2018). Il a fondé le label Stmpd Rcrds en 2016, quelques mois après avoir quitté Spinnin 'Records et avant de signer avec Sony Music. Garrix est né le 14 mai 1996 à Amstelveen, aux Pays-Bas, sous le nom de Martijn Gerard Garritsen, fils de Gerard et de Karin Garritsen. Il a une soeur plus jeune nommée Laura. Il a montré un intérêt musical dès son plus jeune âge et a appris à jouer de la guitare à l'âge de 8 ans. En 2004, il a exprimé le souhait de devenir DJ après avoir vu le DJ néerlandais Tiësto se produire lors de la cérémonie d'ouverture des Jeux olympiques d'été à Athènes. Il s’inspire particulièrement du morceau "Traffic", lui demandant de télécharger le logiciel spécialisé FL Studio et de commencer à composer. En 2013, il est diplômé de l'Académie Herman Brood, une école de production à Utrecht. En mai 2016, Garrix était à la tête d'un événement à Los Angeles, dont toutes les recettes ont été reversées à l'organisation à but non lucratif Fuck Cancer, dédiée au dépistage précoce, à la prévention et au soutien des personnes touchées par le cancer. En novembre 2016, Garrix a commencé sa tournée en Inde par un spectacle de charité spécial à Mumbai, avec plus de 62 000 personnes présentes. Organisé sur l'hippodrome de Mahalaxmi, cet événement caritatif avait pour but d'éduquer les enfants indiens, le produit de l'émission étant reversé à Magic Bus, qui soutiendra l'éducation de 10 000 enfants dans tout le pays. Le 24 février 2017, Garrix a été annoncé comme un "ami international" de SOS Children's Village en Afrique du Sud, une organisation à but non lucratif qui "construit des familles pour les enfants orphelins, abandonnés et vulnérables du monde entier". S'adressant à Billboard, il a déclaré "il est affreux que tant d'enfants dans le monde n'aient pas le soutien d'une famille attentionnée". Le 28 février 2019, Garrix a visité le village d'enfants SOS en Afrique du Sud alors qu'il était en tournée pour Ultra South Africa. Au cours de sa visite, Garrix a présenté un DJ d’une heure devant une foule enthousiaste de cent enfants et adolescents, certains âgés de trois ans à peine et accompagnés de leurs mères SOS.
Chaz Bear (né Chazwick Bradley Bundick; 7 novembre 1986), connu professionnellement sous le nom de Toro y Moi, est un chanteur, auteur-compositeur, producteur de disques et graphiste américain. Sa musique a pris de nombreuses formes depuis qu'il a commencé à enregistrer, mais il est souvent identifié à la montée du mouvement des ondes glaciales en 2010 et 2011. Son nom de scène est une expression multilingue composée des mots espagnols toro et y (signifiant «taureau» et "et", respectivement) et le mot français moi (qui signifie "moi"). Chazwick Bradley Bundick est né le 7 novembre 1986 à Columbia, en Caroline du Sud, d'une mère philippine et d'un père afro-américain. Il a fréquenté le Ridge View High School, où il a formé le groupe de rock indépendant The Heist et The Accomplice avec trois camarades de classe. Bundick est diplômé de l'Université de Caroline du Sud au printemps 2009 avec un baccalauréat en design graphique. À la fin de sa carrière scolaire, Toro y Moi a noué une étroite relation musicale avec son collègue artiste des ondes glaciales Ernest Greene, qui se produit sous le nom de Washed Out. À la mi-2009, Toro y Moi a été signé chez Carpark Records, sur lequel il a sorti son premier album complet Causers of This en janvier 2010. Sur Causers of This, Bundick a expérimenté des techniques d'échantillonnage et de production en utilisant la station de travail audio numérique Reason. L'album a recueilli des comparaisons avec le sous-genre "chillwave"; cependant, Bundick a déclaré qu'il n'avait jamais classé sa musique comme telle. Bundick qualifie le sujet de l'album de "personnel", l'appelant un "album de rupture". Des tournées soutenant Ruby Suns, Caribou et Phoenix ont suivi la sortie de l'album. Le deuxième album de Toro y Moi, Underneath the Pine, est sorti le 22 février 2011. L'album a été enregistré chez Bundick entre deux tournées tout en soutenant Causers of This. Underneath the Pine a marqué un départ stylistique par rapport à l'album précédent en ce qu'il était composé de toutes les instrumentations live et ne contenait aucun échantillon. Bundick cite les bandes originales de films d'horreur, la discothèque spatiale et les compositeurs de films Piero Umiliani et François de Roubaix comme source d'inspiration pour le son de l'album. [14] De plus, Budick déclare ". Ce qui a influencé Underneath the Pine a été de trouver des choses que je voulais échantillonner pour Causers. Beaucoup de choses que j'ai échantillonnées pour Causers ont fini par être la principale inspiration musicale pour Underneath the Pine."
Dans une interview avec le site Web At the Sinema, il a suggéré qu'il était allé au-delà du genre Chillwave: "Tout ça est vraiment de la bonne musique, comme Ernest Green (Washed Out) et Neon Indian. Je suis un grand fan de tout cela. , mais je pense que [chillwave] n'était qu'une petite période où nous étions tous, par coïncidence. "
Le 13 septembre 2011, Toro y Moi a sorti un EP intitulé Freaking Out, avec une reprise de "Saturday Love" de Cherrelle et Alexander O'Neal. Le son de l'EP a été fortement influencé par le Boogie et le R&B des années 80. Le groupe a été choisi par Caribou pour se produire au festival ATP Nightmare Before Christmas qu'ils ont co-organisé en décembre 2011 à Minehead, en Angleterre. En juin 2017, Toro y Moi a annoncé un single, "Girl Like You" et un nouvel album Boo Boo qui est sorti le 7 juillet 2017 chez Carpark Records. En créant Boo Boo, Bundick a été influencé par un mélange éclectique de Daft Punk, Frank Ocean, Travis Scott et Oneohtrix Point Never. Deux semaines avant de sortir Boo Boo, Bundick a tweeté qu'il ne ferait pas de tournée pour promouvoir le prochain album. Le 10 janvier 2019, Toro a annoncé un flux de son 18 janvier 2019 qu'il sortait son nouvel album, Outer Peace, sur Carpark Records. Il était disponible dans le cadre du programme First Listen de NPR.
La musique de Nicola Cruz évoque les paysages et les rituels de sa patrie, l'Équateur, un pays qui abrite à la fois les montagnes des Andes et la jungle amazonienne. Sa musique est une exploration des mythologies anciennes et des traditions folkloriques dans un cadre moderne. Nicola est née à Limoges, en France, de parents équatoriens. Son éducation était entourée d'une riche éducation musicale à la fois dans les traditions indigènes et les théories occidentales et, dès son jeune âge, il s'est mis aux percussions. De cette connexion musicale entre le passé et le présent, le traditionnel et le moderne, un mouvement sud-américain est né, explorant les indigènes locaux et les afro-cosmologies à travers un son analogique soigneusement conçu. En 2012, Nicola a collaboré avec le label désormais disparu de Nicolas Jaar, Clown & Sunset. Prender el Alma, le premier album de Nicola, est sorti sur ZZK Records le 30 octobre de cette année. Nicola Cruz est peut-être le partisan le plus connu de la musique de danse avant-gardiste avec des influences latines - ou pour être plus précises, andines -. Toujours basé à Quito, en Équateur, dans les contreforts andins, son travail continue d'imprégner les traditions et les instruments folkloriques de la région d'une nouvelle résonance émotionnelle pour les pistes de danse modernes. En 2019, il reviendra à Sónar avec un nouveau show et un nouvel album dont nous pourrons parler très prochainement. En 2016, lorsqu'il a joué pour la première fois à Sónar, Nicola Cruz était peu connu sur le circuit international. Il était clair pour quiconque a vu l'émission ou regardé la rediffusion sur YouTube, cela ne resterait pas longtemps le cas. Le spectacle, qui présentait son LP Prender el Alma, a suivi des collaborations avec Nicolas Jaar et des séjours en tant qu'artiste sonore. Sa fascination pour la musique ancienne et les traditions des Andes s'est développée sur Espíritu et Cantos de Vision - tous deux publiés sur l'excellent label montréalais Multi Culti. Ces sorties de 2017 ont propulsé sa musique et sa renommée à un nouveau niveau, conduisant à des performances dans des lieux et des festivals du monde entier, et ont bouclé la boucle vers SonarHall, la scène où beaucoup l'ont découvert pour la première fois.
Sia Kate Isobelle Furler (née le 18 décembre 1975) est une chanteuse, compositrice, productrice de disques et réalisatrice de clips vidéo australienne. Elle a commencé sa carrière en tant que chanteuse dans le groupe de jazz acide Crisp au milieu des années 1990 à Adélaïde. En 1997, lorsque Crisp se dissout, elle sort son premier album studio intitulé OnlySee en Australie. Elle a déménagé à Londres, en Angleterre, et a fourni le chant principal du duo britannique Zero 7. En 2000, Sia a sorti son deuxième album studio, Healing Is Difficult, sur le label Columbia l'année suivante, et son troisième album studio, Color the Small One , en 2004, mais tous ont eu du mal à se connecter avec un public grand public. Sia a déménagé à New York en 2005 et a fait une tournée aux États-Unis. Ses quatrième et cinquième albums studio, Some People Have Real Problems et We Are Born, sont sortis respectivement en 2008 et 2010. Chacun a été certifié or par l'Australian Recording Industry Association et a attiré plus d'attention que ses albums précédents. Mal à l'aise avec sa renommée grandissante, Sia a pris une pause dans la performance, au cours de laquelle elle s'est concentrée sur l'écriture de chansons pour d'autres artistes, produisant des collaborations réussies "Titanium" (avec David Guetta), "Diamonds" (avec Rihanna) et "Wild Ones" (avec Flo Rida). En 2014, Sia a finalement percé en tant qu'artiste d'enregistrement solo lorsque son sixième album studio, 1000 Forms of Fear, a fait ses débuts au n ° 1 aux États-Unis Billboard 200 et a généré le top dix single "Chandelier" et une trilogie de clips avec enfant danseuse Maddie Ziegler. En 2016, elle a sorti son septième album studio This Is Acting, qui a donné naissance à son premier single numéro un du Billboard Hot 100, "Cheap Thrills". La même année, Sia lui a donné Nostalgic for the Present Tour, qui comprenait la danse de Ziegler et d'autres et d'autres éléments de la performance. Sia porte une perruque qui obscurcit son visage pour protéger sa vie privée. Parmi les distinctions reçues par Sia figurent les ARIA Awards et un MTV Video Music Award.
Courtney Melba Barnett (née le 3 novembre 1987) est une chanteuse, compositrice et interprète australienne. Reconnue pour ses paroles spirituelles et décousues et son style de chant impassible, elle a attiré l'attention avec la sortie de son premier EP, I Got Got Friend, Emily Ferris. La presse musicale britannique et américaine a suscité un intérêt international avec la sortie en octobre 2013 du Double EP: Une mer de pois cassés. Le premier album de Barnett, Parfois, je m'assieds et pense, et Parfois, je m'assieds, a été plébiscité. . Aux ARIA Music Awards of 2015, elle a remporté quatre prix sur huit nominations. Elle a été nominée pour le prix du meilleur nouvel artiste à la 58e cérémonie des Grammy Awards et de l'artiste solo féminine internationale aux Brit Awards 2016. En 2017, elle a publié Lotta Sea Lice, un album collaboratif avec Kurt Vile. Le 15 février 2018, Barnett a publié le single "Nameless, Faceless" suivi de "Need a Little Time" le 15 mars 2018. Le troisième single, "Sunday Roast", est sorti le 10 mai 2018. Son deuxième album, Tell Me How You Really Feel, est sorti le 18 mai 2018, tandis que le single "City Looks Pretty" a été présenté sur le jeu vidéo EA Sports FIFA 19. Courtney Melba Barnett est née à Sydney le 3 novembre 1987. Elle a grandi à Northern Beaches à Sydney. Quand elle avait 16 ans, sa famille a déménagé à Hobart. Elle a fréquenté la St Michael's Collegiate School et la Tasmanian School of Art. Ayant grandi au sein de groupes américains, elle découvre les auteurs-compositeurs-interprètes australiens Darren Hanlon et Paul Kelly, qui l’inspirent pour commencer à écrire des chansons.
Anne-Marie Rose Nicholson, mieux connue professionnellement sous le nom d'Anne-Marie (née le 7 avril 1991) est une chanteuse et compositrice anglaise. Elle a atteint plusieurs singles graphiques sur le UK Singles Chart, y compris "Rockabye" de Clean Bandit, avec Sean Paul, qui a culminé au numéro un, ainsi que "Alarm", "Ciao Adios", "Friends" et "2002". Son premier album studio, Speak Your Mind, est sorti le 27 avril 2018 et a culminé au numéro trois sur les graphiques officiels du Royaume-Uni (UK Album Charts) le 5 mai 2018. Anne-Marie est une ceinture noire en Shotokan Karate et a commencé à prendre des cours de karaté à l'âge neuf. Elle a remporté la double médaille d'or aux championnats du monde 2002 de la Funakoshi Shotokan Karate Association. Or et argent aux Championnats du monde 2007 de la Funakoshi Shotokan Karate Association et or aux Championnats nationaux de la Fédération britannique de karaté traditionnel. Elle attribue cela à l'enseignement de sa «discipline et de sa concentration - essentiellement tout ce dont j'ai besoin pour cette carrière» mais n'a plus le temps de le pratiquer fréquemment, en raison de ses engagements. Elle a également fréquenté le Palmer's College de Thurrock à l'adolescence. Le 20 mai 2016, Anne-Marie sort le premier single de son premier album, "Alarm", qui passe une semaine au numéro 76 en juin avant de refaire surface un mois plus tard; il a ensuite culminé au numéro 2 et a été certifié Platine au Royaume-Uni.
Thomas Edward Yorke (né le 7 octobre 1968) est un musicien anglais mieux connu en tant que chanteur et compositeur principal du groupe de rock alternatif Radiohead. Multi-instrumentiste, il joue principalement de la guitare et du piano. Avec les autres membres de Radiohead, il a été intronisé au Rock and Roll Hall of Fame en 2019. Yorke est né dans le Northamptonshire. Sa famille a vécu en Écosse avant de s'installer dans l'Oxfordshire, en Angleterre, où il a formé Radiohead avec ses camarades de classe. Après avoir obtenu son diplôme de l'Université d'Exeter, Radiohead a signé avec Parlophone; leur premier succès "Creep" a fait de Yorke une célébrité, et Radiohead a continué à acclamer la critique et à vendre plus de 30 millions d'albums. Leur quatrième album, Kid A (2000), a vu Yorke et le groupe se lancer dans la musique électronique, manipulant souvent sa voix. En 2006, Yorke a sorti son premier album solo, The Eraser, composé principalement de musique électronique. En 2009, pour jouer The Eraser en direct, il a formé un nouveau groupe, Atoms for Peace, avec des musiciens dont le bassiste de Red Hot Chili Peppers Flea et le producteur de Radiohead Nigel Godrich; ils ont sorti un album, Amok, en 2013. En 2014, Yorke a sorti son deuxième album solo, Tomorrow's Modern Boxes. Il a collaboré avec des artistes tels que PJ Harvey, Björk, Flying Lotus et Modeselektor, et a composé pour le cinéma et le théâtre; sa première bande originale de long métrage, Suspiria, est sortie en octobre 2018. Avec l'artiste Stanley Donwood, Yorke crée des illustrations pour les albums de Radiohead. Yorke a critiqué l'industrie de la musique, en particulier les principaux labels et services de streaming tels que Spotify. Avec Radiohead et son travail en solo, il a été le pionnier des plateformes de sortie de musique alternative telles que Pay-what-you-want et BitTorrent. Il est un activiste au nom des droits de l'homme, des droits des animaux, des causes environnementales et anti-guerre, et ses paroles intègrent souvent des thèmes politiques.
Jason Thomas Mraz (né le 23 juin 1977) est un auteur-compositeur-interprète américain qui s'est fait connaître sur la scène du café de San Diego en 2000. En 2002, il a sorti son premier album studio, Waiting for My Rocket to Come, qui contenait le hit single "The Remedy (I Won't Worry)". Avec la sortie de son deuxième album, Mr. A-Z, en 2005, Mraz a obtenu un succès commercial majeur. L'album culmine au numéro 5 du Billboard 200 et se vend à plus de 100 000 exemplaires aux États-Unis. En 2008, Mraz a sorti son troisième album studio, We Sing. Nous dansons. Nous volons des choses. Il a fait ses débuts au numéro 3 sur le Billboard 200 et a été un succès commercial international principalement en raison du succès "I'm Yours". La chanson a culminé au numéro 6 sur le Billboard Hot 100, lui donnant son premier single parmi les dix premiers, et a passé un record de 76 semaines sur le Hot 100. Son quatrième album, Love Is a Four Letter Word, a culminé au numéro 2 du Billboard 200, son album le plus performant à ce jour. Mraz a remporté deux Grammy Awards et a reçu deux nominations supplémentaires, ainsi que deux Teen Choice Awards, un People's Choice Award et le Hal David Songwriters Hall of Fame Award. Il a obtenu les certifications Platine et multi-Platine dans plus de 20 pays et a effectué des tournées en Amérique du Nord, en Amérique du Sud, en Europe, en Asie, en Australie, au Moyen-Orient et dans certaines régions d'Afrique. En juillet 2014, Mraz avait vendu plus de sept millions d'albums et plus de 11,5 millions de singles téléchargés. Son style musical, de la sensation rythmique à son utilisation de guitares à cordes en nylon, a été fortement influencé par la musique brésilienne. Mraz est né et a grandi à Mechanicsville, en Virginie. Il est d'origine tchèque et slovaque grâce à son grand-père, qui a déménagé aux États-Unis d'Autriche-Hongrie en 1915. Son nom de famille est tchèque pour "gel" (mráz). Ses parents, Tom (Tomáš) Mraz et June Tomes, ont divorcé à l'âge de cinq ans. Son père est postier et sa mère est vice-présidente d'une succursale de Bank of America. Mraz a déclaré qu'il avait eu une enfance idyllique: "Ma ville natale de Mechanicsville était très américaine. Il y avait des palissades blanches, une église à chaque coin de rue, un faible taux de criminalité et pratiquement aucune consommation de drogue. C'était un bon endroit pour grandir.".
Oorutaichi (vrai nom: Taichi Otoru, 9 mai 1979) est un musicien japonais. Oorutaichi a commencé à enregistrer et à jouer en 1999, inspiré par The Residents, The Doors, Tyrannosaurus Rex, Aphex Twin et Dancehall Reggae. Les enregistrements initiaux étaient des improvisations à plusieurs niveaux utilisant des instruments, des jouets et de la voix «réels», évoluant vers des chansons composées utilisant une instrumentation déclenchée par midi. Son premier album, "YORI YOYO", est sorti en 2003 pour être acclamé par Yamatsuka EYE (BOREDOMS), FREEROM (Skam Records) Daniel Wang et d'autres, et a été diffusé sur BBC Radio. Il a été présenté dans plusieurs magazines japonais et est très actif dans la musique underground japonaise.
Son deuxième CD sur Okimi Records "Drifting My Folklore" comprend quatre chansons de sa première sortie nationale et six nouveaux morceaux. Composées, jouées chantées et mixées entièrement par OORUTAICHI, les mélodies fortes, les rythmes variés et le travail de refrain libre créent un son original qui pourrait presque être de la musique traditionnelle d'un pays fictif appelé "OORUTAICHI". Il s'agit d'un style progressif qui sera apprécié par les auditeurs de musique de danse, les fans de folk gratuits, etc. En plus des solos, il est également actif dans des projets tels que Band Urichupang County (chant, compositeur, actuellement inactif), et un artiste partenaire YTAMO (Utamo) avec l'unité de chanson Yuuki. En plus de la production principale de musique, il a travaillé avec les danseurs Masako Yasumoto, fournissant de la musique sur scène et agissant comme directeur du son et de la musique pour le film d'animation Kick-Heart. Oorutaichi prend le mot «fun» en hyperdrive. Ce producteur japonais bouscule les règles de la techno, de l'électro pop et du sample comme une canette de soda et laisse les choses voler avec enthousiasme et cœur contagieux. Allez-y et faites exploser des morceaux comme ‘Beshaby’ et ‘Yori Yoyo’ sans ricocher à travers la pièce comme un hamster sur la tige. Ça n'arrive pas. Depuis son premier album en 2003, Oorutaichi a marqué des courts métrages d’animation, joué de manière intensive avec son groupe Urichipangoon, et même échantillonné le légendaire Moondog sur sa piste ‘Hamihadarigeri’.
Glen Matlock (né le 27 août 1956) est un musicien anglais mieux connu pour être le bassiste dans la formation originale du groupe de punk rock Sex Pistols. Il est crédité en tant que co-auteur de 10 des 12 chansons de Never Mind the Bollocks, Here the Sex Pistols, bien qu'il ait quitté le groupe pendant l'enregistrement de l'album. Il a quitté le groupe en 1977 en raison de différences créatives avec les autres membres du groupe. Depuis qu'il a quitté les Sex Pistols en 1977, il a joué avec plusieurs autres groupes, ainsi que son propre travail solo. Après la mort de son remplaçant dans les Sex Pistols, Sid Vicious, Matlock a repris ses fonctions de guitare basse pour les retrouvailles ultérieures de Sex Pistols, y compris la tournée Filthy Lucre de 1996, le concert de 2002 pour commémorer le jubilé d'or d'Elizabeth II, leur pisse nord-américaine de 2003 Off Tour et leur tournée 2007-2008 au Royaume-Uni et en Europe pour les moissonneuses-batteuses. Ancien élève d'une école d'art, Matlock avait initialement rejoint Jones et Cook en 1972; même s'il a quitté le groupe en 1977 avant la fin de leur premier album, il a été réembauché pour terminer la majorité des morceaux de basse de l'album. À sa sortie, Matlock a formé une unité punk-pop appelée Rich Kids, qui comprenait également le futur chanteur d'Ultravox Midge Ure; ils ont sorti un album en 1978, Ghosts of Princes in Towers (qui a produit un classique négligé dans la chanson titre), avant de se séparer. Matlock a joué avec Sid Vicious et a rejoint le groupe d'Iggy Pop peu de temps après, en tournée avec Pop en 1979 et apparaissant sur l'album Soldier de l'année suivante. Au cours des prochaines années, Matlock a joué avec une variété de groupes, y compris les Spectres (avec Danny Kustow, ex-Tom Robinson Band), les London Cowboys (apparaissant sur leur album de 1984 Tall in the Saddle) et Johnny Thunders (d'environ 1985-1987). En 1990, Matlock a publié son autobiographie, I Was a Teenage Sex Pistol, et a ensuite travaillé dans les modèles avec d'anciens membres de Public Image Ltd. En 1995, il a joué avec un groupe de rock & roll de style Faces appelé les Philistins, qui a également présenté le chanteur Gerry Foster, le guitariste Paul O'Brien et le batteur Paul Simon (et avait initialement inclus l'ancien guitariste PiL Keith Levene); cette année-là, ils sortent un album, Hard Work, sur Peppermint Records. En 1996, le premier album solo de Matlock, Who's He Think He Is When He at Home?, Est sorti sur Creation, avec l'ancien guitariste de Rich Kids, Steve New. Cependant, ses airs de style rock britannique ont été largement perdus dans le battage médiatique entourant la tournée de retrouvailles du 20e anniversaire des Sex Pistols et l'album qui l'accompagne, Filthy Lucre Live, pour lequel Matlock était un participant à part entière. Les Philistins ont ensuite été complètement réorganisés, avec Matlock désormais facturé devant le groupe en tant que leader; les autres membres comprenaient les guitaristes Steve New et James Stevenson, l'organiste Nick Plytas et le batteur Chris Musto. Mick Jones de The Clash a fait plusieurs apparitions sur son album de 2000 pour Peppermint, Open Mind. L'année suivante, Matlock a fait une tournée avec Dead Men Walking, un quatuor de vétérans de l'ère punk jouant de la guitare acoustique qui comprenait également l'ancien chef de l'alarme Mike Peters. En 2004, Matlock a suivi Open Mind avec le même rock classique On Something. Il a sorti son quatrième album solo, Born Running, en septembre 2010.
Scott Hansen (né en 1977), connu professionnellement sous le nom de Tycho, est un musicien, compositeur, auteur-compositeur et producteur américain. Il est également connu comme ISO50 pour son travail photographique et de conception. Sa musique est une combinaison de synthétiseurs de style vintage downtempo et de mélodies ambiantes. Son son est très organique, incorporant souvent des extraits d'éléments humains dans ses chansons (par exemple, des émissions météorologiques, de simples paroles ou de la respiration). Tycho a signé avec Ghostly International en 2006, mais a également sorti de la musique sur Merck Records et Gammaphone Records. Son quatrième album studio, Epoch, a reçu une nomination pour le meilleur album de danse / électronique aux Grammy Awards 2017. Tycho a quitté Ghostly International en 2019. Le projet musical de Hansen Tycho est influencé par et a été comparé à des artistes tels que DJ Shadow, Ulrich Schnauss et Boards of Canada. Sa musique capture le son des médias analogiques lo-fi tout en restant à la fois progressiste et futuriste dans sa composition et son style. Les thèmes de la nostalgie, de la nostalgie, de l'enfance et du monde naturel sont entrecoupés à travers l'œuvre de Tycho. De brefs intermèdes ou vignettes figurent également dans ses travaux antérieurs. Dans Past Is Prologue, Hansen inclut des extraits d'émissions accompagnées d'atmosphères pour capturer un moment ou une humeur spécifique. Sa musique se caractérise par un mélange de synthés électroniques, d'instrumentation live et de clips sonores vintage. Jusqu'à la sortie de l'album Dive, Hansen a travaillé en tant qu'artiste solo et a utilisé la station de travail audio numérique, Cakewalk Sonar, pour travailler avec du matériel analogique, virtuel analogique, du matériel numérique et des synthétiseurs VSTI ainsi que des échantillons dérivés de l'instrumentation live, joués par Hansen lui-même. Lors de la création de l'album, il est passé à REAPER, un programme plus dynamique qu'il attribue lui permettant de terminer Dive. La tournée de l'album avait un groupe live pour la première fois, hybridant l'expérience de la musique électronique avec l'énergie dynamique d'une performance avec instrumentation live. Après une tournée, Hansen a décidé d'ouvrir définitivement le projet solo et de travailler à la fois en tournée et en studio aux côtés de deux autres membres du groupe, Zac Brown à la guitare basse et à la guitare et Rory O'Connor à la batterie. Lors de l'exécution, toutes les guitares sont en direct, jouées par Hansen ou Brown. La basse est également toujours en direct, à l'exception de la chanson "Hours". La batterie est jouée en direct par O'Connor, et les synthétiseurs principaux sont également en direct. Hansen joue souvent de la guitare tout en déclenchant des échantillons avec son pied. Son objectif est de trouver l'équilibre entre la nature fluide d'un spectacle vivant avec des artistes jouant des instruments physiques et la précision et la capacité de rester fidèle à l'album de musique électronique.
Vincent Jamal Staples (né le 2 juillet 1993) est un rappeur, chanteur, auteur-compositeur et acteur américain. Il est membre du trio hip-hop Cutthroat Boyz aux côtés des autres rappeurs californiens Aston Matthews et Joey Fatts. Staples était autrefois un proche associé d'Odd Future, en particulier Mike G et Earl Sweatshirt. Il est actuellement signé chez Blacksmith Records, ARTium Recordings et Def Jam Recordings. Staples a pris de l'importance avec des apparitions sur des albums des membres d'Odd Future et sa mixtape collaborative intitulée Stolen Youth avec Mac Miller, qui a produit le projet. En octobre 2014, il sort son premier EP Hell Can Wait, qui comprend les singles "Hands Up" et "Blue Suede". Son premier album, Summertime '06, est sorti le 30 juin 2015, acclamé par la critique. Il a également été présenté dans le cadre de la XXL 2015 Freshman Class. Son deuxième album Big Fish Theory, qui contient les singles "BagBak", "Big Fish" et "Rain Come Down", intègre des influences d'avant-garde, de danse et d'électronique. Il a été publié le 23 juin 2017, pour acclamer davantage les critiques. Le 2 novembre 2018, Staples a sorti son troisième album studio, FM !. Staples est né à Compton, en Californie. Il a ensuite déménagé à North Long Beach après que sa mère a décidé qu'elle voulait s'éloigner de Compton en raison des taux de criminalité élevés. Staples est le plus jeune de cinq frères et sœurs, deux frères et trois sœurs. Staples a grandi dans la pauvreté. Staples a fréquenté Optimal Christian Academy de la 4e à la 8e année, ce qui, selon lui, a été une expérience positive et influente. Au lycée, la mère de Staples l'a envoyé à Atlanta pour rester avec l'une de ses sœurs. Il y est allé au lycée pendant six mois. Après son retour en Californie du Sud, Staples a fréquenté d'autres écoles secondaires: Jordan High School à Long Beach, Mayfair High School à Bellflower, Opportunity High School home schooling, Esperanza High School à Anaheim et Kennedy High School, entre autres. Staples a été franc au sujet de son implication dans les gangs durant son enfance et est impliqué dans la discussion avec les jeunes de sa communauté sur les dangers du mode de vie des gangs.
BIGYUKI, de son vrai nom Masayuki Hirano, est un claviériste et compositeur japonais. Son vocabulaire étendu alimente sa capacité à créer un son entièrement nouveau en insufflant des éléments de jazz, classique, hip-hop, soul, rock, danse et électronique dans ses compositions. Le premier album de BIGYUKI, Reaching for Chiron, est une synthèse parfaite du cœur et de la technologie, avec des rythmes lourds et des mélodies dynamiques. La sortie a été saluée par WBGO comme «soniquement immersive» », une variété céleste de synthé jazz. "DJ Mag et PopMatters ont également fait l'éloge de l'album, le qualifiant de" kaléidoscopique du point de vue sonore "et d '" infectieusement intéressant ". ’BIGYUKI donne vie à ces compositions sur scène dans des performances dynamiques avec un bassiste et un batteur à ses côtés. Classiquement formé au Berklee College of Music, BIGYUKI a continué à cultiver une identité musicale unique qui a attiré l'attention de ses collègues artistes Q-Tip, Bilal, Talib Kweli, Harvey Mason, Marcus Strickland, Mark Guiliana, Me'Shell Ndegeocello et plus. Son travail est présenté sur J. Cole’s 4 Your Eyez Only et A Tribe Called’s We Got It From From Here’¦Thank You 4 Your Service. Hirono n'est pas le produit standard de l '«école de jazz» du 21e siècle, bien qu'il soit allé au Berklee College of Music - le terrain de formation classique des bro de jazz des années passées. Il a grandi au Japon, où sa préparation musicale était presque exclusivement du classique occidental. "Comment j'ai développé mon son est bizarre et unique. Je n'étais pas un B-boy quand je suis arrivé à Berklee. Même le jazz était nouveau pour moi. J'avais une technique classique. Mais je n'avais pas vraiment la volonté d'être un classique musicien. "
Pourquoi aller à Berklee si vous n'êtes pas particulièrement intéressé par les styles jazz ou pop américain? Hirono explique que, principalement, il cherchait de nouveaux horizons. "Je voulais quitter le Japon et avoir une nouvelle vision, me voir sous un nouveau jour. Mes parents avaient tous deux vécu aux États-Unis et voulaient que j'y aille. J'ai utilisé ma technique classique pour me faire sortir. Berklee était connue au Japon, et J'ai obtenu une bourse. "
À Berklee, Hirano était la recrue ultime, entendant la musique pop pour la première fois. Au début, il s'est plongé dans le piano jazz, mais il ne savait pas swinguer. "J'ai adoré Oscar Peterson, Kenny Barron, Phineas Newborne, Jr. J'étais ce gamin ennuyeux qui a toujours voulu jouer avec les gens, 'Let's jam, play with me!' Je jouerais la partie basse pour eux afin qu'ils puissent jouer. C'est comme ça que j'ai commencé à jouer des lignes de basse. Ensuite, je suis entré dans le jazz d'orgue, en jouant des lignes de basse avec ma main gauche. J'étais intimidé de demander aux bassistes de jouer, mais j'ai commencé à jouer avec des batteurs. "
L'obsession de l'orgue a conduit Hirono à la musique gospel. "J'ai commencé dans les années 50 ou 60 et j'ai dû avancer. L'obsession des lignes de basse a conduit Hirono, assez tôt, à la musique funk classique, par exemple Maceo Parker's Life on Planet Groove (1992). Cela l'a amené à bref pour le hip-hop. "J'ai entendu un échantillon d'un groove que j'ai adoré de Maceo. "On dirait que BigYuki a reçu une éducation accidentelle dans la musique noire américaine au cours de quelques années seulement. La musique sur les débuts de BigYuki ne ressemble pas beaucoup à aucune de ces musiques: piano jazz ou jazz d'orgue ou inspiré de James Brown / Musique de Maceo Parker, mais vous pouvez entendre cette trace de toute cette musique qui se cache derrière la conception de BigYuki. Une grande partie de l'album se compose de paysages sonores qui sont infectieusement intéressants, qui changent au fil du temps presque comme le fait une improvisation de jazz, avec des motifs récurrents et en mutation. "Burnt N Turnt" commence comme une texture sonore pure, mais il apporte un léchage à cinq notes qui bascule et sautille, reliant tout le reste. Bien qu'il n'y ait pas d'improvisations ou de «solos» dans la tradition du jazz, du blues et du rock, BigYuki a composé la performance pour que les synthétiseurs se lancent dans des interludes qui sonnent comme des sections de saxophone big band ou comme les lignes de clavier du classique des années 70 Herbie Hancock. enregistrements de fusion. Des voix d'échantillon crient, des marches et des grooves de percussions de synthé, des sirènes hurlent. BigYuki commençait à se lancer dans ce genre de musique dès Berklee. "Je suis entré dans les synthétiseurs. En jouant avec un groupe, j'entendais ce qui se passait, puis je trouvais des idées qui pourraient s'ajouter à la musique comme couche supplémentaire. Mais mon objectif était de trouver quelque chose qui était si accrocheur que les gens ne pourraient pas entendre la musique sans elle. "
En fin de compte, cela signifie que BigYuki est devenu un partenaire d'artistes de toutes sortes. En effet, il y a deux ans, il a travaillé avec A Tribe Called Quest sur leur dernier enregistrement. Il est crédité en tant que compositeur, par exemple, sur "Melatonin", allongé dans un synthé spatial jouant sous le rap de Q Tip et le chant d'Abbey Smith. Comment a-t-il obtenu ce concert? "Quand je suis arrivé à New York de Boston, mes premiers gros concerts ont été de jouer avec Bilal. Je pense que j'ai excellé à trouver rapidement des idées et à développer le bon son pour une situation. Et cette compétence a très bien fonctionné dans le hip-hop. Ensuite Je jouais avec Talib Kweli. "
À ses débuts, BigYuki travaille avec Chris Turner sur "Eclipse", un air soul moderne a un couplet / refrain traditionnel même si c'est un air hip-hop dans les textures et l'approche. Bilal est présenté au chant pour "Soft Places", et le rappeur Javier Starks est au centre de "Simple Like You". À travers toutes ces pièces, BigYuki construit un paysage sonore et le déplace avec créativité. "Simple Like You", par exemple, bascule entre un groove de danse staccato et une section orchestrée avec des sons de cordes qui flottent dans le temps.
Janelle Monáe Robinson (née le 1er décembre 1985) est une chanteuse, compositrice, rappeuse, actrice et productrice américaine signée chez Atlantic Records, ainsi que sa propre marque, la Wondaland Arts Society. La carrière musicale de Monáe a commencé en 2003 lorsqu'elle a sorti un album démo non officiel intitulé The Audition. En 2007, elle a fait ses débuts publics avec un EP conceptuel intitulé Metropolis: Suite I (The Chase). Il a culminé au deuxième rang du palmarès des Top Heatseekers des États-Unis et, en 2010, via Bad Boy Records, Monáe a sorti son premier album studio complet, The ArchAndroid, un album concept et la suite de son premier EP. En 2011, Monáe a été présenté comme chanteur invité sur le plaisir. Le single de "We Are Young", qui a remporté un succès commercial majeur, dépassant les palmarès de plus de dix pays et attirant Monáe un public plus large. Son deuxième album studio, The Electric Lady, est sorti en 2013 et a fait ses débuts au numéro cinq sur le Billboard 200, servant de quatrième et cinquième épisodes de sa série conceptuelle en sept parties Metropolis. En 2016, Monáe a fait ses débuts au cinéma dans deux productions de haut niveau; elle a joué dans Hidden Figures en tant que mathématicienne et ingénieur en aérospatiale de la NASA Mary Jackson et a également joué dans Moonlight. Hidden Figures a été un succès au box-office, tandis que Moonlight a remporté l'Academy Award du meilleur film lors de la 89e cérémonie annuelle. Le troisième album studio de Monáe, Dirty Computer, également décrit comme un album concept, a été publié en 2018, acclamé par la critique; il a été choisi comme le meilleur album de l'année par plusieurs publications et a valu à Monáe deux nominations aux 61e Grammy Awards annuels, dont celui de l'album de l'année. L'album a fait ses débuts au numéro six sur le Billboard 200 et a été promu par le Dirty Computer Tour de Monáe, qui a duré de juin à août 2018. Tout au long de sa carrière, Monáe a reçu huit nominations aux Grammy Awards. Elle a remporté un MTV Video Music Award et le ASCAP Vanguard Award en 2010. Elle a également reçu le Billboard Women in Music Rising Star Award en 2015 et le Trailblazer of the Year Award en 2018. En 2012, elle est devenue porte-parole de CoverGirl. Le conseil municipal de Boston a nommé le 16 octobre 2013 «Janelle Monáe Day» dans la ville de Boston, Massachusetts, en reconnaissance de son talent artistique et de son leadership social.
Manami KAKUDO est né à Nagasaki, au Japon. Elle est musicienne, percussionniste. Elle est diplômée du cours de percussion, Département de musique instrumentale, Université des Arts de Tokyo. Elle fait de la musique et des tours en utilisant divers instruments tels que Marimba, sa propre voix et des choses proches qui l'attirent. Les formes de ses œuvres peuvent être non seulement des performances sonores, mais aussi des installations sonores et des œuvres dans des projets artistiques socialement engagés. Dans ses œuvres solo, elle travaille des sons spécialement et joue avec des instruments de musique faits à la main, la voix, le piano, la guitare et diverses choses autour d'elle. Dans ses projets solo, elle joue et dirige «Manami Kakuda avec Tako Mansion Orchestra». Depuis l'été 2016, elle travaille et joue dans le groupe «CERO» en tant que chœur et percussionniste. Elle a également commencé à jouer avec différents musiciens (Doppelzimmer, Kaoru Noda, Baku Furukawa etc…). Elle joue également dans des programmes télévisés et des réenregistrements pour des programmes télévisés / publicités et des films. Elle est active pour jouer de la musique contemporaine et produire de la musique pour des performances de danse et des œuvres vidéo. - Exposition / concert solo «Nanikana (qu'est-ce que c'est?)?» (2015, HAGISO à Tokyo)
- Résidence Echigo-Tsumari Art Field (2015, Niigata)
- Sound Installation TURN (2015, Musée d'art métropolitain de Tokyo à Tokyo) TURN (2016, Musée d'art métropolitain de Tokyo à Tokyo).
Ashton Simmonds (né le 5 avril 1995), mieux connu sous son nom de scène Daniel Caesar, est un chanteur et compositeur canadien. Après avoir bâti indépendamment une suite grâce à la sortie de deux EPs acclamés par la critique Praise Break (2014) et Pilgrim's Paradise (2015), Caesar a sorti son premier album Freudian en août 2017, qui a également suscité un large succès critique. Ashton Simmonds est né le 5 avril 1995 à Oshawa, en Ontario, le deuxième aîné de quatre enfants de ses parents Hollace et Norwill Simmonds, un chanteur de gospel qui a sorti son premier album en tant que lycéen en Jamaïque. Simmonds a fréquenté une église adventiste du septième jour et une école privée à Oshawa. Il est d'origine barbadienne et jamaïcaine. Caesar a été acclamé par la critique pour son premier EP Praise Break de 2014, qui a été classé 19e sur les "20 meilleurs albums R&B de 2014" par Rolling Stone. Son œuvre est influencée par la religion, qui a joué un grand rôle dans son éducation, ainsi que par l'amour non partagé. Son single "Get You" a rassemblé plus de 10 millions de streams sur Apple Music depuis sa sortie en octobre 2016. Selon sa direction, le catalogue du chanteur a recueilli plus de 20 millions de flux mondiaux sur Apple Music. Selon NPR, en juin 2018, ses trois chansons les plus diffusées totalisaient 249 millions de flux sur Spotify. Le 25 août 2017, Caesar a sorti son premier album Freudian, qui comprenait des singles "Get You", "We Find Love" et "Blessed". L'album a été finaliste finaliste pour le Polaris Music Prize 2018. Lors des 60e Grammy Awards annuels, Caesar a été nominé pour deux prix du meilleur album R&B et de la meilleure performance R&B pour son single "Get You". Lors des 61e Grammy Awards annuels, Caesar a remporté le Grammy de la meilleure performance R&B pour son single "Best Part". En tant qu'auteur-compositeur-interprète élevé sur les sons de la soul et du gospel, sa musique s'inspire des expériences de son enfance et les complète avec un R&B et une électronique modernes tandis que les paroles explorent les sujets de la religion et de l'amour non partagé. César cite Frank Ocean, Kanye West et Beyoncé et le leader des Doors Jim Morrison comme sources d'inspirations musicales et esthétiques.
Salam Unagami est un écrivain de musique et de nourriture / DJ radio / conférencier / MC. Le programme radio de Salam sur J-WAVE «Oriental Music Show» a reçu le prix du meilleur divertissement radio 2017 par la Japan Commercial Broadcasters Association!
Salam visite régulièrement les pays du Moyen-Orient et le sous-continent indien depuis la fin des années 1980 pour faire des recherches sur la musique, la nourriture et la culture locales. Il a publié 5 livres sur la musique du monde et 4 livres sur la cuisine du Moyen-Orient. L'émission de musique hebdomadaire de Salam "Ongaku Yuran Hiko" sur NHK-FM (Japan Broadcasting Corporation) est l'émission de radio World Music la plus populaire dans tout le Japon. Et, son livre de recettes "MEYHANE TABLE" classé comme le n ° 1 dans la catégorie Amazon livres de cuisine ethniques. 1967: Né à Gumma. 1990: Diplômé du Département de science politique de l'Université Meiji. 6 ans A travaillé à "WAVE Roppongi", un magasin de musique légendaire à Tokyo, puis a commencé à écrire sur la musique pour plusieurs magazines. 1996: quitte le Japon et séjourne à Montpellier dans le sud de la France pendant 6 mois pour apprendre le français. 2 ans Le sac à dos voyage à travers l'Europe, le Moyen-Orient, l'Asie du Sud-Est, le Tibet et l'Inde. 1998: De retour à Tokyo, a travaillé pour quelques labels de musique indépendants et les relations publiques du plus grand club de Tokyo "WOMB". 2000: Devient journaliste musical indépendant. 2003: Publication du 1er livre «Trans World Express». 2004: J'ai commencé à parler dans un programme radio sur J-Wave. 2008: Début du cours de musique du monde au Wako University Open College. 2012: Lancement de mon propre programme de musique du monde appelé «Ongaku Yuran Hiko» sur NHK FM. 2016: Publication de 2 livres sur la cuisine du Moyen-Orient, «MEYHANE TABLE» & «Breakfast in istanbul». A commencé mon deuxième programme radio intitulé «Oriental Music Show» sur J-WAVE. 2017: «Oriental Music Show» sur J-WAVE a reçu le prix du meilleur divertissement radio 2017 de la Japan Commercial Broadcasters Association! Publication de mon 8ème livre «Nuit à Joujouka, Matin avec Soufi: Promenade dans les musiques du monde». 2018: 3 nuits tournées au Fuji Rock Festival. 2019: Publication de «MEYHANE TABLE More!» 2ème livre de recettes. Livres. "MEYHANE TABLE Plus!" Mon 2ème livre de recettes de cuisine du Moyen-Orient. 2019
“Nuit à Joujouka, Matin avec Soufi: Promenade dans les musiques du monde” 2017
«MEYHANE TABLE», mon 1er livre de recettes de cuisine en couleur de Turquie, du Liban, du Maroc et d'Israël. 2016
"Petit déjeuner à Istanbul" La suite de "Oishii Chuto" 36 recettes de Turquie, Liban, Maroc, Londres, Tokyo & Israël, 2016. "Oishii Chuto (Délicieux la cuisine du Moyen-Orient)", mon 1er. colonnes de cuisine et 52 recettes de Turquie, Liban, Maroc, Egypte, Yémen et Israël, 2013. «21st Century Middle-Eastern Music Journal», 2012. «Trans World Express Definitive Edition», mes récits de voyage avec musique et guide CD, 2008. «Planet India». Ma quête de la musique indienne, y compris l'hindusthani, la musique classique carnatique, le folk du Rajasthan, Bollywood et les massifs asiatiques, 2006. «Trans World Express», mes récits de voyage avec musiques du monde et guide CD, 2003. Radio
NHK-FM «Ongaku Yuran Hiko (vol à vue panoramique)», programme régulier de musique du monde 4 fois par mois dans tout le Japon!
J-WAVE "Oriental Music Show" programme hebdomadaire de musiques du monde à Tokyo et dans l'est du Japon. Radio Takasaki "Musique Sans Frontières" Programme bimensuel de musiques du monde dans la région de Gumma. Conférences
Études mensuelles des musiques du monde au centre culturel Asahi de Shinjuku. Etudes de musiques du monde à Dokkyo, Rikkyo & Wako University. Atelier culinaire
«Shuccho Meyhane (Meyhane itinérant) les ateliers de cuisine du Moyen-Orient à Tokyo et partout au Japon
Professeur de cours de cuisine à Coto-Labo Asagaya dirigé par le magazine Orange Page
etc…
DJ dans des boîtes de nuit et lors de mariages. faire des compléments de CD. superviser des films étrangers dans des versions japonaises,
superviser les menus de cuisine du Moyen-Orient pour les restaurants.
Alice Phoebe Lou (née le 19 juillet 1993) est une auteure-compositrice-interprète sud-africaine. Elle a sorti deux EP et trois albums. En décembre 2017, sa chanson "She" du film Bombshell: The Hedy Lamarr Story a été incluse dans la liste des Oscars de la meilleure chanson originale. Lou a passé son enfance à Kommetjie sur la côte ouest de la péninsule du Cap en Afrique du Sud et a fréquenté l'école Waldorf. Ses parents sont des réalisateurs de documentaires. Enfant, elle a pris des cours de piano mais a appris à jouer de la guitare elle-même. Quand elle avait 14 ans, elle aimait la musique transe et a commencé à prendre des photos de concerts, parfois même à être payé pour eux. En 2010, elle a passé ses vacances d'été à Paris en vivant d'abord avec sa tante, mais a rapidement déménagé pour vivre avec un ami et a commencé à gagner de l'argent en dansant le feu. Après une année sabbatique après avoir obtenu son diplôme d'études secondaires en Afrique du Sud en 2012, elle est retournée en Europe, d'abord à Amsterdam puis à Berlin. À Berlin, elle a commencé à chanter et à jouer de la guitare en découvrant que c'était plus lucratif que la danse du feu. Après son année sabbatique, elle envisageait d'aller à l'université en Afrique du Sud, mais a finalement décidé d'acheter un amplificateur alimenté par batterie et de retourner à Berlin à la place. À Berlin, elle a joué dans les stations et les parcs des stations S et U-Bahn. Après un mois à Berlin, elle a joué sur un programme de télévision. En avril 2014, elle a sorti son EP "Momentum". La chanson "Fiery Heart, Fiery Mind" de l'EP figurait dans la bande originale du film "Ayanda" sorti en 2015. Elle a également commencé à jouer dans des salles. Après une performance au TEDx à Berlin le 6 septembre 2014, elle a commencé à recevoir des offres de maisons de disques, mais elle voulait rester indépendante. En décembre 2014, elle a sorti un album live "Live at Grüner Salon" comme moyen de financer l'enregistrement de son premier album studio. En 2015, elle a commencé à tourner et a joué pour la première fois au festival SXSW aux États-Unis en 2015. Elle est retournée au SXSW chaque année par la suite. Elle a également joué à TEDGlobal Londres en 2015 et a ouvert pour Rodriguez lors de sa tournée en Afrique du Sud en 2016. En avril 2016, Alice Phoebe Lou a sorti son album "Orbit", produit par Matteo Pavesi et Jian Kellett-Liew. Elle a été nominée pour la meilleure artiste féminine au prix de la critique allemande 2016 en Allemagne et a été invitée à plusieurs émissions de télévision allemandes pour des interviews et des performances. Elle a fait des tournées en Europe, en Afrique du Sud et aux États-Unis en 2016 et a joué trois spectacles à guichets fermés au Planétarium de Berlin. D'autres tournées et concerts à guichets fermés ont suivi en 2017, mais Lou a également poursuivi ses spectacles de rue. En décembre 2017, elle a sorti neuf titres "Sola" EP et un livre intitulé "Songs, poems and memories". Le même mois, il a été annoncé que sa chanson "She" du film Bombshell: The Hedy Lamarr Story est sur la liste des Oscars des Oscars dans la catégorie Meilleure chanson originale. "She" est sorti en single numérique le 23 février 2018 avec un clip réalisé par Natalia Bazina. En 2018, Alice Phoebe Lou a fait une tournée en Europe, aux États-Unis, en Afrique du Sud, au Japon et au Canada. Le premier single Something Holy de son album Paper Castles est sorti le 30 novembre 2018. Le 15 janvier 2019, le deuxième single, Skin Crawl, est sorti numériquement. Le 15 février, le troisième single, Galaxies, est sorti et à la fin du mois, une vaste tournée aux États-Unis, au Canada et en Europe comprenant plus de 40 concerts a été lancée. L'album est sorti le 8 mars 2019. En mars, Alice était l'artiste du mois de Conséquence du son. Le 6 mai, une vidéo Galaxies filmée au Zeiss Planetarium de Berlin avec Maisie Williams a été publiée. Le 30 mai, Alice Phoebe Lou s'est produite pour la première fois sur la scène principale du Primavera Sound Festival à Barcelone. Plus tard dans la journée, elle a eu un autre petit concert au stade OCB Paper Sessions. Primavera Sound a publié un extrait du concert de la scène principale dans leur collection de vidéos Best of 2019. Début juin, la vidéo de Skin Crawl a remporté le troisième prix aux Berlin Music Video Awards dans la catégorie du meilleur concept.
Sabrina Claudio (née le 19 septembre 1996) est une chanteuse et compositrice américaine. Fin 2016, Claudio a téléchargé plusieurs chansons sur SoundCloud, avant de compiler une collection sélectionnée dans le cadre de sa première pièce étendue, Confidently Lost, qui est sortie indépendamment en mars 2017. Son single "Unravel Me" a culminé au numéro 22 sur le Billboard Twitter Emerging Tableau des artistes, et son single "Belong to You" a culminé au numéro 2 sur le même. Sa première mixtape, About Time, est sortie le 5 octobre 2017. Elle a culminé au 13e rang du palmarès Top R&B Albums de Billboard. Claudio a grandi à Miami et est d'origine mi-cubaine et mi-portoricaine. Elle a ensuite déménagé à Los Angeles où elle a commencé sa carrière musicale sérieusement. Elle a d'abord commencé à enregistrer et à publier des couvertures vidéo sur Twitter et YouTube avant de passer aux pistes originales qu'elle a publiées sur SoundCloud. Au cours de 2016, Claudio a sorti plusieurs singles, dont "Runnin 'Thru Lovers", "Orion's Belt" et Confidently Lost. Ces chansons feront partie de son EP, Confidently Lost, qu'elle a initialement publié indépendamment sur SoundCloud. L'EP a reçu une large diffusion en mars 2017 via SC Entertainment. En mai 2017, elle a sorti un single, "Unravel Me", d'un projet à venir qui devrait sortir plus tard en 2017. La chanson atteindrait un sommet à la 22e place du palmarès Billboard Twitter Emerging Artists. Elle a sorti un autre single pour ce projet intitulé "Belong to You", en juillet 2017, qui a culminé à # 2 sur le même graphique. Il a été annoncé en août 2017 que Claudio serait en tournée en Amérique du Nord avec 6lack lors de sa Free 6lack Tour. Le 5 octobre 2017, la première mixtape numérique intégrale de Claudio, About Time, a été officiellement publiée. La mixtape est soutenue par les singles "Unravel Me" et "Belong to You". D'octobre à novembre 2017, Apple Music a promu Claudio en tant qu'artiste Up Next, une série qui se concentre sur des artistes révolutionnaires en documentant leur voyage, leur inspiration et leurs influences à travers des interviews exclusives, des performances en direct et un mini-documentaire. Le 2 avril 2018, Claudio a sorti le single "All to You" suivi de "Don't Let Me Down" avec Khalid le 4 avril. Son premier album studio No Rain, No Flowers, est sorti le 15 août 2018, précédé par le single "Messages From Her".
Écoutez la musique éthérée de Ryohei Kubota pendant qu'il joue du handpan.
Ryohei Kubota est un musicien japonais jouant de l'instrument handpan, créant les sons apaisants que vous entendrez dans le clip vidéo. Le jeune homme de 19 ans a commencé à jouer au handpan alors qu'il était encore au lycée. En jouant avec cet instrument inhabituel dans les rues de Shibuya et Harajuku à Tokyo, Ryohei Kubota a attiré l'attention. Il travaille actuellement avec des DJ et utilise différents styles et instruments pour jouer.
Le handpan est un nouvel instrument joué par les mains et les doigts. La percussion réagit au toucher le plus léger, produisant un son hypnotisant aux multiples harmoniques.
Le clip de Ryohei Kubota pour son premier album «RISING» a été réalisé par Maria Nanashima.
Stella Donnelly est une musicienne gallo-australienne née à Perth, en Australie. Elle a passé son enfance à Morriston, au Pays de Galles, avant de revenir à Perth, en Australie, avec sa famille. Donnelly a commencé à chanter lorsqu'elle a rejoint un groupe de rock au lycée (Irene McCormack Catholic College) qui interprétait les reprises de Green Day. Après le lycée, Donnelly a étudié la musique contemporaine et le jazz à la West Australian Academy of Performing Arts. Donnelly a sorti son premier EP intitulé Thrush Metal en 2017 sur le label de disques Healthy Tapes. En 2018, le EP est réédité aux États-Unis par le label américain Secretly Canadian. Elle a sorti son premier album, Beware of the Dogs, le 8 mars 2019 via Secretly Canadian. Il a été très bien accueilli par les critiques, dont Robert Christgau, qui l'a qualifié d '"encyclopédie musicale des connards [masculins]". Avant la publication de ses projets solo, Donnelly faisait partie de deux groupes nommés BOAT SHOW et BELL RAPIDS. Thrush Metal a été rendu public le 6 avril 2017. L'album était composé de six morceaux qui sont devenus immensément populaires auprès du public australien. Son style d’écriture est son regard sur le monde dans lequel nous vivons, un aperçu de ce que signifie être une femme millénaire à l’ère de Trump, de Tinder et du féminisme de la troisième vague. L'album a été réédité par Donnelly avec le label Secretly Canadian en 2018. Donnelly a sorti son premier album intitulé Beware of the Dogs le 8 mars 2019. Le premier single américain de Donnelly, Boys Will Be Boys, a fait ses débuts en 2017, juste au début du Trop "le mouvement commençait. Au sommet de délicates attaques acoustiques chantantes, Donnelly affronte un homme qui a violé son amie et s'attaque au blâme de la victime qui l'accompagne. "Pourquoi était-elle toute seule? / Elle portait son t-shirt si bas / Et ils disaient que les garçons seraient des garçons / Sourds au mot non", cria-t-elle dans le refrain, un léger vibrato s'élevant aux coins de sa belle voix. La chanson en vedette Boys Will Be Boys a été incluse dans la liste des pistes de l'album. L’album lui-même met en valeur une artiste qui maîtrise parfaitement sa voix, capable d’exercer son charme invitant et son esprit vif dans des chansons authentiquement crues.
Kathy Yaeji Lee (née le 6 août 1993), connue professionnellement sous le nom de Yaeji, est une artiste de musique électronique américano-coréenne basée à Brooklyn, New York. Son style mêle des éléments de la musique house et du hip hop avec des voix douces et calmes chantées en anglais et en coréen. Kathy Yaeji Lee est née le 6 août 1993 à Flushing, dans le Queens, enfant célibataire dans une famille coréenne. En grandissant, Yaeji a déménagé de New York à Atlanta quand elle avait 5 ans, puis en Corée du Sud en troisième année. Alors qu'elle vivait en Corée du Sud, Yaeji changeait chaque année entre différentes écoles internationales, la faisant trouver des amis sur Internet, où elle découvrirait d'abord la musique. Yaeji a également brièvement fréquenté l'école au Japon avant de retourner en Corée. Yaeji est finalement retourné aux États-Unis pour étudier l'art conceptuel, les études en Asie de l'Est et la conception graphique à l'Université Carnegie Mellon de Pittsburgh. Yaeji a adopté le DJ comme passe-temps tout en assistant à Carnegie Mellon, après avoir appris à utiliser Traktor et commencé à faire du DJ lors de fêtes à la maison. Elle a DJé pendant deux ans avant d'apprendre Ableton, de faire sa propre musique et de faire ses débuts sur la station de radio universitaire de Carnegie Mellon. Yaeji est diplômé de Carnegie Mellon en 2015. Après ses études, Yaeji est retourné à New York pour s'impliquer dans la scène musicale et DJ. Son premier single, "New York '93", faisant référence à son année de naissance, a été publié sur le label Godmode de New York le 29 février 2016, suivi d'une reprise de "Guap" par le DJ australien Mall Grab en mai. Elle avait précédemment téléchargé des chansons sur SoundCloud, bien qu'elles aient été supprimées; cela comprenait "Areyouami", qui a été libéré quand elle était au collège. Son premier EP éponyme, comprenant les deux singles précédents, a été publié par Godmode le 31 mars 2017. Elle a commencé à attirer l'attention après sa première session Boiler Room en mai 2017, qui impliquait un remix du single "Passionfruit" de Drake. La chanson a ensuite été officiellement publiée sur la page Soundcloud de Godmode. Le premier de plusieurs singles autonomes, "Therapy" a été publié en juillet 2017, suivi par un single numérique à deux pistes, Remixes, Vol. 1, le 1er août et le single "Last Breath" le 28 août. Le clip du single "Drink I'm Sippin On" est sorti sur la chaîne YouTube de 88rising en octobre 2017, gagnant rapidement plus d'un million de vues en deux semaines. Le 3 novembre 2017, Yaeji a publié son deuxième EP, EP2, avec des critiques positives et un succès commercial modéré. La vidéo de "Raingurl" est sortie le 16 novembre. Elle a été nommée sur la liste longue Sound of 2018 de la BBC en novembre 2017. Yaeji s'est produite au festival Coachella 2018.
El Hijo de la Cumbia est le projet du producteur de musique Emiliano Gomez alias Ego. 360. Ego. 360 est plus qu'un simple musicien. Il est également un anthropologue musical bien voyagé. Depuis ses débuts en jouant de la cumbia, du reggae, du dub et du hip-hop dans sa ville natale de Buenos Aires à travailler avec des groupes influents de cumbia sonidero au Mexique et aux États-Unis, El Hijo de la Cumbia a toujours cherché à apprendre du monde qui l'entoure. Le dernier succès du musicien basé à Malmö, en Suède, est un nouvel album qui s'étend sur une décennie de recherche et est sa plus grande entreprise à ce jour. «C'est, sans aucun doute, un nouveau départ pour moi», dit-il. «J'ai passé 10 ans à parcourir le monde, à apprendre et à absorber de nouveaux styles et rythmes. J'ai composé 56 chansons, et il m'a fallu un an pour sélectionner mes chansons préférées pour un nouvel album. "
Cet album est Genero Genero, un nom approprié car El Hijo de la Cumbia combine habilement de nombreux sons, styles et genres pour créer une version sonore de son passeport lourdement estampillé. L'album présente des apparitions de Celso Piña, La Dame Blanche, Mexican Institute of Sound, Alika y Nueva Alianza et El Rama, qui se joignent à lui dans sa quête pour abattre toutes les barrières avec la musique comme arme de choix. C'est de la musique qu'il a eu le plaisir de partager avec des publics du monde entier, plus récemment dans divers festivals en Corée, à Abu Dhabi,
Mexique, Brésil, France, Portugal, Danemark, Norvège et Suède. Le premier single de l'album «Che Revolution» met en vedette la collaboratrice de longue date La Dame Blanche. «Genero, Genero» sortira partout le 20 avril.
Bart van der Meer, a. k. une. Bart B More, est rapidement devenu l'une des stars les plus brillantes de la scène musicale électronique internationale. Il a toujours conçu des destroyers de dancefloor qui ont reçu un soutien massif de DJ de renom du monde entier. Combinant son amour pour la musique techno en boucle et rythmée avec la grande house house et l'électro, il a créé un nouveau son de cross-over rafraîchissant. Bart s'est d'abord fait connaître en étant couronné à deux reprises Essential New Tune de Pete Tong en 2007. Depuis, il a ajouté plusieurs pistes originales à son arsenal sur divers labels renommés comme Boys Noize Records, Relief, Sound Pellegrino et Trouble & Bass qui ont tous grimpé jusqu'à des positions élevées sur les charts Beatport. Bart B More a également démontré une capacité naturelle à créer des remix incroyables. Les dernières sorties incluent "We Love" de Sneaky Sound System, "X-Girl" de Teenage Bad Girl et "Fuck You" de Cee-Lo Green. En 2008, Bart B More a fondé Secure Recordings, qui a déjà sorti d'excellents disques de Diplo, Tommie Sunshine, Riva Starr, Harvard Bass, Drop The Lime, AC Slater et Baskerville. Originaire des Pays-Bas, Bart van der Meer - connu sous le nom de Bart B More - est un facteur constant sur la scène mondiale de la musique électronique de danse depuis plus d'une décennie. Son style de production pliant au genre l'a aidé à devenir l'un des producteurs de musique de danse les plus renommés et respectés aujourd'hui. Des scènes d'EDC, de Tomorrowland, d'Ultra, de Creamfields et de Mysteryland, aux lieux souterrains de base comme Womb à Tokyo, Fabric à Londres, Razzmatazz de Barcelone et Webster Hall à New York, son public voit son art comme un DJ pleinement performant et comme un créateur musicien. Polyvalents et décomplexés, les ensembles uniques de Bart garantissent la captivation de toute foule. Au fil des ans, Bart a sorti avec certains des meilleurs labels de l'industrie: STMPD Records, Spinnin ’Records, Boysnoize Records, OWSLA, Sweat It Out !, Relief Records, Sound Pellegrino, Fool’s Gold et Trouble & Bass. Son dernier EP «Lights Out» est apparu sur STMPD Records avec les titres «Lights Out» et «Wack». En plus de collaborer et de travailler avec de grands labels, Bart a également écrit et produit pour Rita Ora et Example, ainsi que des remixes pour Katy Perry, Cee-Lo Green, Tiesto, Chris Brown, Wiley, Martin Garrix, Miike Snow et Pêches parmi tant d'autres. La maîtrise de faire en sorte que chaque beat, synthé et drop coule de manière transparente dans ses mixes a fait de Bart B More un invité de renom lors d'événements partout dans le monde. En tournée internationale depuis 2008, ses innombrables sets de DJ détiennent des compétences et un savoir-faire issus de nombreuses influences et expériences de performance. Bart B More continue de jouer un rôle clé pour maintenir la musique de danse avant-gardiste, innovante et ouverte d'esprit.
William Holland, a. k. a Quantic, est un musicien, DJ et producteur de disques anglais. Il est basé à New York, après avoir passé sept ans en Colombie. Holland enregistre sous divers pseudonymes, dont Quantic, le Quantic Soul Orchestra, The Limp Twins, Flowering Inferno et Ondatrópica. Sa musique présente des éléments de cumbia, salsa, bossa nova, soul, funk et jazz. Holland joue de la guitare, de la basse, de la contrebasse, du piano, de l'orgue, du saxophone, de l'accordéon et des percussions. Une grande partie de son son est une composition originale, plutôt qu'un échantillonnage de matériel d'autres artistes. Holland a également son propre label, Magnetic Fields, sur lequel il sort du heavy soul et du funk. Il a également produit des remixes de plus de 30 chansons. Ses albums The 5th Exotic (2001) et Apricot Morning (2002) présentent des voix d'artistes britanniques, dont la chanteuse de soul Alice Russell. En 2003, il a assemblé The Quantic Soul Orchestra, un nouveau projet visant à produire du funk brut des années 1960 et 1970, à jouer de la guitare lui-même et à présenter des musiciens dont sa sœur Lucy au saxophone. En 2007, la Hollande a déménagé à Cali, en Colombie. Il a créé un studio analogique appelé Sonido del Valle et enregistré et publié l'album Quantic Soul Orchestra Tropidélico (2007) et le premier album éponyme de son projet parallèle de dub tropical, Quantic presenta Flowering Inferno (2008), qui comprenait une variété de musiciens de la région. Il a ensuite assemblé le Combo Bárbaro («Bárbaro» est un terme familier en Colombie signifiant «très talentueux»). La collaboration de Holland en 2008 avec Nickodemus, "Mi swing es tropical", a été présentée dans une publicité télévisée pour iPod d'Apple.
Susumu Hirasawa (Hiraisa Susumu, 1er avril 1954 -) est un musicien et producteur de musique japonais. Son surnom est Maître, Hirasawa. En cinquième année d'école primaire, Hirasawa s'est initié à la guitare électrique, inspiré par les groupes de surf et de rock instrumental qu'il a entendus à la radio et à la télévision, avant de rejoindre plus tard le groupe de son collège. En 1973, il forme Mandrake, un groupe de rock progressif incorporant des éléments de heavy metal et de krautrock. Étant l'un des rares groupes de rock progressif japonais de son époque, Mandrake n'a pas eu beaucoup de succès et n'a sorti aucun album au cours de sa vie. Après avoir découvert le punk rock et travaillé sur des projets faisant appel à de nombreux synthétiseurs, Hirasawa sentit que le rock progressif devenait simplement un divertissement et décida de réformer le groupe en tant que groupe de rock électronique P-Model en 1979. Initialement rencontrés avec succès, ils se sont tournés vers un rock post-punk et expérimental résolument peu commercial après que Hirasawa eut eu une réaction défavorable à sa renommée. Avec Hirasawa à l’avant-garde, le groupe a eu recours à diverses formations et a acquis une certaine popularité sur la scène musicale indépendante japonaise. En 1989, Hirasawa a lancé sa carrière solo. Non liés par les contraintes d'un groupe, ses albums sont marqués par le refus de s'en tenir à un genre particulier. Il a continué à faire évoluer son son tout en travaillant simultanément avec deux versions différentes de P-Model jusqu'à la dissolution du groupe en 2000. Il a activement sorti de la nouvelle musique depuis. Si on se souvient principalement des deux premiers albums de P-Model au Japon, Hirasawa a acquis une reconnaissance internationale pour son travail sur la bande originale, en particulier pour les adaptations du manga Benterk de Kentaro Miura et le travail du réalisateur de dessins animés Satoshi Kon. La musique d'Hirasawa s'inspire de concepts tels que la psychologie analytique, les progrès de la technologie numérique, les philosophies du yin et du yang et les principes de la nature par rapport aux machines. Passionné de romans de science-fiction depuis les années 1970 et lecteur éclectique, il a été inspiré par les œuvres de Frank Herbert, Carl Jung, Hayao Kawai, Kenji Miyazawa, George Orwell, Wilhelm Reich, Antoine de Saint-Exupéry et Theodore Sturgeon. , Nikola Tesla et Kurt Vonnegut. Une source d'inspiration constante pour sa musique est venue de Thaïlande. Lors d’un voyage à Phuket en 1994, Hirasawa subit un "choc thaïlandais" émerveillé par la culture du pays, à savoir ses interprètes de cabaret transsexuels, dont il inviterait certains à chanter sur ses albums et à se produire lors de ses concerts tout au long de sa carrière. Après de nombreux voyages de retour dans le pays, Hirasawa s'identifia de plus en plus à la population transsexuelle, intégrant ses problèmes et son expérience de la société dans son travail. Après avoir classé sa musique en fonction des tendances occidentales, Hirasawa a déclaré:
"Je n'aime pas ça quand j'entends quelqu'un qualifier [ma musique] de bizarre rock ou de bizarre techno. Ce genre est sûrement difficile à définir sur la scène musicale, car il ne correspond pas au standard des charts occidentaux. Le critique musical tente de me juger [et ma musique], tout ce qu'ils proposent est de la musique ambiante ou de la musique à laquelle se droguer. [La scène musicale japonaise] n'aide pas à introduire des termes tels que New Age ou transpersonality. Je veux de laisser ma musique toucher une partie plus large de la société, étant une musique née de la culture japonaise, et je pense que c’est la raison pour laquelle je souhaite me connecter au monde qui n’existe pas sur la scène musicale ". Hirasawa met également en scène un concert interactif "Interactive Live Show", un concert interactif qui associe une image de synthèse à sa musique pour raconter une histoire. Le flux de chaque spectacle est déterminé par la participation du public. Par exemple, Interactive Live Show 2000 Philosopher's Propeller a été conçu comme un labyrinthe et il a été demandé au public de choisir la direction dans laquelle il irait. Avec les numéros de téléphone de quatre téléphones cellulaires au cours d’une chanson, le public était autorisé à les appeler. Hirasawa joue les sonneries correspondantes. Cela a créé une harmonie improvisée entre la musique de fond et les téléphones qui sonnaient. Depuis 1998, la participation est possible via Internet. La musique live de Hirasawa est construite à partir d'échantillons qu'il active avec diverses machines artisanales et des pistes préenregistrées sans voix. Pour les concerts Solar Live, il a utilisé l'énergie solaire et une roue génératrice d'énergie comme source d'énergie pour ses équipements électroniques. Hirasawa travaille depuis le début de sa carrière solo pour réduire le nombre d'interprètes autour de lui. La plupart de ses albums solo à partir de 1992 ne comptent aucun musicien invité et les groupes de concert live ont été abandonnés en 1994. Depuis lors, seuls quelques spectacles sélectionnés ont eu des chanteurs ou des instrumentistes.
UA est un chanteur. UA est un mot swahili qui signifie «fleur».
Né le 11 mars 1972. Né dans la préfecture d'Osaka.
En juin 1995, il fait ses débuts avec le single "HORIZON" du label Victor Speedster.
Depuis ses débuts, elle a attiré l'attention avec son look unique et sa voix chantante.
En juin 1996, le single «Passion» remporta un franc succès et devint un pays entier.
Octobre Premier album "11" sorti. Acclamées dans tous les sens, les ventes ont dépassé les 900 000. Marié à l'apogée de la popularité et a donné naissance au premier enfant.
Il n'y a pas d'horaire ou d'un billet à l'heure actuelle.
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